Manche Filme altern wie ein guter Wein, andere wie eine offene Packung Milch in der prallen Sonne Floridas. Wenn wir heute auf die Besetzung von 40 Tage und 40 Nächte blicken, sehen wir mehr als nur ein Ensemble junger Schauspieler der frühen Nullerjahre, die versuchen, eine hanebüchene Wette über sexuelle Enthaltsamkeit glaubwürdig zu verkaufen. Wir sehen das exakte logische Ende einer Ära, in der Hollywood glaubte, man könne Attraktivität einfach gegen Charisma tauschen und das Publikum würde den Unterschied nicht bemerken. Es ist eine faszinierende Studie darüber, wie ein Studio versuchte, das Gold der 90er-Jahre-Romantikkomödien in die neue, zynischere Welt des 21. Jahrhunderts zu retten, nur um dabei festzustellen, dass die Chemie zwischen den Akteuren kein technischer Prozess ist, den man im Schneideraum erzwingen kann. Josh Hartnett war damals der Posterboy schlechthin, doch die Art und Weise, wie er hier positioniert wurde, offenbarte die tiefen Risse in der Casting-Strategie der großen Filmstudios.
Die Fehlkalkulation hinter der Besetzung von 40 Tage und 40 Nächte
Das Problem war von Anfang an ein strukturelles. Die Verantwortlichen bei Miramax und Universal dachten, sie hätten die perfekte Formel gefunden. Man nehme einen aufstrebenden Herzensbrecher, eine talentierte Independent-Darstellerin wie Shannyn Sossamon und umgebe sie mit einer Riege von stereotypen Kumpel-Charakteren, die für den nötigen flachen Humor sorgen. Doch bei der Besetzung von 40 Tage und 40 Nächte wurde ein entscheidender Faktor ignoriert: Die Prämisse des Films verlangt eine physische und emotionale Spannung, die fast greifbar sein muss, damit die Qual der Enthaltsamkeit für den Zuschauer Sinn ergibt. Hartnett spielt Matt Sullivan mit einer Melancholie, die eher zu einem Kriegsdrama gepasst hätte als zu einer Komödie über Samenstau. Er wirkt oft so, als wolle er lieber ein Buch lesen oder über die Endlichkeit der Existenz nachgrübeln, statt sich mit der absurden Wette seiner Freunde herumzuschlagen. Sossamon hingegen bringt eine kühle, fast schon unnahbare Ästhetik mit, die in krassem Gegensatz zum hyperaktiven Umfeld des Films steht. Wenn diese beiden Welten aufeinanderprallen, sprühen keine Funken, es herrscht eher eine höfliche Verwirrung.
Skeptiker werden nun einwerfen, dass genau diese Distanz beabsichtigt war, um die Isolation der Hauptfigur zu unterstreichen. Man könnte argumentieren, dass die mangelnde sexuelle Energie zwischen den Protagonisten ein geniales Stilmittel sei, um den Entzug visuell und atmosphärisch darzustellen. Ich halte das für eine wohlwollende Fehlinterpretation. Ein Blick auf die Produktionsgeschichte und die damaligen Marktanalysen zeigt, dass man schlichtweg versuchte, zwei verschiedene Zielgruppen gewaltsam zu vereinen. Man wollte die jungen Frauen, die Hartnett an ihren Zimmerwänden hängen hatten, und gleichzeitig die jungen Männer, die über plumpe Witze in der Tradition von American Pie lachen wollten. Das Ergebnis ist ein Film, der sich anfühlt, als hätten zwei verschiedene Regisseure gleichzeitig gearbeitet, ohne miteinander zu sprechen. Die Besetzung von 40 Tage und 40 Nächte ist das Denkmal eines gescheiterten Kompromisses.
