Anjelica Huston saß unbeweglich in einem Stuhl, während die Stunden wie zäher Sirup verstrichen. Es war kein gewöhnlicher Morgen in den Bray Studios in Berkshire. Bevor die erste Kamera rollte, bevor das Licht gesetzt wurde, verschwand die Frau mit den hohen Wangenknochen und den tiefen, intelligenten Augen unter Schichten aus Schaumlatex und Kleber. Es dauerte acht Stunden. Acht Stunden, in denen sie kaum atmen konnte, in denen ihre Haut unter der Last der Prothesen zu glühen begann. Als sie schließlich aufstand, war sie nicht mehr die elegante Muse, die man aus den Filmen von Wes Anderson oder Woody Allen kannte. Sie war die Große Oberhexe, ein kahles, hakenasiges Monstrum mit eiternden Wunden und Klauen anstelle von Fingern. In diesem Moment, weit weg von den glitzernden Premierenfeiern, offenbarte sich das eigentliche Wagnis, das die Besetzung Von Hexen Hexen 1990 einging: den Mut zur absoluten, physischen Hässlichkeit im Dienste einer Geschichte, die Kinder das Fürchten lehren sollte.
Es war eine Zeit, in der das Kino noch eine greifbare Körperlichkeit besaß. Nicholas Roeg, der Regisseur, der zuvor mit Wenn die Gondeln Trauer tragen das Publikum verstört hatte, brachte eine fast schon unheimliche Ernsthaftigkeit in die Verfilmung von Roald Dahls Kinderbuch. Er suchte nicht nach gefälligen Gesichtern, sondern nach einer Präsenz, die den Raum zwischen den Bildern füllen konnte. Huston war die erste Wahl, eine Entscheidung, die so instinktiv wie logisch wirkte. Sie brachte eine aristokratische Kälte mit, die jederzeit in mörderische Wut umschlagen konnte. Doch sie war nicht allein in diesem Vorhaben. An ihrer Seite agierten Schauspieler, die eine seltene Mischung aus britischem Understatement und grotesker Spielfreude verkörperten.
Die Geschichte handelte von Verlust, von einem Jungen namens Luke, der seine Eltern verlor und bei seiner Großmutter Helga Zuflucht fand. Helga, gespielt von der schwedischen Legende Mai Zetterling, war das emotionale Herzstück. Zetterling, selbst eine renommierte Regisseurin, brachte eine Wärme und eine Weisheit mit, die den Zuschauer erdete. Wenn sie von den Hexen erzählte, die keine Nasenlöcher haben, sondern nur große, pulsierende Schlitze, dann glaubte man ihr nicht nur – man spürte den kalten Schauer auf dem eigenen Nacken. Es war diese chemische Verbindung zwischen der erfahrenen Zetterling und dem jungen Jasen Fisher, die den Film aus den Klischees des Kinderkinos heraushob.
Die Besetzung Von Hexen Hexen 1990 und das Erbe von Jim Henson
Hinter den Kulissen tobte ein ganz anderer Kampf. Es war die letzte Produktion, die Jim Henson persönlich begleitete. Der Schöpfer der Muppets war bereits schwer gezeichnet, doch sein Geist steckte in jedem animatronischen Detail. Die Mäuse, in die Luke und sein Freund Bruno verwandelt wurden, waren keine digitalen Kreationen aus einem Computergehäuse. Es waren mechanische Wunderwerke, die von Puppenspielern unter den Dielenbrettern gesteuert wurden. Diese physische Präsenz der Antagonisten und der Opfer verlieh dem Film eine Dringlichkeit, die moderne Produktionen oft vermissen lassen.
Man muss sich die Atmosphäre am Set vorstellen. Wenn die Kameras ausgingen, blieb Huston oft in ihrer Maske, weil das Abnehmen genauso schmerzhaft war wie das Tragen. Sie aß ihr Mittagessen durch einen Strohhalm, während sie im Kostüm einer Frau steckte, die Kinder in Mäuse verwandeln wollte. Diese Hingabe zum Handwerk war kein Zufall. Roeg forderte eine Art von Hyperrealismus innerhalb des Fantastischen. Er wollte, dass die Bedrohung echt wirkte. Die Hexen im Film waren keine folkloristischen Figuren mit Besen und spitzen Hüten. Sie waren die Frau von nebenan, die nette Dame im Hotel, die im Stillen den Untergang der Unschuld plante.
