Joel Schumacher hat die Welt nicht zerstört. Wenn man heute über Batman & Robin spricht, schwingt meistens ein hämischer Unterton mit, als ginge es um einen Unfall, den man sich nur aus morbider Neugier ansieht. Doch wer den Blick weitet und den Batman Film With Poison Ivy von 1997 nüchtern betrachtet, erkennt eine ästhetische Konsequenz, die dem modernen Superheldenkino völlig abgeht. Während das aktuelle Marvel Cinematic Universe in einem grauen Brei aus austauschbaren Effekten versinkt, wagte dieser Streifen etwas, das heute undenkbar scheint: Er war eine explizite Hommage an die Camp-Kultur und den Pop-Art-Surrealismus der Sechzigerjahre. Die Ablehnung des Films rührt nicht von handwerklichem Unvermögen her, sondern von einer kollektiven Verweigerung, das Genre als das zu akzeptieren, was es im Kern oft ist: eine grelle, überzeichnete Maskerade.
Ich erinnere mich gut an den Moment, als ich den Film das erste Mal sah. Die Neonfarben von Gotham City wirkten wie ein Fiebertraum auf Speed. Die Kritik stürzte sich damals auf die Nippel am Kostüm oder die platten Wortwitze von Arnold Schwarzenegger als Mr. Freeze. Aber diese Sichtweise ignoriert das eigentliche Herzstück des Werks. Pamela Isley, die von Uma Thurman gespielte Botanikerin, ist keine bloße Randnotiz der Comic-Geschichte. Sie verkörpert das ultimative Motiv der Verführung und der ökologischen Rache. In einer Zeit, in der das Klima zum zentralen Thema der globalen Debatte wurde, war diese Figur ihrer Ära weit voraus. Sie wollte die Welt nicht einfach nur brennen sehen. Sie wollte sie begrünen, wenn auch mit tödlichen Mitteln. Das ist eine Motivation, die man heute bei den komplexesten Antagonisten sucht, doch hier wurde sie bereits in Seide und Pheromone verpackt.
Die Geschichte der Produktion ist geprägt von einem immensen Druck durch die Spielzeugindustrie. Warner Bros. wollte Produkte verkaufen, keine düsteren Psychogramme. Schumacher lieferte genau das, was bestellt wurde, aber er tat es mit einem zwinkernden Auge, das das Publikum entweder nicht verstand oder nicht verstehen wollte. Wir sind heute so sehr an den grimmigen Realismus eines Christopher Nolan gewöhnt, dass uns die reine Spielfreude suspekt vorkommt. Dabei ist die Darstellung von Poison Ivy in diesem Kontext ein Meisterwerk des Drag-Einflusses und der klassischen Hollywood-Diva. Sie ist eine Mischung aus Marlene Dietrich und einer fleischfressenden Pflanze. Wer das als lächerlich abstempelt, hat die Wurzeln der Comic-Ästhetik nie begriffen.
Die visuelle Revolution und der Batman Film With Poison Ivy
Es gibt einen Grund, warum die Set-Designs dieses Films bis heute in Museen und Design-Retrospektiven auftauchen. Gotham City wird hier nicht als funktionierende Metropole begriffen, sondern als ein Albtraum aus gigantischen Statuen und unendlichen Abgründen. Der Batman Film With Poison Ivy nutzt Farben nicht zur Dekoration, sondern als psychologische Wegweiser. Jedes Mal, wenn Ivy den Raum betritt, wechselt die Palette zu einem aggressiven Grün und Pink. Das ist kein Zufall. Es ist die Visualisierung ihrer Pheromon-Power. Die Kritiker, die sich über die Künstlichkeit beschwerten, übersahen, dass genau diese Künstlichkeit der Punkt war. Man wollte keinen Film drehen, der aussieht wie eine Reportage aus Brooklyn. Man wollte einen Comic zum Leben erwecken, der so riecht wie eine Parfümerie und sich so anfühlt wie ein Fieberwahn.
Man kann die Leistung von Uma Thurman gar nicht hoch genug einschätzen. Sie spielt die Rolle mit einer Hingabe zum Camp, die fast schon subversiv wirkt. In Interviews aus dieser Zeit betonte sie oft, wie sehr sie die körperliche Komponente der Figur genoss. Sie bewegt sich wie eine Schlange, sie flüstert, sie lockt. Im Vergleich dazu wirken die heutigen Darstellungen von Comic-Schurken oft seltsam gehemmt und bemüht „echt“. Doch was ist echt an einer Frau, die Menschen mit einem Kuss tötet? Das Paradoxon des Films liegt darin, dass er durch seine offensichtliche Falschheit eine tiefere Wahrheit über das Genre offenbart. Superhelden sind moderne Göttergeschichten, und Götter brauchen kein realistisches Licht. Sie brauchen eine Bühne, die so groß ist wie ihr Ego.
