Es gibt diesen Moment im Kino, in dem man spürt, dass ein Regisseur alles auf eine Karte setzt. Manchmal gewinnt er das gesamte Casino, manchmal verlässt er das Gebäude ohne Hemd. Als Luc Besson im Jahr 2017 sein Lebensprojekt валериан и город тысяча планет in die Kinos brachte, rieben sich Kritiker und Analysten gleichermaßen die Augen. Sie sahen ein buntes, überladenes Spektakel, das so gar nicht in das starre Korsett des modernen Blockbuster-Kinos passen wollte. Die landläufige Meinung besagt, dass dieser Film ein grandioser Flop war, ein handwerkliches Missgeschick, das bewies, dass man ohne die Schützenhilfe von Marvel oder Star Wars kein Weltraumepos mehr stemmen kann. Ich behaupte das Gegenteil. Wer dieses Werk nur als finanziellen Fehlschlag verbucht, verkennt die fundamentale Bedeutung dieses Films für die visuelle Kultur der Gegenwart. Es ist kein misslungener Film; es ist eine Rebellion gegen die visuelle Monotonie, die uns Hollywood seit Jahren als Goldstandard verkauft.
Die Geschichte der Produktion liest sich wie ein Abenteuerroman der europäischen Filmindustrie. Mit einem Budget von fast zweihundert Millionen Euro war es die teuerste europäische Produktion aller Zeiten. Das Geld kam nicht aus den Tresoren der großen Studios in Los Angeles, sondern wurde durch ein komplexes Gefüge aus Vorverkäufen und unabhängigen Investoren zusammengekratzt. Besson wollte nicht weniger, als die Grenzen des Vorstellbaren zu sprengen. Er griff dabei auf eine Comic-Vorlage zurück, die George Lucas bereits Jahrzehnte zuvor als inoffiziellen Ideengeber für seinen eigenen Krieg der Sterne genutzt hatte. Wenn man genau hinsieht, erkennt man in den Panels von Pierre Christin und Jean-Claude Mézières die DNA fast jeder großen Science-Fiction-Erzählung der letzten fünfzig Jahre.
Das visuelle Erbe von валериан и город тысяча планет
Was die meisten Zuschauer bei der Erstsichtung überforderte, war die schiere Dichte der Reize. In einer Zeit, in der Marvel-Filme oft in entsättigten Grautönen und austauschbaren Stadtlandschaften spielen, wirkte dieses Werk wie eine Explosion in einer Farbfabrik. Die Eröffnungssequenz, die zur Musik von David Bowie die Geschichte der Raumstation Alpha erzählt, ist vielleicht eines der elegantesten Stücke filmischen Erzählens, das wir in diesem Jahrhundert bisher gesehen haben. Ohne viele Worte wird gezeigt, wie die Menschheit durch Kooperation und Neugier über ihre Grenzen hinauswächst. Das ist der Kern der gesamten Erzählung. Es geht nicht um den Kampf Gut gegen Böse im klassischen Sinne, sondern um die Komplexität einer bürokratischen Galaxie, in der Vorurteile und koloniale Altlasten die größten Feinde sind.
Die Dekonstruktion des klassischen Heldenbildes
Ein Punkt, an dem sich viele Geister schieden, war die Besetzung der Hauptrollen. Dane DeHaan und Cara Delevingne entsprachen so gar nicht dem Bild der gestandenen Action-Ikonen, die wir aus dem US-Kino gewohnt sind. DeHaan spielt keinen unfehlbaren Helden, sondern einen jungen Mann, der versucht, in einer Rolle zu funktionieren, die eigentlich zu groß für ihn ist. Er wirkt manchmal verloren, fast schon arrogant in seiner Unsicherheit. Delevingne hingegen bringt eine Bodenständigkeit ein, die das emotionale Rückgrat bildet. Kritiker warfen den beiden fehlende Chemie vor, doch sie ignorierten dabei den europäischen Charme dieser Charaktere. Sie sind keine unnahbaren Götter, sondern junge Menschen mit Fehlern, die in einem intergalaktischen Chaos feststecken.
Man kann argumentieren, dass das Drehbuch schwächelte, dass die Dialoge manchmal hölzern wirkten. Aber ist das bei einem Film, der seine Geschichte primär über das Bild erzählt, wirklich das entscheidende Kriterium? Wir akzeptieren bei einem Actionfilm von John Wick, dass die Handlung auf einen Bierdeckel passt, solange die Choreografie stimmt. Warum legen wir bei diesem Werk andere Maßstäbe an? Die visuelle Choreografie hier ist atemberaubend. Die Sequenz auf dem „Big Market“, in der die Protagonisten gleichzeitig in zwei verschiedenen Dimensionen agieren, ist ein technisches Meisterstück. Sie erfordert vom Zuschauer eine kognitive Leistung, die über das übliche passive Konsumieren hinausgeht. Hier wird das Medium Film genutzt, um neue Räume zu erkunden, anstatt nur bekannte Pfade abzulaufen.