Bill Paterson und Brenda Blethyn als die Eltern des verfressenen Bruno Jenkins lieferten den komödiantischen Kontrapunkt zu diesem Grauen. Blethyn, die später für ihre Rollen in Sozialdramen Weltruhm erlangen sollte, spielte die hysterische Mutter mit einer solchen Präzision, dass die Absurdität der Situation fast schmerzte. Es war das Zusammenspiel dieser unterschiedlichen schauspielerischen Schulen, das das Werk so einzigartig machte. Hier traf schwedisches Arthouse-Kino auf britische Charakterdarsteller und amerikanische Starpower.
Rowan Atkinson, der damals gerade erst anfing, als Mr. Bean die Welt zu erobern, spielte den Hotelmanager Mr. Stringer. Er tat dies mit einer steifen, fast mechanischen Höflichkeit, die jederzeit in Panik umzuschlagen drohte. Seine Interaktionen mit den Mäusen und den exzentrischen Gästen gaben dem Film eine Note von Slapstick, die jedoch nie den Ernst der Lage untergrub. Atkinson verstand instinktiv, dass in einer Welt, in der Kinder von Hexen bedroht werden, die Bürokratie des Alltags die einzige Barriere gegen den Wahnsinn ist.
Die Arbeit der Maskenbildner unter der Leitung von Christopher Tucker war wegweisend. Tucker hatte zuvor den Elefantenmenschen erschaffen und brachte dieses tiefe Verständnis für die menschliche Anatomie und ihre Verzerrungen mit. Als die Hexen im großen Ballsaal ihre Perücken abnahmen und ihre kahlen, von Ekzemen übersäten Köpfe offenbarten, war das ein kollektiver Schockmoment für eine ganze Generation von Kinogängern. Es war keine billige Schockwirkung. Es war die Visualisierung des Bösen, das sich unter einer polierten Oberfläche verbirgt.
In einer Zeit, in der das deutsche Fernsehen oft auf sanftere Märchenverfilmungen setzte, wirkte dieses Werk wie ein Fremdkörper. Es war düsterer, mutiger und psychologisch komplexer. Die Angst vor der Verwandlung, vor dem Kontrollverlust über den eigenen Körper, war ein Thema, das Roeg meisterhaft inszenierte. Luke, gefangen im Körper einer Maus, musste zusehen, wie seine Welt buchstäblich übermächtig wurde. Die Kameraperspektiven änderten sich, alles wurde bedrohlich, riesig und laut.
Die Besetzung Von Hexen Hexen 1990 war ein Glücksfall der Filmgeschichte. Jeder Akteur schien zu begreifen, dass er Teil eines Experiments war. Es ging darum, die Grenzen dessen auszuloten, was man einem jungen Publikum zumuten konnte. Roald Dahl selbst war bekanntlich unglücklich über das geänderte Ende des Films, das im Vergleich zum Buch optimistischer ausfiel. Doch selbst dieses versöhnliche Finale konnte den bleibenden Eindruck der vorhergegangenen Schrecken nicht tilgen.
Man darf nicht vergessen, wie sehr die physische Umgebung den Film prägte. Das Headland Hotel in Cornwall, das im Film als „Hotel Excelsior“ diente, wurde selbst zu einem Charakter. Die langen Flure, die knarrenden Dielen und der Blick auf den peitschenden Atlantik bildeten den perfekten Rahmen für eine Geschichte über Isolation und Mut. In diesen Räumen bewegten sich die Darsteller nicht wie auf einer Bühne, sondern wie Bewohner einer Welt, die ihre eigenen, grausamen Regeln besaß.
Hustons Darstellung der Oberhexe bleibt bis heute eine der ikonischsten Leistungen des Genres. Es war nicht nur das Make-up. Es war die Art, wie sie den Kopf neigte, wie sie ihre Stimme von einem süßlichen Flüstern in ein gutturales Grollen verwandelte. Sie verkörperte eine Macht, die absolut war. Wenn sie ihre Untergebenen anschrie, weil sie nicht genug Kinder vernichtet hatten, zitterte nicht nur das Ensemble auf der Leinwand, sondern auch die Kinder im Kinosaal.