Skeptiker werden nun einwerfen, dass die Dialoge hölzern und die Action-Szenen physikalisch unmöglich waren. Das stimmt. Aber das ist so, als würde man einer Oper vorwerfen, dass die Leute im echten Leben nicht singen, wenn sie sterben. Die Logik des Films folgt einer Traumsequenz. Wenn Robin und Batman auf Eishockeyschlittschüssen gegen Schläger antreten, dann ist das purer Eskapismus. Der deutsche Filmtheoretiker Siegfried Kracauer beschrieb das Kino einst als eine Errettung der physischen Realität. Schumacher tat das Gegenteil. Er erschuf eine eigene Realität, die sich weigerte, vor den Gesetzen der Schwerkraft oder des guten Geschmacks zu kapitulieren. Diese Form der kreativen Freiheit ist im heutigen Blockbuster-Kino, das von Test-Screenings und Algorithmen glattgebügelt wird, fast vollständig verschwunden.
Die Dekonstruktion der Männlichkeit durch die Botanik
Ein oft übersehener Aspekt ist, wie Ivy die Dynamik zwischen den Helden zerstört. Batman und Robin streiten sich um sie wie zwei Schuljungen auf dem Pausenhof. Das ist eine fundamentale Dekonstruktion des stoischen Heldenbildes. Poison Ivy entlarvt den männlichen Beschützerinstinkt als das, was er oft ist: Eitelkeit und hormonelle Verwirrung. Sie nutzt ihre Sexualität nicht nur als Waffe, sondern als Spiegel. Sie zeigt den Helden ihre eigenen Schwächen auf, ohne einen einzigen Schlag abzugeben. Das macht sie zu einer der mächtigsten Gegenspielerinnen der gesamten Reihe. Während Joker nur Chaos will, will Ivy Kontrolle durch Begehren. Das ist ein weitaus raffinierterer Ansatz als eine einfache Bombe im Stadtzentrum.
Interessanterweise war die Resonanz in Europa damals etwas differenzierter als in den USA. Während man in Amerika den Untergang des Abendlandes witterte, weil Batman nun Nippel trug, sahen einige europäische Kritiker darin eine mutige Fortführung der Ästhetik eines Federico Fellini oder Jean Cocteau. Die Übertreibung als Kunstform hat in der alten Welt eine lange Tradition. Wir verstehen, dass Masken dazu da sind, gesehen zu werden. Der Batman Film With Poison Ivy ist im Grunde ein Maskenball, der völlig aus dem Ruder gelaufen ist. Er feiert die Travestie und die Verwandlung. Wenn George Clooney seine Maske abnimmt, sieht er fast gelangweilt aus, als wüsste er, dass die wahre Show die Frau mit dem grünen Daumen ist, die gerade seinen Partner korrumpiert.
Man muss sich vor Augen führen, unter welchen Bedingungen damals gearbeitet wurde. Es gab kaum CGI im Vergleich zu heute. Die meisten Sets waren physisch vorhanden. Die Kostüme waren schwer, die Beleuchtung kompliziert. Wenn man das heute sieht, erkennt man eine handwerkliche Textur, die digital generierten Welten völlig fehlt. Man spürt den Staub der Kulissen und die Hitze der Scheinwerfer. Diese physische Präsenz unterstützt die narrative Wucht der Antagonistin. Sie ist eine Naturgewalt in einer Welt aus Plastik und Stahl. Der Kontrast könnte nicht größer sein. Ivy ist das organische Chaos, das die mechanische Ordnung von Gothams Polizei untergräbt.
Warum das Erbe der Giftpflanze heute relevanter ist denn je
Schauen wir uns die aktuelle Kinolandschaft an. Wir sehen eine endlose Parade von Filmen, die so tun, als wären sie ernsthafte politische Kommentare oder düstere Charakterstudien. Doch oft verstecken sie dahinter nur eine tiefe Angst vor der eigenen Lächerlichkeit. Schumacher hatte diese Angst nicht. Er umarmte das Lächerliche und erhob es zum Prinzip. Das ist eine Form von Mut, die wir heute dringend brauchen könnten. In einer Welt, die sich immer mehr in Grautönen verliert, ist ein schreiend buntes Werk wie dieses ein notwendiges Korrektiv. Es erinnert uns daran, dass Kino auch Spektakel sein darf, ohne sich ständig entschuldigen zu müssen.
