Manche Filme scheitern so spektakulär, dass sie fast schon wieder als Studienobjekt für das kollektive Versagen einer ganzen Branche dienen können. Als Netflix im Jahr 2020 den Action-Thriller nach der Graphic Novel von Rick Remender veröffentlichte, hagelte es vernichtende Kritiken. Eine seltene Bewertung von null Prozent auf der Plattform Rotten Tomatoes markierte den absoluten Tiefpunkt. Doch wer den Film heute mit ein wenig Abstand betrachtet, stellt fest, dass die übliche Häme das eigentliche Problem verfehlt. Es war nämlich nicht das mangelnde Talent der Schauspieler, das dieses Werk in den Abgrund riss. Vielmehr zeigt die Besetzung von The Last Days of American Crime, wie ein eigentlich fähiges Ensemble durch ein orientierungsloses Drehbuch und eine übertriebene Laufzeit regelrecht sabotiert wurde.
Ein Ensemble im Würgegriff der Überlänge
Stell dir vor, du hast drei erstklassige Zutaten für ein Abendessen, aber der Koch entscheidet sich, sie in zehn Litern Wasser zu ertränken. Genau das passierte hier. Édgar Ramírez ist kein Unbekannter; seine Darstellung des Terroristen Carlos im gleichnamigen Epos von Olivier Assayas brachte ihm weltweite Anerkennung und einen César ein. Er besitzt diese seltene, melancholische Gravitas, die einen Raum füllen kann, ohne dass er ein einziges Wort sagen muss. In der Geschichte rund um den letzten großen Raubzug Amerikas wirkt er jedoch oft wie ein Geist, der durch seine eigenen Szenen wandelt. Das ist kein Zufall und auch kein Zeichen von Lustlosigkeit. Es ist das Resultat einer Regieführung durch Olivier Megaton, die auf pure Erschöpfung setzte. Wenn man einen Schauspieler zwingt, über 148 Minuten hinweg denselben gequälten Gesichtsausdruck beizubehalten, während die Handlung auf der Stelle tritt, erstickt man jede Form von Nuance.
Michael Pitt wiederum, der den unberechenbaren Kevin spielt, lieferte genau das ab, was man von ihm erwartete: eine manische, fast schon an Joker-Vibes erinnernde Performance. Kritiker warfen ihm Overacting vor, doch ich behaupte, dass er der einzige war, der den absurden Kern der Vorlage verstanden hatte. Er versuchte, gegen die bleierne Schwere des Films anzuspielen. Anna Brewster komplettiert das Trio als Shelby, eine Femme Fatale, die eigentlich weit mehr Tiefe besitzt, als ihr das Skript zugestehen will. Die Dynamik zwischen diesen drei Personen hätte das Herzstück einer packenden Crime-Story sein können, wäre sie nicht unter Bergen von unnötigen Nebenhandlungen begraben worden. Es ist ein klassischer Fall von Fehlleitung durch die Produktion. Man kaufte große Namen ein, nur um sie dann in einem Vakuum agieren zu lassen, in dem keine echte menschliche Verbindung entstehen konnte.
Die Besetzung von The Last Days of American Crime als Sündenbock der Kritik
Es ist leicht, auf die Darsteller zu zeigen, wenn ein Film nicht funktioniert. Das Publikum sieht ihre Gesichter, hört ihre Stimmen und projiziert den Frust über eine vertane Zeit direkt auf sie. Aber diese Sichtweise ist oberflächlich. Wer sich die Mühe macht, hinter die Fassade zu blicken, erkennt, dass die Besetzung von The Last Days of American Crime eine fast schon heroische Aufgabe übernahm. Sie mussten versuchen, Charaktere zu verkörpern, deren Motivationen alle zehn Minuten vom Drehbuch über den Haufen geworfen wurden. In der Filmindustrie wissen wir, dass ein Schauspieler nur so gut sein kann wie die Zeilen, die er bekommt. Wenn die Dialoge aus hohlen Phrasen bestehen und jede Szene drei Minuten zu lang ist, kann selbst ein Charakterdarsteller vom Format eines Ramírez nichts mehr retten.
Skeptiker mögen nun einwenden, dass ein wirklich großer Schauspieler schlechtes Material aufwerten kann. Denken wir an Meryl Streep oder Anthony Hopkins, die oft aus mittelmäßigen Stoffen Gold machen. Doch dieser Vergleich hinkt gewaltig. Es gibt einen Unterschied zwischen mittelmäßigem Material und einem Film, der aktiv gegen seine eigenen Akteure arbeitet. Megaton, bekannt für Filme wie Taken 3, ist ein Regisseur des Exzesses, nicht der Subtilität. Sein Stil ist geprägt von schnellen Schnitten und einer Reizüberflutung, die jegliche schauspielerische Leistung einfach verschluckt. Es ist paradox: Die Kamera ist so nah an den Gesichtern der Protagonisten, dass man jede Pore sieht, aber sie fängt keine einzige echte Emotion ein. Das liegt nicht an der Unfähigkeit der Gesichter, sondern an der emotionalen Leere des Rahmens, in dem sie sich bewegen müssen.