Ein notwendiges Korrektiv zum Hollywood-Einheitsbrei
Skeptiker werden nun sagen, dass ein Film am Ende des Tages Geld einspielen muss, um als Erfolg zu gelten. Das ist die rein kaufmännische Sichtweise, die jedoch die langfristige Wirkung eines Kunstwerks ignoriert. Viele Klassiker der Filmgeschichte waren bei ihrem Erscheinen finanzielle Desaster. Blade Runner oder 2001: Odyssee im Weltraum wurden nicht sofort als Meisterwerke erkannt. Sie brauchten Zeit, um im kulturellen Bewusstsein zu reifen. Ich bin fest davon überzeugt, dass wir in zehn oder zwanzig Jahren auf валериан и город тысяча планет zurückblicken werden und erkennen, wie wegweisend das Design und der Mut zur Lücke waren. Der Film traut sich, albern zu sein, er traut sich, sentimental zu sein, und er traut sich vor allem, nicht wie ein Produkt vom Fließband zu wirken.
Die Industrie in Los Angeles hat sich in eine Sackgasse manövriert. Man setzt auf bekannte Marken, auf endlose Fortsetzungen und auf ein Risiko-Management, das jede kreative Spitze kappt. Dieses europäische Großprojekt war der Versuch, aus diesem Teufelskreis auszubrechen. Es war eine Erinnerung daran, dass Kino auch Staunen bedeuten kann. Wenn wir nur noch Filme unterstützen, die nach den immer gleichen Fokusgruppen-Tests konstruiert sind, verlieren wir die Fähigkeit, von etwas völlig Neuem überrascht zu werden. Die Kritik am Film war oft eine Kritik am Unbekannten, an der Andersartigkeit einer Ästhetik, die sich nicht den Sehgewohnheiten des US-Marktes unterwarf.
Der kulturelle Wert des Risikos
Man muss sich vor Augen führen, was auf dem Spiel stand. Luc Besson hat seine eigene Firma für diese Vision riskiert. Das ist eine Form von Leidenschaft, die man im heutigen Kino kaum noch findet. Man spürt in jeder Einstellung, dass hier jemand sein Herzblut vergossen hat, um eine Welt zu erschaffen, die er seit seinem zehnten Lebensjahr in seinem Kopf trug. Wenn wir als Publikum solche Bestrebungen nur mit Häme und Verweisen auf die Einspielergebnisse strafen, sorgen wir selbst dafür, dass das Kino stirbt. Wir züchten uns eine Generation von Filmemachern heran, die Angst davor haben, Fehler zu machen. Aber ohne Fehler gibt es keinen Fortschritt. Ohne das Risiko, lächerlich zu wirken, gibt es keine echte Schönheit.
Die Art und Weise, wie hier mit Aliens umgegangen wird, unterscheidet sich fundamental von der gängigen Praxis. In den meisten Filmen sind Außerirdische entweder Bedrohungen oder niedliche Sidekicks. Hier sind sie Bewohner einer komplexen Stadt, Wesen mit eigenen Kulturen, Religionen und wirtschaftlichen Interessen. Die Vielfalt der Kreaturen ist schwindelerregend. Jede Spezies fühlt sich so an, als hätte sie eine Geschichte, die weit über den Rand der Leinwand hinausreicht. Das ist Worldbuilding auf einem Niveau, das nur selten erreicht wird. Es ist eine Einladung an die Fantasie des Zuschauers, die Lücken selbst zu füllen, anstatt alles vorgekaut zu bekommen.
Die Ablehnung des Films durch das Massenpublikum sagt mehr über den Zustand unserer Sehgewohnheiten aus als über die Qualität des Werks selbst. Wir sind so sehr an die Struktur der Heldenreise nach Joseph Campbell gewöhnt, dass jede Abweichung davon als struktureller Mangel wahrgenommen wird. Doch das Leben ist nicht linear, und gute Geschichten müssen es auch nicht immer sein. Die episodische Natur der Erzählung spiegelt den Geist der Comic-Vorlage wider. Es ist ein Roadmovie durch den Weltraum, ein Trip durch verschiedene Sphären des Seins. Wer sich darauf einlässt, wird mit Bildern belohnt, die man nie wieder vergisst.
