Es herrscht der weitverbreitete Glaube, dass ein Hollywood-Blockbuster allein durch die Strahlkraft seiner Hauptdarsteller steht oder fällt. Als der Vorhang für die Fortsetzung der Amazonen-Saga aufging, blickten Millionen von Fans weltweit mit einer Mischung aus Hoffnung und Skepsis auf das Ensemble. Doch wer glaubt, dass die Besetzung von Wonder Woman 1984 lediglich an schauspielerischem Talent oder mangelnder Chemie zwischen den Akteuren krankte, übersieht die strukturelle Falle, in die das Studio geraten war. Gal Gadot lieferte genau das, was von ihr erwartet wurde, und dennoch fühlte sich das Endergebnis seltsam hohl an. Das Problem lag nicht an der Qualität der Darsteller selbst, sondern an einer narrativen Überfrachtung, die den Akteuren den Raum zum Atmen nahm. Ich beobachte seit Jahren, wie Franchise-Filme versuchen, den Blitz eines ersten Erfolgs in der Flasche einzufangen, nur um festzustellen, dass man Magie nicht einfach verdoppeln kann, indem man mehr Gesichter auf das Poster druckt.
Die Last der Erwartungen an die Besetzung von Wonder Woman 1984
Die Rückkehr von Chris Pine als Steve Trevor war der erste Dominostein, der eine Kette von logischen Inkonsistenzen auslöste. Seine Präsenz war ein zweischneidiges Schwert. Einerseits funktionierte die Dynamik zwischen ihm und Gadot im ersten Teil hervorragend, andererseits wirkte seine Wiederauferstehung in einem fremden Körper im Jahr 1984 wie ein verzweifelter Griff nach nostalgischer Sicherheit. Die Filmemacher trauten ihrer Heldin offensichtlich nicht zu, einen Film ohne ihren männlichen Gegenpart zu tragen. Das ist die bittere Ironie. In einem Werk, das weibliche Selbstermächtigung zelebrieren sollte, wurde die Protagonistin emotional an einen Geist der Vergangenheit gekettet. Die schauspielerische Leistung von Pine war gewohnt charmant, aber sie untergrub die Entwicklung von Diana Prince massiv. Man kann nicht vorwärts gehen, wenn man ständig über die Leiche der ersten großen Liebe stolpert, die plötzlich wieder im Wohnzimmer steht.
Kristen Wiig und Pedro Pascal sollten als Antagonisten frischen Wind bringen. Wiigs Transformation von der schüchternen Barbara Minerva zur gefährlichen Cheetah war auf dem Papier ein klassischer Comic-Stoff. Pascal hingegen verkörperte Maxwell Lord mit einer manischen Energie, die fast an die Exzesse der 80er-Jahre-Wall-Street erinnerte. Doch hier zeigt sich der Mechanismus des Scheiterns. Wenn ein Film versucht, zwei völlig unterschiedliche Bösewichte mit komplexen Hintergrundgeschichten in 151 Minuten zu pressen, bleibt die Tiefe auf der Strecke. Die Motivationen wirken gehetzt. Die Verwandlungen fühlen sich mechanisch an. Es ist nun mal so, dass das Publikum eine Verbindung zu den Schurken aufbauen muss, damit der finale Konflikt eine Bedeutung hat. Bei diesem Projekt wirkte es eher so, als würde man eine Checkliste abarbeiten, anstatt eine organische Geschichte zu erzählen.
Das Paradoxon der Starpower
Ein interessanter Aspekt dieser Produktion war die Entscheidung, auf bewährte Archetypen zu setzen, anstatt neue Wege zu gehen. Gal Gadot ist ohne Zweifel die perfekte physische Repräsentation der Wonder Woman. Sie besitzt eine Aura, die im modernen Kino selten geworden ist. Aber die Besetzung von Wonder Woman 1984 litt unter dem Syndrom des „Zu-Viel-Des-Guten“. In der Branche nennt man das oft das Sequel-Paradoxon. Man nimmt alles, was im ersten Teil funktionierte, und dreht die Lautstärke auf elf. Das Ergebnis ist meistens Lärm statt Musik. Ich erinnere mich an die ersten Reaktionen der Kritiker, die versuchten, das Durcheinander schönzureden, doch die nackten Fakten sprachen eine andere Sprache. Die Kohärenz ging verloren, weil jeder Schauspieler in seinem eigenen kleinen Film zu spielen schien.
Pascal spielte eine griechische Tragödie über einen Vaterkomplex. Wiig spielte ein Psychodrama über soziale Ausgrenzung. Gadot und Pine spielten eine romantische Komödie mit Zeitreise-Elementen. Diese verschiedenen Tonalitäten prallten hart aufeinander, anstatt zu verschmelzen. Es gab keinen einheitlichen Puls. Wenn man sich die Produktionen der Konkurrenz ansieht, etwa bei Marvel, erkennt man, dass dort oft ein sehr strenges tonales Korsett herrscht. Man mag das als formelhaft kritisieren, aber es verhindert, dass ein Film in seine Einzelteile zerfällt. Warner Bros. hingegen gewährte Regisseurin Patty Jenkins anscheinend so viel Freiheit, dass der Fokus verloren ging. Das ist das Risiko, wenn man eine erfolgreiche Formel nicht verfeinert, sondern einfach nur aufbläht.