Das Kumpel-Problem und die Karikatur der Männlichkeit
Betrachtet man die Nebendarsteller, wird die Schieflage noch deutlicher. Paulo Costanzo als Mitbewohner Ryan muss die schwere Last tragen, den „witzigen Skeptiker“ zu mimen. Er tut das mit einer Energie, die in einer Sitcom der 90er wunderbar funktioniert hätte, hier aber wie ein Fremdkörper wirkt. Er ist der Motor der Handlung, derjenige, der die Wette erst provoziert, doch seine Motivation bleibt so oberflächlich wie die Skripte von zweitklassigen Werbespots. Die Freunde im Büro wirken wie Abziehbilder aus einem Handbuch für Klischees. Es gibt den Aggressiven, den Perversen und den Mitläufer. Diese Dynamik sollte wohl für Erdung sorgen, erreicht aber das Gegenteil. Sie macht die Welt, in der Matt Sullivan lebt, so unerträglich, dass man sich fragt, warum er überhaupt Zeit mit diesen Menschen verbringt.
Man kann diesen Mechanismus gut mit anderen Filmen der Zeit vergleichen. In High Fidelity etwa sind die Nebenfiguren essenziell, um die Psyche des Protagonisten zu spiegeln. Hier dienen sie nur dazu, die Zeit zwischen den Enthaltsamkeitswitzen zu überbrücken. Das ist kein Zufall, sondern ein Symptom der damaligen Studio-Hierarchie. Man vertraute der Zugkraft des Hauptdarstellers so sehr, dass man glaubte, die Qualität des restlichen Ensembles vernachlässigen zu können. Ein fataler Irrtum, denn eine Komödie lebt vom Rhythmus, und dieser Rhythmus wird hier ständig durch die Eindimensionalität der Nebenfiguren unterbrochen.
Die Ästhetik der Leere und das Erbe eines Genres
Warum reden wir heute noch darüber? Weil dieses Werk markiert, wie sich das Verständnis von Romantik im Kino radikal wandelte. Vor der Jahrtausendwende ging es um Sehnsucht, nach 2002 ging es oft nur noch um den Mechanismus des Datings. Die Frage, wie man Intimität darstellt, wurde durch die Frage ersetzt, wie man Verzicht vermarktet. Der Film versucht krampfhaft, modern zu sein, indem er das Internet und die aufkommende Dotcom-Kultur San Franciscos als Hintergrund nutzt, doch die menschliche Komponente bleibt in den Konventionen der 50er Jahre stecken. Man wollte progressiv sein, indem man über Masturbation und Pornos sprach, blieb aber in der Besetzung und Inszenierung zutiefst konservativ.
Ich habe diesen Film damals im Kino gesehen und die Reaktion des Publikums war bezeichnend. Es gab Lacher an den Stellen, die heute eher unangenehm berühren, und eine seltsame Stille in den Momenten, die eigentlich emotional berühren sollten. Das lag nicht an einem Mangel an Talent. Hartnett hat später in Werken wie Lucky Number Slevin bewiesen, dass er Tiefe besitzt. Das Problem war die Fehlleitung. Man zwang einen Charakterdarsteller in das Korsett eines Sexsymbols für Teenager und erwartete von ihm, dass er eine flache Pointe nach der anderen liefert. Es ist wie der Versuch, einen Porsche als Traktor einzusetzen – es sieht vielleicht interessant aus, aber man kommt auf dem Acker nicht voran.
Der Einfluss von Musik und Schnitt auf die Wahrnehmung
Interessanterweise versucht der Soundtrack, vieles von dem zu retten, was die Schauspieler nicht vermitteln können. Die Musikwahl ist fast schon zu gut für den Film. Sie suggeriert eine Indie-Glaubwürdigkeit, die das Drehbuch an keiner Stelle einlöst. Hier zeigt sich die Macht des Marketings: Man wollte dem Zuschauer das Gefühl geben, er sehe etwas Kluges, etwas Frisches. Doch wer genauer hinsieht, erkennt die Schablonen. Der Schnitt ist schnell, fast schon nervös, als hätte man Angst, das Publikum könnte bemerken, dass die Geschichte eigentlich nichts zu erzählen hat. Jeder Übergang, jede Zeitlupensequenz dient dazu, die fehlende Chemie zu kaschieren.
