Wer heute einen Blick auf die Kinoplakate der frühen siebziger Jahre wirft, begegnet oft einer Ästhetik, die wir längst in die Mottenkiste des schlechten Geschmacks verbannt haben. Es herrscht die Meinung vor, dass die Welle der prähistorischen Erotikkomödien lediglich ein pubertärer Auswuchs einer entfesselten Filmindustrie war, die nach dem Fall der Zensurschranken nichts Besseres zu tun hatte, als nackte Haut in Höhlensettings zu präsentieren. Doch diese Sichtweise ist zu kurz gegriffen. Als Die Frauen Noch Schwänze Hatten ist weit mehr als nur ein krudes Beispiel für das sogenannte „Sexploitation“-Kino jener Ära. Wer den Film heute mit dem Blick eines Kulturhistorikers betrachtet, erkennt darin ein faszinierendes, wenn auch bizarres Dokument des gesellschaftlichen Umbruchs. Es geht hier nicht bloß um flache Witze und billige Kostüme, sondern um die radikale Demontage patriarchaler Mythen, verpackt in eine absurde Steinzeit-Farce. Der Film stellt die Frage, was passiert, wenn die zivilisatorischen Regeln wegfallen und die Geschlechterrollen neu verhandelt werden müssen.
Die Evolution Der Absurdität In Als Die Frauen Noch Schwänze Hatten
Das Italien der siebziger Jahre war ein Hexenkessel der Kreativität und des politischen Aufruhrs. Inmitten dieser Zeit entstand ein Werk, das die Evolutionstheorie nicht etwa ernsthaft diskutieren, sondern sie schlichtweg verspotten wollte. Die Prämisse, dass Frauen in der Vorzeit über physische Merkmale verfügten, die später verschwanden, dient als Metapher für den Verlust einer ursprünglichen Macht oder Freiheit. In der Erzählung beobachten wir eine Gruppe von Männern, die in einer technologisch rückständigen, aber hierarchisch starren Welt leben. Das Auftauchen des Weiblichen in dieser Welt wirkt nicht nur störend, sondern katalytisch. Es ist ein Missverständnis zu glauben, der Film wolle die Frau lediglich zum Objekt degradieren. Vielmehr sind es die Männer, die durch ihre Unbeholfenheit und ihre Unfähigkeit, mit der neuen Realität umzugehen, der Lächerlichkeit preisgegeben werden.
Die Rolle Des Drehbuchs Und Die Handschrift Der Meister
Interessanterweise stecken hinter dieser Produktion Namen, die man eher im intellektuellen Kino vermuten würde. Das Drehbuch stammt unter anderem von Marcello Coscia und Ennio Flaiano. Letzterer war kein Geringerer als der engste Mitarbeiter von Federico Fellini und Mitautor von Klassikern wie „La Dolce Vita“. Wenn ein Mann wie Flaiano an einer solchen Komödie mitschreibt, passiert das nicht ohne Hintersinn. Man spürt den satirischen Biss, der die Borniertheit der männlichen Protagonisten aufs Korn nimmt. Die Männer in der Geschichte sind von ihren eigenen Trieben und ihrer Unfähigkeit zur Kooperation gefesselt. Die Frau hingegen, gespielt von Senta Berger, agiert mit einer Souveränität, die das Machtgefüge der Steinzeitclique innerhalb kürzester Zeit zum Einsturz bringt. Hier wird ein Bild der Weiblichkeit gezeichnet, das trotz der zeittypischen optischen Inszenierung eine erstaunliche Autonomie behauptet.
Als Die Frauen Noch Schwänze Hatten Als Spiegel Der Sexuellen Revolution
Es ist leicht, aus einer heutigen, vermeintlich aufgeklärten Position über die Filme dieser Epoche die Nase zu rümpfen. Doch man muss den Kontext sehen. In Westeuropa tobte die sexuelle Revolution. Die Pille war auf dem Markt, die Frauenbewegung forderte lautstark Rechte ein, und das Kino reagierte darauf mit einer Mischung aus Faszination und Angst. Das Werk fungiert hier als Ventil. Es projiziert die aktuellen Ängste der Männer vor dem Machtverlust in eine ferne, fiktive Vergangenheit. Wenn man genau hinsieht, erkennt man, dass die namensgebenden anatomischen Anhängsel im Film weniger eine sexuelle Funktion haben, sondern als Symbol für eine ungebändigte Natur stehen, die sich der Kontrolle entzieht.
Senta Berger Und Die Untergrabung Des Männlichen Blicks
Senta Berger war zu diesem Zeitpunkt bereits ein internationaler Star. Dass sie sich für diese Rolle entschied, wurde oft als rein kommerzielle Entscheidung abgetan. Doch Berger war bekannt dafür, ihre Rollen mit einer gewissen Distanz und Ironie zu spielen. Sie verkörpert nicht das hilflose Opfer, sondern die treibende Kraft. Während die Männer in der Höhle darüber streiten, wie sie mit dem fremden Wesen umzugehen haben, hat sie die Situation längst durchschaut. Sie nutzt die Schwächen der Männer schamlos aus, um ihre eigene Position zu festigen. Das ist kein klassischer Sexismus, sondern eine Umkehrung der Machtverhältnisse durch Parodie. Die Kamera mag zwar den Konventionen des damaligen Unterhaltungskinos folgen, doch die narrative Struktur gibt der Frau das letzte Wort. Wer den Film heute sieht, kann die Ironie kaum übersehen, mit der hier die männliche Dominanz als bloßes Imponiergehabe entlarvt wird.
