Manche Alben fühlen sich wie ein ganzer Kontinent an. Man betritt sie und weiß am Anfang nicht, wo man am Ende wieder herauskommt. Robert Smith und seine Mitstreiter haben 1987 genau so ein Monstrum erschaffen. Es ist laut, es ist bunt, es ist verstörend und an manchen Stellen fast schon unerträglich süßlich. Wenn ich heute an The Cure Kiss Me Kiss Me Kiss Me denke, sehe ich nicht nur ein Cover mit knallroten Lippen vor mir. Ich höre den Größenwahn einer Band, die damals gerade begriff, dass sie die Welt regieren konnte. Es war das siebte Studioalbum der Gruppe und markierte den Moment, in dem der Underground endgültig im Mainstream einschlug, ohne seine Seele zu verkaufen.
Ein musikalisches Chaos mit Methode
Wer dieses Werk zum ersten Mal hört, ist oft überfordert. Das liegt vor allem an der schieren Masse des Materials. Damals erschien es als Doppel-LP. Das bedeutete über 70 Minuten Spielzeit. Das war für die achtziger Jahre eine Ansage. Robert Smith wollte alles. Er wollte Funk, er wollte orchestralen Pop, er wollte psychedelischen Rock und natürlich diesen tiefen, schwarzen Schlund, für den die Fans sie liebten.
Die Produktion in Südfrankreich
Die Band zog sich in das Studio Miraval in der Provence zurück. Man muss sich das vorstellen: Eine Gruppe von bleichen Briten in der heißen Sonne Südfrankreichs. Dieser Kontrast spiegelt sich in jedem Song wider. Es herrschte eine Atmosphäre von Exzess und Kreativität. Berichten zufolge floss viel Alkohol. Das hört man. Manche Stücke klingen betrunken vor Glück, andere wie der schlimmste Kater am nächsten Morgen. Die Aufnahmen dauerten Monate. Smith hatte die volle Kontrolle. Er wollte weg von dem kühlen, minimalistischen Sound der Vorgänger. Er suchte die Opulenz.
Der Aufbau der Titelliste
Die Anordnung der Lieder wirkt fast wahllos, folgt aber einer emotionalen Logik. Es geht los mit einem ewig langen Intro. Fast vier Minuten lang passiert nichts außer einer sich steigernden Gitarrenwand. Erst dann setzt der Gesang ein. Das ist mutig. Welcher Radiosender spielt heute noch einen Song, bei dem der Text erst nach der Hälfte beginnt? Damals ging das. Die Hörer hatten Geduld. Sie wollten sich in den Klängen verlieren.
The Cure Kiss Me Kiss Me Kiss Me und der globale Durchbruch
Dieses Album war der Schlüssel zum amerikanischen Markt. Vorher galt die Band dort als Kultphänomen für Gruftis und Außenseiter. Mit dieser Veröffentlichung änderte sich alles. Die Videos liefen auf MTV in Dauerschleife. Plötzlich hingen Poster von Robert Smith in Kinderzimmern in den Vororten von Ohio. Das lag vor allem an der Vielseitigkeit. Es gab für jeden einen Anknüpfungspunkt. Wer es fröhlich mochte, bekam perfekten Pop. Wer traurig war, fand Trost in den düsteren Epen.
Die Bedeutung der Singleauskopplungen
Vier Lieder wurden ausgekoppelt. Jedes davon zeigte eine andere Facette. Da war dieses eine Stück mit dem markanten Saxophon-Riff, das fast nach Jazz klang. Dann gab es die verträumte Ballade, die bis heute auf jeder Indie-Party läuft. Diese Vielfalt war kein Zufall. Die Band wollte beweisen, dass sie nicht auf ein Genre festgelegt ist. Sie spielten mit den Erwartungen der Kritiker. Viele Journalisten wussten damals nicht, wie sie das Ganze einordnen sollten. War das noch Post-Punk? War das New Wave? Oder einfach nur sehr guter Rock?
Kommerzieller Erfolg gegen künstlerische Integrität
Oft verlieren Bands ihre Identität, wenn sie berühmt werden. Hier passierte das Gegenteil. Der Erfolg gab Robert Smith die Freiheit, noch radikaler zu werden. Das Album erreichte hohe Chartplatzierungen in Europa und den USA. In Deutschland hielt es sich wochenlang in den oberen Regionen. Es bewies, dass man keine simplen Hits schreiben muss, um Millionen zu erreichen. Man kann auch komplexe, seltsame Musik machen, solange das Herz stimmt.