Die Dekonstruktion eines Heldenepos
Ein häufiger Einwand von Verteidigern des Films ist, dass die 80er Jahre eben bunt, laut und ein wenig chaotisch waren. Man argumentiert, dass der Film lediglich den Geist jener Ära einfangen wollte. Doch dieses Argument hält einer genauen Prüfung nicht stand. Ein historisches Setting rechtfertigt kein schlampiges Drehbuch. Die Entscheidung, Steve Trevors Bewusstsein in den Körper eines Unschuldigen zu transferieren, war moralisch fragwürdig und wurde im Film kaum thematisiert. Das wirft ein schlechtes Licht auf die Integrität der Hauptfigur. Man fragt sich, was sich die Autoren dabei gedacht haben. Wollten sie die Grenzen der Moral austesten oder haben sie den implizierten Horror dieser Situation schlicht übersehen? In einem Zeitalter, in dem jedes Detail auf Social Media seziert wird, war dies ein katastrophaler Fehlgriff.
Die physische Action, eigentlich ein Markenzeichen dieses Genres, wirkte seltsam blass. Während der erste Teil durch seine raue, erdige Ästhetik der Schützengräben des Ersten Weltkriegs bestach, fühlte sich die Fortsetzung oft künstlich an. Das liegt zum Teil an der übermäßigen Verwendung von CGI, aber auch an der Choreografie, die den Darstellern nicht gerecht wurde. Man sah Gadot an, dass sie sich in den Drahtseilakten nicht immer wohlfühlte. Die Leichtigkeit des Fliegens, die hier eingeführt wurde, wirkte eher wie ein Rückschritt in die Ära von Christopher Reeve, ohne jedoch deren unschuldigen Charme zu besitzen. Es war ein Versuch, Nostalgie zu erzwingen, wo eigentlich Innovation gefragt gewesen wäre.
Die Rolle von Maxwell Lord ist ein Paradebeispiel für verschenktes Potenzial. Pedro Pascal ist ein fantastischer Schauspieler, wie er in anderen Serien bewiesen hat. Er legte in diese Figur eine Verletzlichkeit, die fast schon zu gut für das restliche Skript war. Seine Verzweiflung, seinem Sohn etwas zu beweisen, war der einzige emotionale Anker des Films. Doch dieser Handlungsstrang wurde durch den absurden Plot um den Wunschstein fast ins Lächerliche gezogen. Man kann keinen ernsthaften Kommentar über Gier und Kapitalismus abgeben, wenn das zentrale Handlungselement ein magisches Artefakt ist, das wie ein schlechtes Märchen funktioniert. Hier zeigt sich die Diskrepanz zwischen dem schauspielerischen Anspruch und der narrativen Realität.
Es gibt eine Theorie unter Branchenkennern, dass der Film unter dem enormen Druck stand, das gesamte DC Extended Universe zu retten. Nach mehreren Fehlstarts suchte das Studio händeringend nach einem stabilen Fundament. Doch anstatt Diana Prince als eigenständige, starke Ikone weiterzuentwickeln, wurde sie zur Projektionsfläche für alles Mögliche. Sie musste die Liebende sein, die Trauernde, die Lehrerin, die Kriegerin und schließlich die Retterin der Welt durch die Macht der Wahrheit. Das ist selbst für eine Halbgöttin eine Nummer zu groß. Die Geschichte verlor ihren menschlichen Kern, weil sie versuchte, eine universelle Lektion zu erteilen, die niemand wirklich bestellt hatte.
Die Zuschauerreaktionen waren dementsprechend gespalten. Während Kinder die bunten Farben und die einfache Botschaft mochten, fühlten sich langjährige Fans betrogen. Sie sahen eine Figur, die sie im ersten Teil für ihre Entschlossenheit und ihre Naivität bewundert hatten, nun in einem Konstrukt gefangen, das mehr Fragen aufwarf als es beantwortete. Warum konnte Diana plötzlich fliegen? Warum reichte ein einfacher Verzicht auf einen Wunsch aus, um die Weltordnung wiederherzustellen? Diese Fragen nagen an der Glaubwürdigkeit eines Universums. Wenn die Regeln der Welt so biegsam sind wie das Lasso der Wahrheit, verliert der Einsatz an Bedeutung. Es gibt keine echte Gefahr, wenn jedes Problem durch eine emotionale Rede gelöst werden kann.
Skeptiker werden nun sagen, dass Filme dieser Art nicht logisch sein müssen. Es sei Eskapismus, purer Spaß für zwei Stunden. Doch dieser Ansatz ist herablassend gegenüber dem Publikum. Das moderne Kino hat bewiesen, dass Superheldengeschichten tiefgründig und logisch konsistent sein können. Wenn man diesen Standard einmal gesetzt hat, kann man nicht einfach dahinter zurückfallen, ohne Kritik zu ernten. Das Publikum merkt, wenn es für dumm verkauft wird. Man merkt, wenn ein Studio sich auf den Lorbeeren der Vergangenheit ausruht. Die schauspielerische Integrität der Beteiligten rettet ein sinkendes Schiff nur bis zu einem gewissen Punkt.
Letztlich bleibt das Gefühl einer verpassten Gelegenheit. Man hatte die Ressourcen, man hatte die Talente, und man hatte eine Welt, die hungrig nach einer starken Heldin war. Doch man entschied sich für den Weg des geringsten Widerstands. Man wählte das Bekannte über das Neue. Man wählte den Pathos über die Substanz. Wenn wir über die großen Blockbuster-Enttäuschungen der letzten Jahre sprechen, wird dieses Werk immer als ein mahnendes Beispiel für kreative Überheblichkeit genannt werden. Es ist die Geschichte eines Teams, das so sehr damit beschäftigt war, die Erwartungen zu erfüllen, dass es vergaß, eine Geschichte zu erzählen, die es wert ist, gehört zu werden.
Wahre Größe zeigt sich nicht in der Anzahl der Spezialeffekte oder der Prominenz der Namen auf dem Plakat, sondern in dem Mut, eine Figur dorthin gehen zu lassen, wo es wehtut.