Es gibt eine Szene, in der Rihanna als Gestaltwandlerin auftritt. Manche fanden diesen Auftritt deplatziert oder zu lang. Ich sehe darin eine Hommage an die Wandelbarkeit der Identität, ein Thema, das in unserer modernen Welt zentral ist. Der Film verhandelt diese Fragen spielerisch, fast schon beiläufig, inmitten einer gigantischen Verfolgungsjagd. Das ist die Stärke dieses Ansatzes: Er verpackt tiefgreifende menschliche Themen in ein Gewand aus purem Entertainment, ohne dabei belehrend zu wirken. Es ist eine Feier der Kreativität, die sich nicht dafür entschuldigt, dass sie existiert.
Man kann die Bedeutung dieses Projekts für die europäische Identität im globalen Wettbewerb gar nicht hoch genug einschätzen. Es war der Beweis, dass wir technisch in der Lage sind, auf dem höchsten Level mitzuspielen. Die Spezialeffekte, die von Weta Digital und Industrial Light & Magic stammten, waren zur Zeit der Veröffentlichung das Nonplusultra. Es gab keinen qualitativen Abfall zu den teuersten Produktionen aus Übersee. Das Problem war nicht die Technik, sondern die Erwartungshaltung eines Publikums, das durch jahrelanges Franchise-Kino darauf konditioniert wurde, nur noch das zu akzeptieren, was es bereits kennt.
Wenn du heute einen Filmabend planst und nach etwas suchst, das dich wirklich herausfordert, dann gib diesem unterschätzten Epos eine Chance. Schalte die Vorurteile aus, die du über die Hauptdarsteller oder den Regisseur gehört hast. Lass dich auf die Farben ein, auf die bizarren Kreaturen und auf die ungewöhnliche Erzählweise. Du wirst feststellen, dass da draußen im All mehr Platz für Wunder ist, als uns die großen Studios glauben machen wollen. Es ist an der Zeit, dass wir aufhören, Filme nur nach ihrem Profit zu bewerten und anfangen, sie nach ihrem Mut zu beurteilen.
Der wahre Fehlschlag wäre es gewesen, diesen Film nie zu drehen. Dass er existiert, ist ein kleines Wunder an sich. Er steht da als Monument für den Versuch, das Unmögliche zu wagen. Vielleicht war die Welt noch nicht bereit für diesen Grad an visueller Freiheit, aber das ändert nichts an der Brillanz der Vision. Es ist nun mal so, dass Pioniere oft erst viel später gewürdigt werden. In der Rückschau wird dieses Werk als ein Leuchtturm der Originalität in einem Meer von Kopien wahrgenommen werden. Es ist ein Film, der atmet, der lebt und der uns daran erinnert, warum wir überhaupt erst angefangen haben, Geschichten über die Sterne zu erzählen.
Die Behauptung, das Werk sei ein künstlerisches Desaster, hält einer genauen Prüfung nicht stand. Es ist ein hochkomplexes, visuell revolutionäres Stück Kino, das lediglich das Pech hatte, in einer Zeit der kulturellen Ängstlichkeit veröffentlicht zu werden. Wer Innovation fordert, aber dann bei der ersten Abweichung von der Norm die Flucht ergreift, hat den Sinn von Kunst nicht verstanden. Wir brauchen mehr solcher Filme, nicht weniger. Wir brauchen Filmemacher, die bereit sind, sich lächerlich zu machen, um uns Momente des puren Staunens zu schenken. Das ist die eigentliche Aufgabe des Kinos, und in dieser Hinsicht ist das Projekt ein triumphaler Erfolg.
Am Ende bleibt die Erkenntnis, dass Qualität nicht immer mit Massentauglichkeit korreliert. Wir leben in einer Welt, in der Algorithmen entscheiden, was wir sehen sollen, doch wahre Leidenschaft lässt sich nicht programmieren. Das Werk ist ein Plädoyer für das Chaos, für die Farbe und für die ungezähmte Fantasie. Es ist ein Geschenk an alle, die sich noch nicht mit der Eintönigkeit des Mainstreams abgefunden haben. Wir sollten froh sein, dass es Menschen gibt, die bereit sind, hunderte Millionen Euro für eine Träumerei auszugeben, anstatt den zehnten Aufguss einer müden Superhelden-Saga zu produzieren.
In einer Ära, die Originalität oft zugunsten von Sicherheit opfert, erinnert uns dieser Film daran, dass das größte Risiko im Verzicht auf das Träumen liegt.
