Manche behaupten, Musik sei eine universelle Sprache, doch in der elektronischen Tanzmusik gleicht sie oft eher einem Grabenkrieg zwischen Lagern, die ihre Identität über BPM-Zahlen und Synthesizer-Einstellungen definieren. Als im Jahr 2016 die Kollaboration Armin Van Buuren Vini Vici Great Spirit erschien, rieben sich viele die Augen, denn hier prallten Welten aufeinander, die zuvor streng getrennt schienen. Der niederländische Trance-Gott, der über Jahre das Gesicht des melodischen, fast schon ätherischen Sounds war, verbündete sich mit dem israelischen Duo, das den harten, tribalistischen Psy-Trance aus den staubigen Wüsten-Raves in die kommerziellen Arenen trug. Viele sahen darin einen genialen Schachzug zur Verjüngung eines alternden Genres, doch wer genauer hinschaut, erkennt, dass dieser Moment weit mehr war als nur ein Hit. Es war die Geburtsstunde einer neuen, künstlichen Folklore, die den kulturellen Ursprung des Psy-Trance plünderte, um ihn massentauglich zu machen.
Ich erinnere mich gut an die ersten Reaktionen in den Foren und sozialen Netzwerken, als die markanten, von nordamerikanischen Ureinwohnern inspirierten Gesänge über einen stampfenden Offbeat-Bass gelegt wurden. Es wirkte wie ein Fremdkörper in der sonst so glatten Welt des Mainstream-Trance. Man kann es drehen und wenden wie man will: Dieses Werk markierte den Punkt, an dem die Nische endgültig vom Kommerz geschluckt wurde. Anstatt die Tiefe und die psychedelische Komplexität zu würdigen, wurde das Ganze auf eine festivaltaugliche Formel reduziert, die nur noch dazu diente, zehntausende Menschen gleichzeitig zum Springen zu bringen. Es ist ein Missverständnis zu glauben, dass dieser Track das Genre bereichert hat; er hat es vielmehr seiner Seele beraubt, um eine funktionale Stadion-Hymne zu erschaffen.
Die Kommerzialisierung des Schamanismus durch Armin Van Buuren Vini Vici Great Spirit
Das Problem beginnt bei der Ästhetik. Wer sich mit der Geschichte des Psy-Trance beschäftigt, weiß, dass diese Musikrichtung tief in der Gegenkultur verwurzelt ist, in den Vollmondpartys von Goa und der Idee der Bewusstseinserweiterung. Als die Beteiligten sich für dieses Projekt zusammenfanden, nahmen sie diese spirituellen Versatzstücke und pressten sie in ein Korsett aus Big-Room-Strukturen. Das Ergebnis ist eine Art akustischer Tourismus. Man bedient sich der Symbole einer anderen Kultur, ohne deren Bedeutung wirklich zu erfassen oder zu respektieren. Die Rede ist hier von einer klanglichen Kulisse, die Spiritualität simuliert, während sie eigentlich nur den nächsten Drop vorbereitet.
Der Mechanismus der Vereinfachung
Betrachtet man die Struktur des Tracks, wird schnell klar, warum er so erfolgreich war und gleichzeitig so zerstörerisch für die künstlerische Vielfalt wirkte. Echter Psy-Trance lebt von subtilen Modulationen, von Klängen, die sich über zehn Minuten oder länger langsam entwickeln und den Hörer in einen tranceartigen Zustand versetzen. Hier hingegen wird alles auf drei bis vier Minuten komprimiert. Der Basslauf ist hart, aber vorhersehbar. Die Vocals sind eingängig, aber repetitiv ohne Tiefe. Es ist die Fast-Food-Variante einer ehemals komplexen Kunstform. Experten aus der Musikwissenschaft, wie etwa Mark Butler, haben oft darüber geschrieben, wie elektronische Musik durch die Standardisierung ihre subversive Kraft verliert. Genau das passierte hier. Die Wildheit der Wüste wurde durch die kontrollierte Umgebung eines klimatisierten Studios ersetzt.
Skeptiker werden nun einwenden, dass Musik sich weiterentwickeln muss und dass Kooperationen zwischen verschiedenen Stilen den Horizont erweitern. Sie sagen, dass Armin Van Buuren Vini Vici Great Spirit jungen Hörern den Weg zu tiefergehenden Klängen geebnet hat. Doch die Realität sieht anders aus. Wenn man den Einstieg über eine extrem vereinfachte Version findet, sucht man oft nicht mehr nach dem Original, sondern bleibt bei der Kopie hängen. Die Leute wollen nicht mehr die echte Trance-Erfahrung, sie wollen den Kick, den sie aus dem Radio kennen. Das ist so, als würde man behaupten, dass eine Tüte Instant-Nudeln das Interesse an der traditionellen japanischen Küche fördert. Meistens bleibt es beim Instant-Produkt, weil es bequemer ist.
