In der staubigen Stille eines märkischen Spätsommertags im Jahr 1977 legte sich eine konzentrierte Erwartung über das Schloss Sanssouci. Die Scheinwerfer der DEFA-Produktion schnitten durch das dämmrige Licht der historischen Säle, während junge Frauen in schweren, seidenen Gewändern darauf warteten, dass das Kommando zum Tanz ertönte. Es war nicht einfach nur eine Verfilmung eines Grimmschen Märchens; es war der Versuch, eine Welt zu erschaffen, die zwischen barocker Opulenz und dem kargen Realismus der siebziger Jahre schwebte. Mitten in diesem Wirbel aus Puder und Perücken stand die Besetzung von Die Zertanzten Schuhe 1977, eine Gruppe von Schauspielern, die jenen seltsamen Spagat meistern mussten, den das DDR-Fernsehen so oft verlangte: die Flucht in die Fantasie, während die eigene Realität von Mauern begrenzt war.
Dieter Scharfenberg, der Regisseur, suchte nicht nach bloßen Abbildern. Er suchte nach Gesichtern, die eine Geschichte erzählten, bevor das erste Wort des Drehbuchs gesprochen war. Er fand sie in einer Mischung aus etablierten Bühnengrößen und unverbrauchten Talenten, die der Produktion eine fast traumwandlerische Intensität verliehen. Wenn man heute die alten Bänder betrachtet, spürt man das Knistern in der Luft, das weit über die technische Qualität der damaligen Zeit hinausgeht. Es ist die menschliche Präsenz, die den Film vor dem Altern bewahrt hat.
Jede Rolle in diesem Ensemble wirkte wie mit chirurgischer Präzision besetzt. Die Prinzessinnen, allen voran jene jungen Frauen, die für die Kamera ihre Sohlen durchlaufen mussten, brachten eine Melancholie mit, die im starken Kontrast zum glitzernden Parkett stand. Man sah ihnen an, dass sie nicht nur vor ihrem Vater, dem König, flohen, sondern vor einer Welt der Vorhersehbarkeit. Das Märchen bot ihnen einen Raum, in dem das Unmögliche nachts zur Pflicht wurde.
Die Suche nach dem Unsichtbaren und die Besetzung von Die Zertanzten Schuhe 1977
Die Auswahl der Schauspieler folgte einer inneren Logik, die sich dem Zuschauer erst nach und nach erschließt. Da war Jaecki Schwarz, ein Darsteller von solch subtiler Kraft, dass er den Soldaten, der das Geheimnis der Schwestern lüftet, nicht als bloßen Spion, sondern als einen Getriebenen anlegte. Schwarz brachte eine Bodenständigkeit in das Projekt, die als Anker für die fantastischen Elemente diente. Er war das Auge des Publikums, derjenige, der mit unsichtbarem Mantel durch die verbotenen Gänge schlich und dabei doch immer zutiefst menschlich blieb.
In den Pausen zwischen den Takes, so erzählen es Zeitzeugen der Dreharbeiten in den Potsdamer Studios, herrschte oft eine fast andächtige Ruhe. Die Darsteller saßen in ihren Kostümen am Rande des Sets, rauchten vielleicht eine Zigarette oder tranken Tee aus Thermoskannen, während die Maskenbildner den Glanz auf ihren Stirnen bewahrten. Es war ein Moment der Entschleunigung in einer Ära, in der Filmproduktionen oft unter enormem Zeitdruck standen. Diese Ruhe übertrug sich auf das Werk. Die Art und Weise, wie die Schauspieler miteinander interagierten, wie Blicke länger gehalten wurden als unbedingt nötig, zeugt von einem tiefen Vertrauen in die Vision Scharfenbergs.
Die Kamera von Peter Hellmich fing diese Momente ein, als wären es flüchtige Träume. Er verstand es, das Ensemble nicht wie Figuren auf einem Schachbrett zu führen, sondern wie Geister in einem Labyrinth. Wenn die Prinzessinnen nachts durch den Wald aus silbernen Blättern schritten, war das kein Spezialeffekt der modernen Art, sondern das Ergebnis von Lichtsetzung, Szenenbild und der physischen Präsenz der Darsteller. Die Textur ihrer Kleider, das Geräusch ihrer Schritte auf dem Metall und Holz der Kulissen – all das verschmolz zu einer Atmosphäre, die man fast riechen konnte.