Die Politische Dimension Des Primitivismus
In der Filmwissenschaft wird oft diskutiert, warum gerade das Genre der Steinzeitkomödie in Italien so erfolgreich war. Es bot die Möglichkeit, gesellschaftliche Institutionen wie die Ehe, die Kirche oder das Militär zu kritisieren, ohne direkt die Zensur auf den Plan zu rufen. In der archaischen Welt des Films gibt es keine Priester und keine Gesetze, nur das nackte Überleben und die Interaktion zwischen den Individuen. Diese Reduktion auf das Wesentliche erlaubt es dem Film, die Absurdität moderner Normen bloßzustellen. Ich habe oft beobachtet, dass Zuschauer die politische Ebene komplett ignorieren, weil sie von der schrillen Optik abgelenkt sind. Aber genau darin liegt die Stärke dieses Genres. Es tarnt seine Gesellschaftskritik als harmlosen Klamauk.
Die Produktion war eingebettet in ein europäisches Koproduktionssystem, das damals florierte. Man wollte den US-amerikanischen Großproduktionen etwas entgegensetzen, das frecher, direkter und weniger moralinsauer war. Während Hollywood noch mit den Überresten des Hays Code kämpfte, feierte das europäische Kino die neue Freiheit. Dass dabei auch viel Trash entstand, ist unbestritten. Aber dieser Trash hatte eine Energie und eine Respektlosigkeit, die dem heutigen, oft steril wirkenden Mainstream-Kino völlig abgeht. Man traute sich, geschmacklos zu sein, um Wahrheiten auszusprechen, die in einem seriösen Drama untergegangen wären.
Die Anatomie Des Vorurteils Und Die Moderne Rezeption
Wenn Kritiker heute über den Film urteilen, verwenden sie oft Begriffe, die der damaligen Realität nicht gerecht werden. Man wirft dem Werk vor, frauenfeindlich zu sein, übersieht dabei aber, dass die männlichen Figuren ausnahmslos als Idioten dargestellt werden. Es gibt keine Helden in dieser Welt. Es gibt nur Kreaturen, die versuchen, ihren Platz in einer chaotischen Umwelt zu finden. Der Film dekonstruiert den Mythos des „starken Mannes“, der die Natur beherrscht. Stattdessen sehen wir Männer, die über ihre eigenen Füße stolpern, sobald eine Frau den Raum betritt.
Die Behauptung, solche Filme hätten den Fortschritt der Frauenrechte behindert, hält einer genauen Prüfung nicht stand. Im Gegenteil: Sie machten die Absurdität der Geschlechtertrennung sichtbar. Indem man die Rollen ins Extreme verzerrte, wurde deutlich, wie künstlich diese Konstrukte eigentlich sind. Es ist eine Form der Karnevalisierung der Welt, in der für kurze Zeit alles auf den Kopf gestellt wird. Die Frau mit dem Schwanz ist kein biologisches Statement, sondern ein anarchistisches Symbol. Es bricht mit der Erwartungshaltung an den weiblichen Körper und macht ihn zu etwas Fremdem, das sich der männlichen Einordnung entzieht.
Das Erbe Eines Verkannten Kultfilms
Man kann über die handwerkliche Qualität streiten, man kann über die Musik von Ennio Morricone staunen – ja, sogar der Großmeister steuerte hier Klänge bei –, aber man kann dem Film nicht seine Originalität absprechen. In einer Zeit, in der das Kino immer formelhafter wird, wirkt ein Werk wie Als Die Frauen Noch Schwänze Hatten fast schon erfrischend subversiv. Es erinnert uns daran, dass Kunst nicht immer höflich oder pädagogisch wertvoll sein muss, um einen Kern Wahrheit zu enthalten. Der Film ist ein Zeugnis einer Ära, in der man bereit war, alles infrage zu stellen, sogar die menschliche Anatomie, um über die Natur des Verlangens und der Macht zu lachen.
Wir müssen aufhören, die Filmgeschichte nur durch die Brille der heutigen Korrektheit zu betrachten. Wer das tut, beraubt sich der Chance, die Nuancen und den Mut zu verstehen, der in diesen scheinbar billigen Produktionen steckte. Es geht nicht darum, den Sexismus der Vergangenheit zu entschuldigen, sondern die Intelligenz derer zu erkennen, die ihn durch Übersteigerung lächerlich machten. Die wahre Provokation des Films liegt nicht in der Nacktheit, sondern in der Weigerung, sich den moralischen Erwartungen des Publikums zu beugen.
Der Blick zurück zeigt uns, dass das, was wir heute als primitiv empfinden, oft eine schärfere Analyse unserer eigenen Unzulänglichkeiten war, als wir uns eingestehen wollen. Es ist an der Zeit, die Vorurteile abzulegen und zu akzeptieren, dass Provokation manchmal der einzige Weg ist, um festgefahrene Denkmuster aufzubrechen.
Wahre Emanzipation beginnt dort, wo wir über die Absurdität unserer eigenen Rollenspiele lachen können, ohne uns hinter der Maske der Moral zu verstecken.