Die Instrumentierung und der Sound der späten Achtziger
Technisch gesehen war die Platte ein Meilenstein. Die Band nutzte die damals neuesten Synthesizer, vergaß aber nie die organische Kraft echter Instrumente. Besonders die Bläsersätze waren neu für den Sound der Truppe. Das gab den Liedern eine Wärme, die man vorher vermisst hatte. Simon Gallup am Bass lieferte wie immer das Fundament. Sein Spiel ist auf diesem Werk so präsent wie selten zuvor. Er treibt die Songs voran, während die Gitarren darüber schweben.
Die Texte von Robert Smith
Inhaltlich geht es um die üblichen Themen: Liebe, Verlust, Wahnsinn und Drogen. Aber es gibt eine neue Ebene. Smith schreibt hier viel bildhafter. Er nutzt Metaphern von Insekten, Spinnen und dem Meer. Seine Stimme klingt mal brüchig und verletzlich, dann wieder aggressiv und fordernd. Er spielt Rollen. Er ist nicht mehr nur der traurige Junge im Regen. Er ist der Verführer, der Zerstörer und der Träumer in Personalunion.
Der Einfluss von LSD und Psychedelik
Man kann über dieses Album nicht sprechen, ohne den Einfluss bewusstseinserweiternder Substanzen zu erwähnen. Viele der Arrangements wirken wie Halluzinationen. Schichten über Schichten von Klängen türmen sich auf. Das ist keine Musik für nebenbei. Man muss sie laut hören. Man muss eintauchen. Die Produktion von Dave Allen half dabei, diesen dichten, fast klaustrophobischen Sound zu kreieren, der trotzdem Raum zum Atmen lässt.
Warum das Album heute noch relevant ist
In Zeiten von Spotify-Playlists, in denen Songs oft nur noch zwei Minuten lang sind, wirkt dieses Werk wie ein Relikt aus einer anderen Zeit. Aber genau deshalb ist es wichtig. Es fordert Aufmerksamkeit. Es ist ein Statement gegen die Beliebigkeit. Heutige Künstler wie Tame Impala oder sogar Popstars wie Harry Styles zitieren diesen Vibe immer wieder. Die Mischung aus Exzentrik und Melodie ist zeitlos.
Das Erbe in der Popkultur
Ohne dieses Album gäbe es den Emo-Rock der 2000er Jahre wahrscheinlich nicht in dieser Form. Die ästhetische Vorarbeit, die Smith hier leistete, prägt die Mode und die Attitüde von Musikern bis heute. Die Lippen, die Haare, die übergroßen Hemden – all das wurde hier zur Ikone. Die offizielle Webseite der Band zeigt auch heute noch, wie sehr dieses visuelle Erbe gepflegt wird.
Kritik und Rezeption
Nicht alle liebten das Album sofort. Einigen Hardcore-Fans der ersten Stunde war es zu poppig. Sie vermissten die kalte Verzweiflung von Platten wie "Pornography". Aber die Geschichte hat Robert Smith recht gegeben. Die Platte hat überlebt, weil sie lebendig ist. Sie atmet. Sie macht Fehler. Manche Stücke sind vielleicht zu lang geraten, aber genau das macht den Charme aus. Perfektion ist langweilig.
Praktische Tipps für Sammler und Neueinsteiger
Wenn du dich heute mit diesem Meilenstein beschäftigen willst, gibt es ein paar Dinge zu beachten. Es ist kein Werk für den schnellen Konsum im Auto. Such dir einen ruhigen Moment.
- Die richtige Pressung finden: Die Original-Vinyls aus den achtziger Jahren klingen oft am besten. Sie haben diesen typischen, leicht warmen Klangcharakter. Spätere CD-Versionen waren manchmal etwas zu höhenlastig abgemischt.
- Die Reihenfolge respektieren: Hör die Songs nicht im Shuffle-Modus. Die Band hat sich bei der Abfolge etwas gedacht. Der Wechsel zwischen Licht und Schatten ist ein integraler Bestandteil der Erfahrung.
- Hintergrundwissen nutzen: Es lohnt sich, Interviews aus dieser Zeit zu lesen. Smith war damals sehr offen über seine Motivationsgründe. Das hilft, die Texte besser zu verstehen.
- Kopfhörer benutzen: Viele Details in der Produktion gehen über normale Lautsprecher verloren. Die vielen Spuren der Gitarren und die subtilen Synthesizer-Flächen erschließen sich erst bei genauem Hinhören.
Es gibt zudem großartige Ressourcen für Fans, die tiefer in die Diskografie eintauchen wollen. Das Archiv des Rolling Stone bietet zum Beispiel oft detaillierte Rückblicke auf die Entstehungsgeschichte solcher Klassiker.