Ein besonderer Fokus lag auf der Darstellung des Königs, verkörpert durch Eberhard Esche. Esche war ein Titan des DDR-Theaters, ein Mann, dessen Stimme allein schon Räume füllen konnte. Er spielte den Vater nicht als Tyrannen, sondern als einen Mann, der die Kontrolle über seine Töchter und damit über seine eigene Welt verlor. In seinem Gesicht spiegelte sich die Ratlosigkeit einer Generation wider, die zusehen musste, wie die Jugend eigene Wege suchte, Wege, die ins Unbekannte führten. Es war eine Besetzung, die politische Untertöne mitschwingen ließ, ohne sie jemals laut auszusprechen.
Die Dynamik zwischen Esche und Schwarz war das Rückgrat des Films. Hier der alte Herrscher, dort der heimkehrende Soldat, der nichts mehr zu verlieren hat. Es war ein Duell der Weltanschauungen, ausgetragen in den leisen Tönen eines Märchenfilms. Die Qualität dieser Darbietungen hob das Werk weit über das Niveau eines herkömmlichen Kinderfilms hinaus. Es wurde zu einer Parabel über das Sehen und Gesehenwerden, über Geheimnisse und den Preis der Freiheit.
Die jungen Schauspielerinnen, die die Prinzessinnen verkörperten, bildeten ein Kollektiv der Sehnsucht. Ihre Namen sind heute vielleicht nicht mehr jedem geläufig, doch ihre Gesichter brannten sich in das Gedächtnis einer Generation ein, die diesen Film jedes Jahr zur Weihnachtszeit oder in den Ferien sah. Sie waren keine austauschbaren Schönheiten; jede von ihnen brachte eine eigene Nuance von Rebellion oder Ergebung in die Gruppe ein. Das war die wahre Stärke, die die Besetzung von Die Zertanzten Schuhe 1977 auszeichnete: die Individualität innerhalb der Masse.
Man muss sich die Bedingungen jener Zeit vor Augen führen, um die Leistung des Teams zu würdigen. Die Technik war schwerfällig, das Material kostbar. Jeder Take musste sitzen. Wenn die Tänzer in den unterirdischen Palästen wirbelten, war das körperliche Schwerstarbeit. Der Schweiß unter den schweren Perücken war echt, die Erschöpfung am Ende eines Drehtages ebenfalls. Doch in dem Moment, in dem die Musik einsetzte, verschwand die Mühsal der Produktion hinter dem Vorhang der Illusion.
Die Musik von Karl-Ernst Sasse spielte dabei eine ebenso tragende Rolle wie die Schauspieler selbst. Seine Kompositionen waren keine bloße Untermalung, sondern ein eigenständiger Charakter der Erzählung. Sie trieb die Prinzessinnen voran, sie warnte den Soldaten, sie beklagte den Verlust des Königs. Wenn Bild und Ton aufeinandertrafen, entstand jene Alchemie, die aus einem Film ein Kulturgut macht. Es war eine Synergie der Künste, wie sie nur selten gelingt.
In den Archiven der DEFA finden sich heute noch Notizen zu den Besetzungsgesprächen. Es ist faszinierend zu lesen, mit welcher Sorgfalt Scharfenberg die einzelnen Puzzleteile zusammensetzte. Er wollte keine Stars, die den Film überschatteten, sondern ein Ensemble, das in der Geschichte aufging. Dieser Verzicht auf Eitelkeit ist in jeder Szene spürbar. Die Schauspieler dienten der Erzählung, nicht ihrem eigenen Image.
Vielleicht ist das der Grund, warum der Film auch Jahrzehnte später noch diese Anziehungskraft besitzt. Er ist ein Dokument einer verschwundenen Zeit, sowohl filmhistorisch als auch gesellschaftlich. Er zeigt eine Ernsthaftigkeit im Umgang mit dem Genre Märchen, die heute oft verloren gegangen ist. Hier wurde nicht für ein schnelles Lachen oder billige Effekte produziert. Hier wurde nach Wahrheit in der Lüge gesucht.
