In der feuchten Abendluft von Massachusetts, irgendwo zwischen den gespenstischen Schatten der Ulmen und dem fernen Rauschen des Atlantiks, steht ein Mann in einem tiefroten Bademantel. Er lässt einen Tennisball in seiner Hand tanzen, ein Rhythmus, der so hypnotisch ist wie das Funkeln in seinen Augen. Daryl Van Horne ist kein gewöhnlicher Besucher in der fiktiven Kleinstadt Eastwick, und der Schauspieler, der ihn verkörpert, ist kein gewöhnlicher Star. Jack Nicholson lehnt sich in dieser Szene zurück, sein Grinsen zieht sich so weit über das Gesicht, dass es fast schmerzhaft wirkt, und in diesem Moment verschmelzen Mythos und Leinwandpräsenz. Es ist das Jahr 1987, und George Miller dirigiert ein Ensemble, das die Grenzen des Hollywood-Kinos austesten sollte. Die Besetzung von Die Hexen von Eastwick war nicht einfach nur eine Liste von Namen auf einem Plakat; es war eine chemische Reaktion, ein riskantes Experiment über Macht, weibliche Befreiung und das diabolische Element, das in jedem von uns schlummert.
Wenn wir heute auf diesen Film blicken, sehen wir mehr als nur eine Adaption von John Updikes Roman. Wir sehen ein Zeitdokument, das den Übergang von den konservativen Werten der frühen Achtziger zu einer neuen, wilderen Form des Geschlechterkampfes markiert. Die drei Frauen im Zentrum der Geschichte – Cher, Susan Sarandon und Michelle Pfeiffer – repräsentierten zu diesem Zeitpunkt drei völlig unterschiedliche Facetten der Weiblichkeit und der schauspielerischen Karriere. Cher, die dunkle, fast majestätische Alexandra, war gerade dabei, ihr Image als Pop-Ikone gegen das einer ernstzunehmenden Charakterdarstellerin einzutauschen. Sarandon, als die schüchterne Jane, brachte eine intellektuelle Sinnlichkeit mit, während die junge Pfeiffer als Sukie eine Zerbrechlichkeit ausstrahlte, die unter der Oberfläche vor Kraft nur so bebte.
Die Dynamik hinter der Besetzung von Die Hexen von Eastwick
Der Casting-Prozess glich einer architektonischen Meisterleistung. Man suchte nicht nach drei Individuen, sondern nach einem Triptychon. Die Chemie musste so dicht sein, dass der Zuschauer glaubte, diese Frauen könnten durch bloße Gedankenübertragung das Wetter verändern. Als die Kameras in der malerischen Kulisse von Cohasset zu laufen begannen, wurde schnell klar, dass die Reibung zwischen den Persönlichkeiten genau das war, was der Film brauchte. Nicholson, der bereits durch Rollen wie in Shining bewiesen hatte, dass er den Wahnsinn nicht nur spielen, sondern bewohnen konnte, fungierte als der Katalysator. Er war der Teufel, der an Türen klopfte, die eigentlich fest verschlossen bleiben sollten, doch es waren die Frauen, die ihm den Raum gaben, seine dunkle Magie zu entfalten.
Hinter den Kulissen herrschte eine Atmosphäre, die fast so geladen war wie die Szenen im Film. George Miller, der zuvor mit Mad Max die staubige Apokalypse inszeniert hatte, fand sich plötzlich in einem Wirbelsturm aus Egos und künstlerischen Visionen wieder. Es wird berichtet, dass die Dreharbeiten alles andere als einfach waren. Die Spezialeffekte, die damals noch in den Kinderschuhen steckten – man denke an die fliegenden Kirschkerne oder die schwebenden Tennisbälle –, erforderten endlose Geduld. Doch in dieser Geduld entstand etwas Organisches. Die Schauspielerinnen begannen, ihre Rollen als einen Befreiungsschlag zu begreifen. In einer Ära, in der Frauenrollen oft auf die Ehefrau oder das Opfer reduziert wurden, bot Eastwick die Chance, Zähne zu zeigen.
Es gab Momente am Set, in denen die Grenze zwischen Spiel und Realität verschwamm. Wenn die drei Hexen in der großen Villa zusammenkamen, um ihre neu gewonnene Freiheit zu feiern, spürte man eine echte Solidarität. Cher erinnerte sich später daran, wie wichtig es war, dass sie sich gegenseitig unterstützten, in einer Branche, die Frauen oft gegeneinander ausspielte. Diese Verbundenheit ist das Herzstück des Films. Ohne die perfekte Besetzung von Die Hexen von Eastwick wäre die Geschichte nur eine plumpe Satire geblieben. So aber wurde sie zu einer Reflexion über die Angst der Gesellschaft vor weiblicher Autonomie und der zerstörerischen, aber auch schöpferischen Kraft des Verlangens.
Die Anatomie einer teuflischen Verführung
Man muss sich die Szene vorstellen, in der Jane, gespielt von Susan Sarandon, ihr Cello-Spiel unter dem Einfluss von Van Horne in einen ekstatischen Rausch verwandelt. Das Instrument scheint fast in Flammen aufzugehen. Hier zeigt sich die schauspielerische Brillanz: Es geht nicht um die Musik, es geht um das Erwachen. Sarandon nutzt ihren Körper, ihre Mimik, um eine Metamorphose darzustellen, die den Zuschauer gleichermaßen fasziniert wie abstößt. Es ist eine der mutigsten Darstellungen der achtziger Jahre, weil sie die Hässlichkeit der Lust nicht ausspart.