Die Figur der Poison Ivy hat seither viele Wandlungen durchgemacht, in Videospielen wie der Arkham-Reihe oder in modernen Animationsserien. Doch keine dieser Versionen hat die reine, theatralische Essenz so eingefangen wie die Version von 1997. Sie war keine missverstandene Anti-Heldin, wie man sie heute oft skizziert, um sie sympathisch zu machen. Sie war eine echte Bedrohung, eine Verführerin, die keine Gnade kannte. Dieser Mangel an moralischer Ambiguität machte sie so effektiv. Sie war die Verkörperung einer Idee, nicht nur eine Frau mit einer traurigen Hintergrundgeschichte. Das ist es, was eine Ikone ausmacht: Sie steht für etwas Größeres als sich selbst.
Wenn wir heute über die Qualität von Filmen streiten, geht es oft um Authentizität. Aber was bedeutet Authentizität bei einer Figur, die in einem Fledermauskostüm Verbrechen bekämpft? Die einzig wahre Authentizität liegt in der Treue zur eigenen Vision. Schumacher hatte eine Vision, und er zog sie bis zur letzten Paillette durch. Dass die Fans ihn dafür jahrelang hassten, sagt mehr über die Engstirnigkeit der Fangemeinde aus als über die Qualität des Films. Man wollte einen dunklen Ritter und bekam einen funkelnden Gladiator. Aber wer sagt, dass Batman nicht beides sein kann? Die Comics der Fünfzigerjahre waren voll von bizarren Abenteuern, Alien-Invasionen und bunten Kostümen. Schumacher kehrte lediglich zu diesen Wurzeln zurück, bevor der Trend zur totalen Verfinsterung einsetzte.
Es ist an der Zeit, den kulturellen Wert dieses Werks neu zu bestimmen. Es ist kein schlechter Film, es ist ein missverstandenes Genre-Experiment. Es ist eine Feier des Exzesses in einer Zeit, die nach Mäßigung schrie. Wenn wir heute auf Poison Ivy blicken, sehen wir eine Frau, die sich weigert, sich den Regeln einer männerdominierten Welt unterzuordnen. Sie erschafft ihren eigenen Garten, buchstäblich und metaphorisch. Das ist eine Form von Empowerment, die weit über das hinausgeht, was moderne Blockbuster oft als Fortschritt verkaufen. Sie braucht keinen Mann, um ihre Ziele zu erreichen; sie nutzt sie nur als Dünger für ihre Pflanzen. Das ist konsequent, das ist radikal und es ist verdammt unterhaltsam.
Wer diesen Film heute schaut, sollte die Vorurteile der Neunzigerjahre ablegen. Man sollte sich auf die Farben einlassen, den Wahnsinn akzeptieren und die Brillanz der Übersteigerung genießen. Es gibt keinen anderen Film, der so mutig gegen den Strom schwamm, während er gleichzeitig versuchte, das größte kommerzielle Produkt des Jahres zu sein. Dieser Spagat musste scheitern, aber das Scheitern war spektakulärer als die meisten Erfolge der Konkurrenz. Wir brauchen mehr Regisseure, die das Risiko eingehen, ausgelacht zu werden, um etwas Einzigartiges zu schaffen. Das Einheitsgrau der Gegenwart ist der wahre Feind der Fantasie, nicht ein paar neonfarbene Ranken.
Am Ende bleibt die Erkenntnis, dass Schönheit oft im Auge des Betrachters liegt, aber Originalität objektiv messbar ist. Nichts an diesem Film war gewöhnlich. Jede Einstellung, jedes Kostüm und jede Zeile war eine bewusste Entscheidung gegen die Normalität. Das ist die höchste Form der Kunst, egal ob sie im Museum hängt oder auf einer Kinoleinwand flimmert. Wir sollten aufhören, uns für die Dinge zu schämen, die Spaß machen, nur weil sie nicht in das Korsett einer vermeintlich seriösen Erzählweise passen. Das Leben ist schon ernst genug, da darf Gotham City ruhig einmal leuchten wie eine Diskothek im Weltall.
Wahre Kunst erkennt man nicht daran, dass sie jedem gefällt, sondern daran, dass man sie auch nach dreißig Jahren nicht vergessen kann.