Die Kleider der Prinzessinnen wurden nach den Dreharbeiten eingelagert, die Sohlen der Schuhe, die im Film so symbolträchtig zerstört wurden, waren in Wirklichkeit wohl kaum abgenutzt. Doch die Emotionen, die diese Bilder beim Publikum auslösten, waren von Dauer. Wer als Kind diesen Film sah, vergaß nie das unheimliche Gefühl der nächtlichen Bootsfahrt oder das Glitzern der goldenen Bäume. Es war eine Einladung, hinter die Fassade der Realität zu blicken.
Jaecki Schwarz erzählte später in Interviews oft mit einer gewissen Bescheidenheit von dieser Zeit. Für die Schauspieler war es ein Job unter vielen, ein weiteres Projekt in einem durchgetakteten Arbeitsalltag. Erst viel später, durch die Briefe der Fans und die ständigen Wiederholungen im Fernsehen, begriffen sie, was sie dort eigentlich geschaffen hatten. Sie hatten einem Märchen Fleisch und Blut verliehen.
Wenn wir heute über solche Produktionen sprechen, tun wir das oft mit einer nostalgischen Verklärung. Doch jenseits der Nostalgie bleibt die handwerkliche Qualität. Die Art, wie ein Blick von Eberhard Esche eine ganze Weltanschauung zusammenbrechen lassen kann, wie Jaecki Schwarz mit einer einzigen Geste des Tarnens eine Spannung aufbaut, die fast physisch spürbar ist – das ist zeitloses Schauspiel.
Die Geschichte der zertanzten Schuhe ist im Kern eine Geschichte über den Ausbruch. Es geht um junge Menschen, die sich weigern, ihr Leben nach den Regeln der Älteren zu führen. Dass dies ausgerechnet in der DDR von 1977 mit solch einer ästhetischen Radikalität verfilmt wurde, entbehrt nicht einer gewissen Ironie. Das Ensemble gab diesem Drang nach Freiheit ein Gesicht, eine Stimme und einen Tanz.
Man kann sich vorstellen, wie die Zuschauer damals in ihren Wohnzimmern saßen, vor den schweren Röhrenfernsehern, und für neunzig Minuten Teil dieser geheimen Welt wurden. In einem Staat, der die Bewegung seiner Bürger so genau kontrollierte, war die Vorstellung von Frauen, die jede Nacht unbemerkt in ein anderes Reich verschwanden, von einer subversiven Kraft. Die Besetzung trug diese Last mit einer Leichtigkeit, die das eigentliche Wunder des Films ist.
Die Schatten im Wald, das Echo der Musik in den hohlen Gängen des Schlosses, das bittere Schweigen des Vaters am Morgen – all das wurde durch die Menschen vor der Kamera zum Leben erweckt. Sie waren keine Abziehbilder aus einem Buch, sondern atmende, fühlende Wesen in einer kalten Welt aus Stein und Erwartungen. Ihr Spiel machte deutlich, dass jedes Geheimnis seinen Preis hat und dass manche Schuhe es wert sind, zertanzt zu werden.
Am Ende des Films bleibt ein Gefühl der Melancholie zurück. Der Zauber ist gebrochen, das Geheimnis gelüftet. Die Ordnung ist wiederhergestellt, doch um welchen Preis? Die Prinzessinnen sind nun an ihre Ehemänner gebunden, der Soldat hat seine Belohnung erhalten, und der König hat seinen Frieden, aber seine Töchter verloren. Es ist ein Ende, das Fragen offen lässt, genau wie das wahre Leben.
Die Schauspieler kehrten nach den Dreharbeiten in ihren Alltag zurück. Manche gingen ans Theater, andere übernahmen Rollen in Krimis oder Gegenwartsdramen. Doch für einen kurzen Moment im Jahr 1977 waren sie die Architekten einer Traumwelt, die bis heute Bestand hat. Sie lehrten uns, dass man manchmal die Regeln brechen muss, um wirklich zu tanzen.
Der letzte Blick des Soldaten im Film gilt nicht dem Gold oder der Macht, sondern dem Horizont, an dem die Nacht dem Tag weicht. Es ist ein Blick voll stiller Erkenntnis über die Vergänglichkeit des Augenblicks. Und während der Abspann über die matten Bilder läuft, hört man fast noch das ferne Echo eines Walzers, der in den Tiefen der Erde niemals ganz verstummt.
