Wer glaubt, dass ein Kinderfilm über eine elfjährige Astronomie-Begeisterte zwangsläufig in die Kiste der pädagogisch wertvollen Langeweile gehört, irrt gewaltig. Es herrscht oft die Meinung vor, dass solche Produktionen vor allem durch bekannte Gesichter in den Erwachsenenrollen glänzen müssen, um das Marketing zu sichern. Doch die Besetzung von Mission Ulja Funk bricht mit dieser biederen Tradition des deutschen Kinos auf eine Weise, die man fast als subversiv bezeichnen kann. Während sich andere Produktionen hinter prominenten Namen verstecken, vertraute Regisseurin Barbara Kronenberg auf eine Dynamik, die nicht aus der Bekanntheit der Akteure, sondern aus einer fast schmerzhaft präzisen Typisierung speist. Wer hier nach den üblichen Verdächtigen der Berliner Schauspielszene sucht, findet stattdessen eine Truppe, die so herrlich schräg und authentisch wirkt, dass sie das gesamte Genre der Coming-of-Age-Komödie in Deutschland unter Zugzwang setzt.
Die Illusion der Sicherheit durch Stars
In der Branche gilt ein ungeschriebenes Gesetz: Willst du eine staatliche Förderung und ein breites Publikum, brauchst du ein Gesicht auf dem Plakat, das jeder kennt. Man sieht dann oft dieselben drei oder vier Schauspieler, die mal einen besorgten Vater, mal einen tollpatschigen Lehrer spielen. Das sorgt für ein Gefühl der Vertrautheit, tötet aber jede echte Entdeckung im Keim. Die Macher hinter diesem Roadmovie gingen einen anderen Weg. Sie verstanden, dass die Geschichte von Ulja, die mit einem geklauten Leichenwagen von Deutschland nach Belarus rast, um den Einschlag eines Asteroiden zu beobachten, keine glatten Oberflächen verträgt. Die Besetzung von Mission Ulja Funk ist deshalb kein bloßes Beiwerk zur Handlung, sondern das Rückgrat einer Erzählweise, die sich traut, hässlich, laut und religiös fanatisch zu sein.
Warum die Besetzung von Mission Ulja Funk ein Wagnis für das Casting war
Das eigentliche Risiko lag in der Wahl der Hauptdarstellerin. Romy Lou Janinhoff spielt Ulja nicht als das typische, süße Kind, das die Welt mit großen Augen bestaunt. Sie spielt sie als eine besessene Wissenschaftlerin im Körper eines Kindes, deren soziale Kompetenz gegen Null tendiert. Es ist eine Leistung, die man in dieser Intensität selten sieht. Janinhoff verkörpert eine Sturheit, die fast schon unangenehm ist. Sie fordert den Zuschauer heraus, sie zu mögen, was im krassen Gegensatz zum klassischen Identifikationsangebot im Familienfilm steht. Jonas Oeßel als ihr unfreiwilliger Fluchthelfer Henny bildet dazu den perfekten Gegenpol. Er spielt den Jungen, der eigentlich nur dazugehören will, aber in eine Welt hineingezogen wird, die viel zu groß für ihn ist. Dieses Duo funktioniert, weil das Casting hier keine Harmonie suchte, sondern Reibung.
Die Provokation der religiösen Karikatur
Man muss sich vor Augen führen, in welchem Umfeld Ulja aufwächst. Die Gemeinschaft der Wolgadeutschen, die im Film porträtiert wird, ist streng gläubig und lehnt Wissenschaft als Teufelszeug ab. Hier zeigt sich die Stärke der Nebendarsteller. Hildegard Schroedter als Uljas Großmutter Olga ist eine Wucht. Sie verkörpert diese dogmatische Härte so glaubwürdig, dass man beim Zuschauen fast selbst Angst bekommt, für ein falsches Wort gemaßregelt zu werden. Es ist eine Darstellung, die weit über das hinausgeht, was man von einer „Oma-Rolle“ erwartet. Sie ist keine gütige Frau mit Keksen, sondern die Antagonistin einer Weltanschauung. Dass das Team hier auf Schauspieler setzte, die bereit waren, sich dem Spott und der Groteske preiszugeben, rettet das Werk vor der Belanglosigkeit. Viele Skeptiker behaupteten im Vorfeld, dass diese Darstellung religiöser Minderheiten zu klischeehaft sei. Ich behaupte das Gegenteil. Nur durch diese Zuspitzung wird der Ausbruch Uljas überhaupt erst zu einem Akt der Befreiung, der für das Publikum fühlbar wird.