Der Film funktionierte, weil er seine jungen Protagonisten ernst nahm. Luke wurde nicht als hilfloses Opfer dargestellt, sondern als ein Wesen, das trotz seiner winzigen Gestalt eine enorme moralische Stärke bewies. Jasen Fisher lieferte eine Performance ab, die frei von den üblichen Manierismen von Kinderstars war. Seine Interaktion mit der Großmutter fühlte sich echt an, getragen von einer gemeinsamen Geschichte von Trauer und Überleben.
In den Jahrzehnten seit der Veröffentlichung hat sich die Art, wie wir solche Geschichten erzählen, dramatisch verändert. Die Pixel haben den Kleber ersetzt, und die Green Screens haben die realen Drehorte verdrängt. Doch wenn man das Original heute betrachtet, spürt man immer noch die Hitze der Scheinwerfer und den Schweiß unter den Masken. Es gibt eine Schwere in den Bildern, die nicht kopiert werden kann. Die visuelle Sprache von Nicholas Roeg, kombiniert mit der handwerklichen Meisterschaft von Hensons Team, schuf eine Textur, die fast greifbar ist.
Es gab Gerüchte über die schwierigen Drehbedingungen, über die Erschöpfung des Teams und die technischen Herausforderungen der Puppenführung. Doch all das verschwand in dem Moment, in dem das Licht im Kino erlosch. Übrig blieb eine Erzählung, die tief in die Urängste der Kindheit eintauchte und sie in einer Weise visualisierte, die sowohl abstoßend als auch faszinierend war. Die Entscheidung, auf echte Spezialeffekte zu setzen, zahlte sich langfristig aus. Während frühe computergenerierte Bilder heute oft lächerlich wirken, behält die Arbeit von Tucker und Henson ihre verstörende Kraft.
Die Schauspieler trugen diese Last mit einer Würde, die man in heutigen Blockbustern oft vergeblich sucht. Es gab keine Eitelkeit. Wenn eine Schauspielerin wie Huston bereit war, sich in eine groteske Kreatur zu verwandeln, dann setzte das einen Standard für die gesamte Produktion. Es war ein Bekenntnis zum Geschichtenerzählen, das über die Selbstdarstellung hinausging.
Wenn man heute durch die Hallen des Headland Hotels geht, kann man fast noch das Echo von Hustons scharfem Befehlston hören. Die Geschichte hat sich in das Mauerwerk eingebrannt, so wie sie sich in das Gedächtnis derer eingebrannt hat, die sie damals zum ersten Mal sahen. Es war eine Lektion in Sachen Empathie und Tapferkeit, verpackt in eine Hülle aus Latex und Magie.
Das Kino ist im besten Fall eine Zeitmaschine, die uns nicht nur an Orte führt, die wir nicht kennen, sondern uns auch Gefühle zurückgibt, die wir längst vergessen glaubten. Die Angst vor dem Unbekannten, die Wärme einer rettenden Umarmung und der Triumph des Kleinen über das scheinbar Unbesiegbare – all das steckt in diesem Werk. Es ist ein Denkmal für eine Ära, in der Fantasie noch schmutzig, laut und wunderbar hässlich sein durfte.
Als der Abspann schließlich über die Leinwand lief, blieb ein Gefühl der Erleichterung, gemischt mit einer seltsamen Wehmut. Die Welt war wieder sicher, die Hexen besiegt, doch der Zauber der Verwandlung hallte nach. Es war die Erkenntnis, dass das Böse zwar maskiert sein mag, aber dass es Menschen gibt, die bereit sind, hinzusehen, egal wie furchteinflößend der Anblick auch sein mag.
Anjelica Huston trat schließlich aus dem Wohnwagen, das Make-up war entfernt, die Haut gereizt und rot. Sie war wieder sie selbst, und doch blieb ein Teil der Großen Oberhexe in den Schatten der Studiowände zurück, bereit, in den Träumen der Zuschauer weiterzuleben.