Das Missverständnis der Vorlage
Man muss verstehen, worauf dieser Film basiert. Die Graphic Novel ist ein zynisches, dreckiges und vor allem kurzes Stück Popkultur. Sie lebt von einer klaustrophobischen Atmosphäre und einem rasenden Tempo. Die filmische Umsetzung hingegen wollte ein Epos sein. Dieser Drang nach Größe hat die Besetzung von The Last Days of American Crime völlig aus der Bahn geworfen. Man verlangte von den Schauspielern, eine Tiefe zu simulieren, die das Ausgangsmaterial gar nicht vorsah. Anstatt einen knackigen 90-Minuten-Heist-Movie zu drehen, der die rohe Energie der Darsteller nutzt, wurde alles in die Länge gezogen, bis nur noch Langeweile übrig blieb. Die Frustration, die man in den Augen der Protagonisten sieht, ist vielleicht die einzige echte Emotion im gesamten Film — die Frustration darüber, in einem Projekt festzustecken, das seine eigene Identität nicht findet.
Wenn das System das Talent frisst
Dieser Film ist ein Lehrstück darüber, wie moderne Streaming-Plattformen Inhalte produzieren. Oft scheint es so, als würde ein Algorithmus entscheiden, welche Elemente zusammengefügt werden müssen: ein bekannter Hauptdarsteller für den lateinamerikanischen Markt, ein Indie-Liebling für die Cineasten und eine aufstrebende europäische Schauspielerin für das internationale Flair. Doch ein Film ist keine Excel-Tabelle. Wenn die Chemie zwischen den Akteuren nicht stimmt oder — noch schlimmer — durch die Regie aktiv unterbunden wird, hilft auch die beste Besetzung nichts mehr. Man spürt in jeder Szene, dass die Darsteller in unterschiedlichen Filmen mitspielen. Pitt ist in einem psychedelischen Thriller, Ramírez in einem deprimierenden Drama und Brewster in einem stylischen Spionagefilm.
Es gibt Momente, in denen das Potenzial aufblitzt. Wenn Shelby und Graham in einem ruhigen Moment über die bevorstehende moralische Apokalypse sprechen, die das Signal auslösen wird, erkennt man, was hätte sein können. In diesen Sekunden wird klar, dass die Schauspieler ihre Hausaufgaben gemacht hatten. Sie verstanden den Schmerz ihrer Figuren. Aber dann explodiert wieder irgendetwas völlig Unmotiviertes im Hintergrund, oder ein völlig irrelevanter Nebencharakter taucht auf, um die Laufzeit weiter aufzublähen. Man kann den Schauspielern nicht vorwerfen, dass sie in einem Kartenhaus stehen, das der Regisseur selbst mit einem Laubbläser traktiert.
Die Branche neigt dazu, solche Projekte schnell zu vergessen und die Beteiligten mit dem Makel des Scheiterns zu brandmarken. Dabei ist die Wahrheit viel komplizierter. Ein Film dieser Größenordnung ist ein riesiger Apparat, und wenn der Kapitän das Steuer loslässt, können die Matrosen noch so gut rudern — das Schiff wird am Riff zerschellen. Die Darsteller hier waren keine Versager, sie waren Gefangene einer Produktion, die sich in ihrer eigenen Ambition verhedderte. Es ist an der Zeit, dass wir aufhören, die Qualität eines Schauspielers rein an der Punktzahl eines Films auf einer Kritik-Plattform zu messen. Talent verschwindet nicht einfach, nur weil das Endprodukt ungenießbar ist.
Die Lehre aus dem Desaster
Was nehmen wir also mit aus dieser Erfahrung? Man lernt oft mehr aus Unfällen als aus glatten Erfolgen. In diesem Fall ist es die Erkenntnis, dass Präsenz und Charisma endliche Ressourcen sind. Man kann sie nicht über zweieinhalb Stunden strecken, ohne dass sie verdünnen. Wer die Leistung der Darsteller heute bewertet, sollte dies mit einem gewissen Respekt für ihre Ausdauer tun. Sie lieferten ab, unter Bedingungen, die künstlerisch betrachtet feindselig waren. Sie blieben professionell in einem Chaos aus schlechtem Schnitt und einer völlig deplatzierten Musikauswahl. Das allein verdient eine Neubewertung ihrer Arbeit in diesem speziellen Kontext.
Der Film wird in den Annalen von Netflix wahrscheinlich als mahnendes Beispiel für fehlende redaktionelle Kontrolle stehen bleiben. Aber für die Menschen vor der Kamera war es ein harter Job, den sie mit den Mitteln auszuführen versuchten, die ihnen zur Verfügung standen. Wenn wir das nächste Mal über einen sogenannten Flop urteilen, sollten wir uns fragen, ob wir die Gesichter bestrafen, weil uns die Geschichte nicht gefiel, oder ob wir fähig sind, die handwerkliche Leistung isoliert von der katastrophalen Gesamtleitung zu betrachten. Die Kunst der Darstellung ist oft ein Kampf gegen die Umstände, und manchmal gewinnen eben die Umstände.
Wer die Leistung dieses Ensembles wirklich verstehen will, muss den Film als das sehen, was er ist: eine Sammlung von starken Einzelteilen, die von einem unfähigen Regisseur niemals zu einem Ganzen zusammengefügt wurden.
Die Besetzung war nicht das Problem des Films, sondern die einzige Ausrede, ihn überhaupt bis zum Ende anzusehen.