Ein neues Geschäftsmodell für den Dancefloor
Es geht bei solchen Produktionen nicht nur um Kunst, sondern vor allem um Marktanteile. In einer Zeit, in der Streaming-Zahlen die Währung der Branche sind, müssen Künstler Wege finden, um in den Algorithmen stattzufinden. Ein Name wie Armin van Buuren garantiert Reichweite, aber die Partnerschaft mit aufstrebenden Acts wie Vini Vici sicherte den Zugang zu einer jüngeren, energiegeladeneren Zielgruppe. Man kann diesen Schritt als strategische Brillanz bezeichnen, aber für die musikalische Integrität war es ein Offenbarungseid. Es signalisierte anderen Produzenten, dass man nicht mehr innovativ sein muss, solange man zwei bekannte Markennamen zusammenwirft und ein paar exotische Samples nutzt.
Ich habe beobachtet, wie nach dem Erfolg dieses Titels eine regelrechte Flut an ähnlichen Produktionen den Markt überschwemmte. Überall hörte man plötzlich diese künstlichen Stammesgesänge und den immer gleichen Triplet-Basslauf. Die Individualität ging verloren. Was früher ein besonderes Merkmal einer kleinen Szene war, wurde zum Standardrepertoire jedes Dorf-DJs. Das ist die traurige Wahrheit über den Erfolg in der Musikindustrie: Wenn etwas funktioniert, wird es so lange kopiert, bis es unerträglich wird. Die Pioniere der Szene sahen fassungslos zu, wie ihr Lebenswerk zu einer Karikatur verkam, die auf den Hauptbühnen der Welt als das nächste große Ding verkauft wurde.
Die Illusion der Energie
Oft hört man das Argument, die Energie bei Live-Auftritten rechtfertige die musikalische Schlichtheit. Wer einmal in einer Menge von 50.000 Menschen stand, wenn der Bass einsetzt, weiß, wie mitreißend das sein kann. Aber Energie ist kein Synonym für Qualität. Ein Presslufthammer hat auch Energie, trotzdem würde niemand ihn als Sinfonie bezeichnen. Der Fokus verschob sich weg vom Zuhören hin zum bloßen Reagieren. Man wird nicht mehr von der Musik getragen, man wird von ihr bearbeitet. Diese mechanische Herangehensweise an die Unterhaltung ist ein Spiegelbild unserer Zeit, in der Aufmerksamkeit nur noch durch maximale Reizüberflutung gewonnen werden kann.
Wer heute zurückblickt, sieht ein Feld, das durch diese Entwicklung nachhaltig verändert wurde. Die Grenze zwischen dem, was einst als Underground galt, und dem reinen Pop ist fast vollständig verschwunden. Das mag für die Bankkonten der Beteiligten großartig sein, aber für die kulturelle Relevanz des Genres ist es ein Desaster. Wir haben eine Welt erschaffen, in der alles gleich klingt, weil niemand mehr das Risiko eingehen will, das Publikum zu überfordern. Die Ironie dabei ist, dass Trance eigentlich dazu da war, Grenzen zu überschreiten, nicht um neue Mauern aus Formelhaftigkeit zu errichten.
Es ist nun mal so, dass wir uns in einer Sackgasse befinden. Die großen Namen der Szene haben sich so sehr an den Erfolg gewöhnt, dass sie vergessen haben, wie man experimentiert. Man kann es ihnen kaum verübeln, schließlich geht es um ein Millionen-Business. Aber wir als Hörer sollten kritischer sein. Wir sollten uns fragen, ob wir wirklich nur die immer gleiche Kopie einer Kopie hören wollen oder ob wir wieder Musik verlangen, die uns wirklich überrascht. Die Geschichte der elektronischen Tanzmusik ist voll von Momenten, in denen aus dem Chaos etwas völlig Neues entstand. Doch in diesem Fall wurde das Chaos ordentlich verpackt und mit einem Preisschild versehen.
Der Einfluss dieses einen Tracks reicht bis heute in die Playlists und DJ-Sets hinein. Er schuf eine Blaupause für den schnellen Erfolg, die bis heute nachgeahmt wird. Doch was bleibt übrig, wenn der Hype verflogen ist? Meistens nur die Erkenntnis, dass wir einen Teil unserer musikalischen Identität für einen kurzen Moment des kollektiven Springens geopfert haben. Die wahre Größe zeigt sich nicht darin, wie viele Menschen man dazu bringt, gleichzeitig die Hände in die Luft zu werfen, sondern darin, wie lange ein Werk im Gedächtnis bleibt, wenn die Lichter ausgegangen sind. In dieser Hinsicht war der große Geist, der hier beschworen wurde, eher ein flüchtiges Gespenst als eine bleibende Offenbarung.
Wir müssen aufhören, kommerziellen Opportunismus als künstlerische Evolution zu feiern, nur weil er uns für fünf Minuten auf der Tanzfläche schwitzen lässt.
