Die meisten Menschen glauben, dass Erfolg in der deutschen Filmbranche eine Frage von Qualität, Förderung und vielleicht ein bisschen Glück ist. Sie irren sich gewaltig. Der deutsche Film krankt an einer seltsamen Form von Größenwahn bei gleichzeitiger Risikovermeidung, die jedes echte Talent im Keim erstickt. Wenn wir über Ein Ganz Großes Ding Film sprechen, müssen wir über die Mechanismen reden, die hinter den Kulissen die Fäden ziehen. Es geht nicht um die Kunst. Es geht um ein System, das sich selbst erhält, indem es Mittelmäßigkeit als Geniestreich verkauft. Wer genau hinsieht, erkennt, dass die großen Produktionen oft nur deshalb existieren, weil sie sich den bürokratischen Regeln der Förderanstalten unterwerfen, statt dem Publikum eine Geschichte zu erzählen, die wirklich wehtut oder wirklich begeistert.
Die Illusion der Relevanz bei Ein Ganz Großes Ding Film
Man setzt sich in den Kinosessel und erwartet das nächste Meisterwerk. Man hat die Trailer gesehen, die Plakate hingen überall. Doch was man bekommt, ist oft nur ein lauer Aufguss bekannter Klischees, verpackt in eine Hochglanzoptik, die über den Mangel an Substanz hinwegtäuschen soll. Diese Produktion ist symptomatisch für ein Problem, das weit über den Kinosaal hinausreicht. Ich beobachte seit Jahren, wie Regisseure mit Visionen an den Schreibtischen der Redakteure scheitern, während Projekte durchgewinkt werden, die keinem wehtun. Ein Ganz Großes Ding Film ist in dieser Hinsicht ein Paradebeispiel für den Versuch, international mitzuspielen, ohne die eigene Identität zu finden. Man kopiert Hollywood-Strukturen, vergisst aber, dass man in Deutschland eine andere Erzähltradition hat, die man nicht einfach für einen schnellen Erfolg opfern kann.
Der Mechanismus der Selbsttäuschung
Warum machen wir das eigentlich? Die Antwort liegt in der Struktur der Finanzierung. In Deutschland gibt es kaum privates Wagniskapital für Filme. Alles hängt am Tropf des Staates. Das bedeutet, dass ein Drehbuch nicht den Zuschauer überzeugen muss, sondern einen Gremiumsmitarbeiter. Dieser Mensch sitzt in einer Behörde und hat oft wenig Bezug zur harten Realität des Marktes. Er sucht nach Konsens. Er sucht nach Themen, die gesellschaftlich wertvoll klingen, aber bitte nicht zu kontrovers sind. Wenn dann ein Werk wie dieses auf die Leinwand kommt, feiern sich alle Beteiligten auf den roten Teppichen von Berlin bis München, während das Publikum draußen vor der Tür steht und sich fragt, ob es im falschen Film ist. Es ist eine Blase, die sich weigert zu platzen, weil zu viele Gehälter und Prestigeobjekte daran hängen.
Warum das Publikum sich abwendet
Du kennst das Gefühl sicher auch. Du willst ins Kino gehen, schaust dir das Programm an und landest am Ende doch wieder bei einer US-Produktion oder einem kleinen Arthouse-Geheimtipp aus Frankreich oder Südkorea. Das liegt nicht daran, dass deutsche Filmemacher unfähig sind. Es liegt daran, dass der Mainstream hierzulande künstlich am Leben erhalten wird. Diese spezielle Produktion zeigt uns, dass man mit genug Marketingbudget fast alles als Erfolg tarnen kann. Aber die Zahlen lügen nicht. Die Schere zwischen den geförderten Summen und den tatsächlichen Ticketverkäufen wird immer größer. Wir leisten uns eine Kulturindustrie, die am Geschmack der Menschen vorbeiproduziert. Das ist kein Zufall, das ist Methode. Man will die Kontrolle behalten. Man will keine Experimente, die schiefgehen könnten. Doch ohne das Risiko des Scheiterns gibt es keine echte Kunst.