Michelle Pfeiffer hingegen verkörpert eine andere Art von Stärke. Als Mutter von unzähligen Kindern wirkt sie zunächst wie das schwächste Glied in der Kette. Doch ihre Wandlung ist vielleicht die radikalste. Wenn sie gegen Ende des Films Daryl die Stirn bietet, ist es nicht die Magie, die sie rettet, sondern ihr Selbstwertgefühl. Pfeiffer schaffte es, in einem Film voller Spezialeffekte und überlebensgroßer Darbietungen eine menschliche Erdung beizubehalten, die den emotionalen Einsatz für das Publikum spürbar machte.
Jack Nicholson agierte währenddessen wie ein Raubtier im Käfig. Seine Darstellung des Daryl Van Horne ist eine Lektion in kontrolliertem Exzess. Er wusste genau, wann er das sprichwörtliche Schwein herauslassen musste und wann ein leises Flüstern ausreichte, um das Blut der Zuschauer gefrieren zu lassen. Die Art und Weise, wie er mit seinen Co-Stars interagierte, war geprägt von einem tiefen Respekt für ihr Talent, gepaart mit der diebischen Freude eines Jungen, der gerade ein Streichholz in ein Benzinfass geworfen hat.
Ein Erbe aus Schatten und Licht
Die Bedeutung dieses Ensembles reicht weit über den Kinostart hinaus. In Europa, besonders in Deutschland, wurde der Film als eine messerscharfe Kritik am Patriarchat aufgenommen, verpackt in ein buntes Gewand aus Fantasy und Komödie. Die Kritiker in Berlin und München diskutierten leidenschaftlich darüber, ob der Film die Frauen befreie oder sie letztlich doch wieder in klischeehafte Rollen dränge. Doch wer die Gesichter von Cher, Sarandon und Pfeiffer sieht, wenn sie am Ende gemeinsam im Wohnzimmer sitzen, erkennt die Antwort. Sie haben den Teufel besiegt, indem sie ihn erst akzeptierten und dann ausspuckten.
Die Produktion war auch ein Wendepunkt für das Genre der schwarzen Komödie. Es war ein Wagnis, ein so hohes Budget in eine Geschichte zu stecken, die so ambivalent mit Moral und Religion umging. Doch der Erfolg gab den Machern recht. Der Film funktioniert heute noch, weil er keine einfachen Antworten gibt. Er zeigt uns, dass das Böse oft charmant daherkommt und dass die größte Macht darin liegt, die eigenen Schattenseiten zu erkennen, ohne sich von ihnen verzehren zu lassen.
Wenn man heute durch Cohasset spaziert, die Stadt, die als Eastwick diente, spürt man noch immer den Hauch jener Zeit. Die alten Villen stehen noch immer da, stolz und ein wenig unheimlich hinter ihren schmiedeeisernen Zäunen. Man kann fast das Lachen von Nicholson hören, das vom Wind über die Bucht getragen wird. Es ist ein Lachen, das uns daran erinnert, dass wir alle ein wenig Hexe oder Teufel in uns tragen, wenn wir nur den Mut haben, danach zu suchen.
Die Geschichte der Produktion ist auch eine Geschichte des Scheiterns und Wiederaufstehens. George Miller war zeitweise so frustriert von den Eingriffen des Studios, dass er kurz davor stand, das Projekt zu verlassen. Er kämpfte um seine Vision, um die Düsternis, die unter der polierten Oberfläche lauerte. Er wusste, dass der Film nur funktionieren würde, wenn er wehtut, wenn der Ekel so real ist wie die Anziehung. Dieser Kampf spiegelt sich in jeder Einstellung wider. Es ist ein zutiefst menschlicher Film, trotz all der fliegenden Menschen und dämonischen Transformationen.
Es bleibt die Erinnerung an ein Kino, das sich traute, unangenehm zu sein. In einer Zeit, in der Blockbuster oft wie am Fließband produziert werden und jede Kante glattgeschliffen wird, wirkt dieses Werk wie ein erratischer Block. Es ist laut, es ist unordentlich, es ist manchmal geschmacklos – aber es lebt. Es atmet die Leidenschaft der Menschen, die vor und hinter der Kamera alles riskiert haben, um eine Geschichte über die Komplexität des menschlichen Herzens zu erzählen.
Am Ende bleibt ein Bild: Die drei Frauen stehen auf dem Balkon, der Sturm ist vorüber, und die Sonne bricht durch die Wolken. Sie sind nicht mehr dieselben, die sie am Anfang waren. Sie haben die Dunkelheit gesehen und sind hindurchgegangen. Der Teufel mag verbannt sein, doch die Magie, die sie in sich selbst entdeckt haben, wird niemals ganz verschwinden. Es ist die Magie der Erkenntnis, dass wir unsere eigenen Schöpfer und Zerstörer sind, jeden Tag aufs Neue, in jeder Entscheidung, die wir treffen, und in jedem Kuss, den wir wagen oder verweigern.
Der Tennisball rollt langsam über den staubigen Holzboden der verlassenen Villa, ein letztes Echo einer Macht, die glaubte, unbesiegbar zu sein, bevor sie an der einfachen, unerschütterlichen Gemeinschaft dreier Frauen zerbrach.
