Manche behaupten, die Neunzigerjahre wären das goldene Zeitalter des Kinos für Serienmörder gewesen. Wenn wir heute auf diese Ära blicken, sehen wir oft nur die Schatten von Hannibal Lecter. Doch die eigentliche Verschiebung in unserem kollektiven Verständnis von filmischer Gewalt geschah nicht in den sterilen Zellen von Hochsicherheitsgefängnissen, sondern in den feuchten Wäldern von North Carolina. Der Denn Zum Küssen Sind Sie Da Film markierte 1997 einen Moment, in dem Hollywood beschloss, dass die Jagd auf Monster wichtiger ist als die Psychologie der Opfer. Es ist ein weit verbreiteter Irrtum, dass dieses Werk lediglich ein solider Kriminalfilm nach dem Bestseller von James Patterson war. In Wahrheit legte die Produktion den Grundstein für eine Ästhetisierung des Leidens, die wir bis heute in jeder zweiten Streaming-Serie finden. Man glaubt, man schaut eine spannende Ermittlung, doch eigentlich wohnt man der Geburt des modernen Voyeurismus bei. Ich habe über die Jahre viele Regisseure und Drehbuchautoren interviewt, die diesen spezifischen Stil als Wendepunkt für das kommerzielle Spannungskino bezeichnen, ohne zu merken, dass sie damit den moralischen Kompass ihrer Erzählungen opferten.
Die Geschichte um Dr. Alex Cross, gespielt von Morgan Freeman mit einer fast schon unheimlichen Ruhe, wird oft als der intellektuelle Bruder von Sieben bezeichnet. Aber das ist eine bequeme Lüge. Während David Finchers Meisterwerk die Verzweiflung einer zerfallenden Gesellschaft thematisierte, zelebrierte das Werk von Gary Fleder die Mechanik der Entführung. Es etablierte den Detektiv als eine Art Superhelden des Geistes, der so weit über dem Geschehen schwebt, dass die tatsächliche Tragik der verschwundenen Frauen zur bloßen Kulisse verkommt. Das ist das Problem mit der Wahrnehmung dieses Stoffes. Die Zuschauer fühlen sich klug, weil sie Cross dabei zusehen, wie er Puzzleteile zusammensetzt, während das Drehbuch die Grausamkeit des Antagonisten namens Casanova als ästhetisches Element nutzt.
Die gefährliche Romantisierung des Bösen im Denn Zum Küssen Sind Sie Da Film
Die Art und Weise, wie Gewalt hier gerahmt wird, hat eine giftige Saat ausgebracht. Wenn wir uns die Struktur ansehen, fällt auf, dass der Täter nicht als krankes Individuum, sondern als Sammler von „außergewöhnlichen" Frauen dargestellt wird. Das klingt nach einer spannenden Prämisse, ist aber bei genauerer Betrachtung eine zutiefst problematische Objektifizierung. Der Denn Zum Küssen Sind Sie Da Film macht das Verbrechen zu einem Kuriositätenkabinett. Skeptiker werden nun einwenden, dass Thriller nun mal von Extremen leben und dass die Fiktion keine pädagogische Aufgabe hat. Das ist ein starkes Argument, das jedoch zu kurz greift. Filmische Bilder prägen unser Verständnis von Realität. Indem der Film den Entführer als hochintelligenten Kenner schöner Künste und klassischer Musik inszeniert, bedient er ein Klischee, das die banale und meist erbärmliche Realität von Gewaltverbrechen verschleiert.
In der echten Kriminalistik, wie sie etwa vom FBI in Quantico gelehrt wird, sind solche Täter selten diese genialen Strippenzieher. Sie sind meist opportunistisch und getrieben von Minderwertigkeitskomplexen. Die Popkultur hat sich jedoch für den Pfad des Casanova entschieden. Wir haben eine Generation von Zuschauern erzogen, die den Täter interessanter findet als die Überlebenden. Ashley Judds Charakter Kate McTiernan bricht zwar aus dieser Opferrolle aus, was für die damalige Zeit progressiv war, doch das System des Films zwingt sie sofort wieder in die Position der Gehilfin des großen Analytikers. Ihr Trauma wird zum Treibstoff für die Heldenreise eines Mannes. Das ist die bittere Pille, die man schlucken muss, wenn man die Nostalgie beiseite schiebt.