Wenn man heutige Produktionen betrachtet, sieht man oft den gleichen Fehler. Man setzt auf bekannte Gesichter statt auf passende Konstellationen. Die Frage der Passung wird der Reichweite geopfert. Wir leben in einer Zeit, in der Algorithmen entscheiden, wer neben wem auf dem Plakat stehen sollte, aber kein Algorithmus kann berechnen, ob zwei Menschen vor der Kamera diesen einen Funken erzeugen, der ein mittelmäßiges Skript in einen Klassiker verwandelt. Der Film ist ein frühes Beispiel für diese algorithmische Denkweise, noch bevor es den Begriff in diesem Kontext gab.
Die unbequeme Wahrheit über den Star-Kult der 2000er
Wir müssen uns eingestehen, dass wir als Zuschauer Teil des Problems waren. Wir wollten diese perfekten Gesichter sehen. Wir haben akzeptiert, dass ein Model-Typ wie Matt Sullivan in einer Welt lebt, in der alle seine Probleme sich nur um das Eine drehen. Die Kritik an dem Film war damals oft milde, man sah ihn als leichte Unterhaltung. Doch aus der Distanz von zwei Jahrzehnten wird klar, dass er eine Form von kulturellem Fast Food darstellt, das zwar kurzzeitig sättigt, aber keinen Nährwert hat. Es ist die Perfektionierung der Belanglosigkeit.
Was diesen Film jedoch aus der Masse der vergessenen RomComs hervorhebt, ist seine fast schon aggressive Weigerung, die Konsequenzen seiner eigenen Prämisse ernst zu nehmen. Der sexuelle Entzug wird als bloßer Gag-Lieferant genutzt, anstatt die psychologische Komponente zu beleuchten, die eine solche Entscheidung mit sich brächte. Das hätte eine wirklich interessante Geschichte sein können: Ein Mann, der in einer übersexualisierten Gesellschaft versucht, zu sich selbst zu finden. Stattdessen bekamen wir einen Jungen, der Blumen sieht, wenn er erregt ist. Das ist kein magischer Realismus, das ist Arbeitsverweigerung seitens der Autoren.
Man kann den Schauspielern keinen Vorwurf machen. Sie haben innerhalb der Grenzen gearbeitet, die ihnen gesteckt wurden. Hartnett zog sich kurz nach dieser Phase weitgehend aus dem großen Hollywood-Zirkus zurück, was man fast als späte Flucht vor genau dieser Art von Rollen interpretieren kann. Er wollte mehr sein als das Gesicht auf einem Poster, das eine leere Geschichte verkauft. Diese Entscheidung verleiht seiner Karriere im Nachhinein eine Integrität, die sein damaliges Image nicht vermuten ließ. Es zeigt, dass er selbst wohl am besten wusste, wie hohl die Konstruktionen waren, in denen er mitspielen musste.
Letztlich bleibt die Erkenntnis, dass wahre filmische Anziehungskraft nicht durch das Zusammenwürfeln schöner Menschen entsteht, sondern durch das Wagnis, echte menschliche Schwäche und ungeschönte Verlangen zu zeigen. Ein Film über Enthaltsamkeit, der sich davor fürchtet, die wahre Frustration und den Schmerz dieses Verzichts zu zeigen, ist wie ein Kochbuch ohne Rezepte. Er ist hübsch anzusehen, aber am Ende bleibt man hungrig zurück. Wir haben gelernt, dass wir mehr verlangen müssen als nur eine ästhetische Oberfläche, wenn wir Geschichten über das intimste aller menschlichen Themen erzählt bekommen wollen.
Die wahre Lektion dieses Films ist nicht, dass man keine Wetten über Sex abschließen sollte, sondern dass ein Casting ohne Seele selbst die provokanteste Idee in gepflegte Langeweile verwandelt.