Die Kraft dieses Ensembles liegt in der Absage an den deutschen Naturalismus. Wir sind es gewohnt, dass Filme entweder „echt“ wirken wollen oder reine Fantasy sind. Dieser Film wählt einen dritten Weg: die Hyperrealität. Jeder Charakter ist ein wenig zu laut, jede Geste ein Stück zu groß. Das erfordert von den Darstellern ein blindes Verständnis für das Timing der Regie. Wenn die gesamte Kirchengemeinde in einem klapprigen Bus die Verfolgung aufnimmt, grenzt das an Slapstick. Aber es ist Slapstick mit Herzblut. Die Schauspieler agieren hier wie ein Orchester, das genau weiß, wann es disharmonisch klingen muss, um den Witz zu verkaufen. Man spürt, dass hier niemand nur für den Scheck am Set war.
Ein weiterer entscheidender Faktor für den Erfolg dieser speziellen Zusammenstellung war die kulturelle Verortung. Die Geschichte spielt im fiktiven Ort Lutterqwieck und führt über die polnische Grenze bis nach Belarus. Die Wahl der Akteure spiegelt diese osteuropäische Melancholie und den absurden Humor wider, den man oft in Filmen aus Polen oder Tschechien findet, der im deutschen Kino aber meistens fehlt. Es ist eine Mischung aus Trockenheit und Wahnsinn. Wer die Besetzung von Mission Ulja Funk analysiert, erkennt schnell, dass hier eine europäische Identität jenseits der Hochglanz-Metropolen eingefangen wurde. Das ist kein Film für die Schickeria in München oder Hamburg, das ist ein Film für die Provinz, für die Außenseiter, für diejenigen, die nachts in den Himmel schauen, während der Rest der Welt auf sein Smartphone starrt.
Ich habe oft erlebt, wie Filme an ihrem eigenen Anspruch scheitern, weil die Chemie zwischen den Generationen nicht stimmt. Oft wirken die Kinder hölzern oder die Erwachsenen herablassend. Hier gibt es eine Augenhöhe, die durch die schiere Kompetenz der Regieführung erzwungen wurde. Ulja dominiert die Erwachsenen nicht, weil sie klüger ist, sondern weil sie ein klares Ziel hat. Die Erwachsenen wiederum sind nicht einfach nur dumm, sie sind in ihren Traditionen gefangen. Diese Nuancen darzustellen, ohne in Mitleid zu verfallen, ist die wahre Kunst der Schauspieler in diesem Projekt. Es ist die Verweigerung der einfachen Antwort.
Man könnte einwenden, dass der Film ohne einen massiven Star an der Spitze an den Kinokassen kämpfen musste. Das mag stimmen. Aber die Qualität eines Werkes bemisst sich nicht an seinem Eröffnungswochenende, sondern an seiner Halbwertszeit im Gedächtnis der Menschen. Wer diesen Cast sieht, vergisst ihn nicht so schnell wie das Gesicht des zehnten TV-Kommissars, der mal wieder eine Nebenrolle in einem Kinderfilm übernommen hat. Die Gesichter hier haben Furchen, sie haben Charakter, sie haben eine Geschichte, die man ihnen ansieht, bevor sie den ersten Satz sagen. Das ist es, was wahres Kino ausmacht.
Es ist Zeit, dass wir aufhören, Besetzungslisten nach ihrer Marktfähigkeit zu bewerten und stattdessen anfangen, sie nach ihrer narrativen Notwendigkeit zu beurteilen. Wenn ein Film es schafft, dass man sich als Zuschauer wünscht, Teil dieser völlig verrückten Reisegruppe zu sein, dann wurde alles richtig gemacht. Die Entscheidung gegen die sichere Bank und für das charakterstarke Experiment hat sich hier voll ausgezahlt. Es zeigt uns, dass das deutsche Kino dann am stärksten ist, wenn es sich traut, ein wenig seltsam zu sein und seinen eigenen Pfad durch die Sterne zu finden.
Wer die Authentizität dieses Werkes wirklich begreifen will, muss akzeptieren, dass gute Besetzung bedeutet, den Mut zum Unperfekten zu haben.