Die Architektur der Angst und der Verlust der Bodenhaftung
Die filmische Gestaltung nutzt Schatten und Enge auf eine Weise, die uns Sicherheit vorgaukelt, während sie uns manipuliert. Die Kameraarbeit suggeriert eine Intimität mit dem Grauen, die fast schon pornografisch wirkt. Es geht nicht um das Mitgefühl mit den Opfern in den Verliesen, sondern um den Nervenkitzel des Unbekannten. Experten für Medienpsychologie weisen oft darauf hin, dass diese Form der Darstellung die Zuschauer desensibilisiert. Wir sehen die Ketten, wir hören das Wasser tropfen, und wir warten auf den nächsten Hinweis, den Alex Cross aus der Luft greift. Die Realität von polizeilicher Ermittlungsarbeit, die oft aus langwieriger Aktenwälzerei und frustrierenden Sackgassen besteht, wird hier gegen eine glänzende Oberfläche ausgetauscht.
Warum wir die falschen Helden feiern
Es ist faszinierend zu beobachten, wie Morgan Freeman seine Rolle anlegt. Er verleiht der Figur eine Autorität, die jede Kritik im Keim ersticken lässt. Man vertraut ihm. Doch dieses Vertrauen ist tückisch. Es führt dazu, dass wir die methodischen Mängel der Erzählung übersehen. Cross ist weniger ein Profiler als ein Hellseher. Er weiß Dinge, die er nicht wissen kann. Das ist bezeichnend für das Genre nach diesem Film. Die Logik wurde der Atmosphäre geopfert. Man kann das als Unterhaltung abtun, aber es verändert, wie wir über Gerechtigkeit denken. Wir wollen den brillanten Einzelgänger, nicht den mühsamen Prozess rechtsstaatlicher Institutionen.
Die Wirkung dieser Erzählweise reicht weit über die Neunziger hinaus. Wenn man sich heutige Krimis ansieht, erkennt man das Erbe dieser speziellen Inszenierung. Die Täter sind immer noch Sammler, die Motive immer noch barock verzerrt und die Ermittler immer noch unfehlbare Genies. Wir stecken in einer Endlosschleife einer Erzählstruktur fest, die den Schrecken zur Kunstform erhob und dabei vergaß, dass am Ende echte Menschen leiden. Die Kritik an der Darstellung von Gewalt ist oft laut und schrill, aber hier geht es um etwas Subtileres. Es geht um die schleichende Akzeptanz, dass ein Leben nur dann erzählenswert ist, wenn es von einem Monster bedroht wird.
Man könnte meinen, dass die Fortsetzungen oder ähnliche Produktionen aus jener Zeit das Bild korrigiert hätten. Doch das Gegenteil ist der Fall. Das Modell des intellektuellen Duells zwischen Jäger und Gejagtem wurde zum Standard. Dabei ging die Menschlichkeit verloren. Wenn wir heute diese alten Bänder einlegen, sollten wir uns fragen, warum wir uns so wohl dabei fühlen, wenn uns das Elend in so schönen Bildern präsentiert wird. Es ist eine Form des kulturellen Stockholm-Syndroms. Wir lieben den Film für die Spannung, die er erzeugt, während er uns gleichzeitig den Blick für die wirklichen Abgründe verstellt.
Die Jagd nach dem Täter ist im Kino längst wichtiger geworden als die Rettung der Seele. Das ist kein Zufall, sondern das Ergebnis einer Industrie, die gelernt hat, dass sich gepflegtes Grauen besser verkauft als die schmutzige Wahrheit. Der Fokus liegt auf dem Rätsel, nicht auf der Wunde. Wir konsumieren das Trauma anderer zur Entspannung nach Feierabend. Das mag zynisch klingen, ist aber die logische Konsequenz einer Entwicklung, die vor Jahrzehnten ihren Lauf nahm und uns bis heute fest im Griff hält.
Am Ende bleibt die Erkenntnis, dass wir den Täter nicht besiegen, indem wir ihn zum Genie erklären, sondern indem wir aufhören, ihn als den Star seiner eigenen grausamen Show zu betrachten.