Die visuelle Komponente und die Musikvideos
Man kann das Album nicht ohne die Bilder von Tim Pope trennen. Er war der Regisseur der meisten Videos. Sein Humor passte perfekt zur Musik. Er schaffte es, die Band menschlich wirken zu lassen, während sie gleichzeitig wie Fabelwesen aus einer anderen Welt erschienen. Das Video im Schrank oder das am Strand sind legendär. Diese Clips halfen dabei, das Image der Band weltweit zu festigen. Es war eine Kombination aus britischem Slapstick und gotischer Romantik.
Die Mode als Teil des Gesamtwerks
Robert Smith wurde zum Stilvorbild. Die zerzausten Haare und der verschmierte Lippenstift waren kein Zufall. Es war eine Maske, die Schutz bot, aber auch Aufmerksamkeit erregte. Fans auf der ganzen Welt kopierten diesen Look. In den achtziger Jahren war das ein echtes politisches Statement. Es ging darum, nicht dazuzugehören. Es ging um die Verweigerung von Normalität. Auch auf der Bühne wurde dieser Stil zelebriert. Die Konzerte dieser Ära waren legendär für ihre Länge und Intensität. Die Band spielte oft drei Stunden am Stück.
Live-Performances der Ära
Die Tournee zum Album war gigantisch. Die Band spielte in großen Stadien. Das veränderte die Dynamik. Die intime Atmosphäre der kleinen Clubs war weg. Dafür gab es jetzt eine gewaltige Lichtshow und Soundwände, die alles plattwalzten. Dennoch verlor die Musik nicht ihre Seele. Wer Aufnahmen von damals sieht, erkennt, wie sehr die Musiker in diesen Songs aufgingen. Es war keine Fließbandarbeit. Jede Nacht war anders.
Die Entwicklung der Band nach diesem Höhepunkt
Nach diesem Erfolg war die Erwartungshaltung riesig. Die Band stand am Scheideweg. Sollten sie noch mehr Pop machen oder zurück in die Dunkelheit? Wir wissen heute, dass sie sich für beides entschieden haben. Das Nachfolgealbum wurde noch erfolgreicher, aber auf eine ganz andere, melancholischere Weise. The Cure Kiss Me Kiss Me Kiss Me bleibt jedoch der Moment der totalen Freiheit. Es war die Platte, auf der sie sich alles trauten. Es gab keine Grenzen.
Warum das Album nicht altert
Gute Musik erkennt man daran, dass sie auch nach Jahrzehnten nicht peinlich wirkt. Viele Platten aus dem Jahr 1987 klingen heute nach Plastik. Die Produktion hier ist jedoch so eigenwillig, dass sie fast außerhalb der Zeit steht. Die analogen Effekte und der natürliche Hall der Studioräume in Frankreich geben dem Sound eine Tiefe, die moderne Software oft nicht kopieren kann. Es ist ein ehrliches Album.
Einflüsse auf andere Kunstformen
Nicht nur Musiker ließen sich inspirieren. Auch Filmemacher und Autoren bezogen sich auf die Stimmung dieser Zeit. Die Mischung aus Kitsch und Grauen ist ein klassisches Motiv der Romantik, das hier neu interpretiert wurde. Man könnte sagen, Robert Smith ist der Lord Byron des Pop. Er zelebriert den Schmerz, aber er tanzt dabei.
Schritte für dein persönliches Hörerlebnis
Wenn du das Album wirklich verstehen willst, reicht es nicht, es einmal durchlaufen zu lassen. Es ist eine Entdeckungsreise.
- Schritt 1: Nimm dir Zeit für das komplette Album. Setz dich hin, mach das Licht aus. Keine Ablenkung durch das Handy.
- Schritt 2: Achte auf die Texte. Lies sie mit. Es gibt viele versteckte Anspielungen auf klassische Literatur und Filme.
- Schritt 3: Vergleiche die Songs. Hör dir ein sehr poppiges Stück direkt nach einem sehr düsteren an. Spür den Kontrast. Das ist das Herz der Platte.
- Schritt 4: Schau dir die Live-Versionen an. Viele Lieder gewinnen auf der Bühne noch einmal eine ganz andere Dimension. Besonders die langen instrumentalen Passagen entfalten dort ihre volle Wirkung.
Man merkt schnell, dass man es hier mit einem Kunstwerk zu tun hat, das weit über einfache Unterhaltung hinausgeht. Es ist ein Dokument einer Band auf ihrem absoluten Zenit. Sie wussten, was sie taten. Sie hatten keine Angst vor dem Scheitern. Und genau dieser Mut macht das Album auch heute noch zu einer Pflichtlektüre für jeden, der Musik nicht nur hören, sondern fühlen will. Es ist ein wilder Ritt durch die menschliche Psyche. Mal sanft, mal brutal, aber immer absolut authentisch. Wer diese Erfahrung einmal gemacht hat, wird die Band mit anderen Augen sehen. Es ist mehr als nur eine Sammlung von Liedern. Es ist eine Welt für sich.