Ich habe mit Produzenten gesprochen, die hinter verschlossenen Türen zugeben, dass sie Projekte nur deshalb umsetzen, weil sie wissen, dass die Regionalförderung das finanzielle Risiko fast vollständig abfängt. Das führt dazu, dass die Dringlichkeit verloren geht. Wenn es egal ist, ob zehntausend oder eine Million Menschen das Ticket lösen, sinkt der Anspruch an die Story. Man verlässt sich auf bekannte Gesichter, die in jeder Talkshow sitzen, und hofft, dass die bloße Präsenz von Prominenz die inhaltliche Leere füllt. Das Feld ist übersät mit solchen Beispielen. Es ist eine Form von betreutem Filmemachen, das die Zuschauer für dumm verkauft.
Ein Ganz Großes Ding Film und die Sehnsucht nach Authentizität
Skeptiker werden nun sagen, dass man dem deutschen Film Unrecht tut. Sie werden auf die wenigen Ausnahmen verweisen, die es zu den Oscars geschafft haben oder die auf internationalen Festivals Preise gewinnen. Aber diese Erfolge sind oft Einzelleistungen, die eher trotz als wegen des Systems entstanden sind. Meistens sind es Stoffe, die sich trauen, hässlich zu sein, die nicht versuchen, jedem zu gefallen. Diese Werke stehen im krassen Gegensatz zu dem, was uns normalerweise als das nächste große Ereignis verkauft wird. Die Frage ist doch, warum wir so selten Geschichten sehen, die unser heutiges Leben in all seiner Komplexität widerspiegeln. Warum flüchten wir uns ständig in historische Stoffe oder belanglose Komödien?
Die Angst vor der Gegenwart
Vielleicht liegt es daran, dass die Gegenwart in Deutschland kompliziert ist. Es gibt keine einfachen Antworten mehr. Doch genau hier müsste das Kino ansetzen. Stattdessen bekommen wir oft eine weichgespülte Version der Realität. Man traut dem Zuschauer nicht zu, Ambivalenzen auszuhalten. Alles muss erklärt werden. Jeder Konflikt muss sich am Ende in Wohlgefallen auflösen. Das ist die Antithese zu dem, was großes Kino ausmacht. Wahres Kino sollte Fragen aufwerfen, die man mit nach Hause nimmt. Es sollte den Zuschauer im Mark erschüttern oder ihn so zum Lachen bringen, dass es fast wehtut. Was wir stattdessen oft sehen, ist visuelles Fast Food. Es sättigt für den Moment, hinterlässt aber einen faden Nachgeschmack und keinerlei Nährwert für den Geist.
Der Ausweg aus der Mittelmäßigkeit
Was muss sich ändern? Zuerst einmal müssen wir aufhören, Erfolg an der Anzahl der Förderpreise zu messen. Wir müssen wieder lernen, Filme für Menschen zu machen, nicht für Jurys. Das bedeutet auch, dass wir unbequeme Stimmen zulassen müssen. Wir brauchen Regisseure, die bereit sind, das System herauszufordern, statt sich darin einzurichten. Wir brauchen Produzenten, die ihr eigenes Geld riskieren, weil sie an eine Vision glauben. Nur so kann sich etwas bewegen. Die aktuelle Situation ist wie ein langsamer Tod auf Raten. Wir sehen zu, wie das Kino an Bedeutung verliert, während Streaming-Dienste uns vormachen, wie man Geschichten erzählt, die global funktionieren und trotzdem lokal verwurzelt sind.
Es ist kein Naturgesetz, dass deutsches Kino bieder sein muss. Wir haben eine reiche Geschichte, von Murnau bis Fassbinder. Diese Leute haben sich nicht darum geschert, ob ihr Werk politisch korrekt oder massentauglich war. Sie hatten etwas zu sagen. Wenn wir diesen Geist nicht wiederbeleben, werden wir weiterhin Produktionen sehen, die zwar groß angekündigt werden, aber in der Bedeutungslosigkeit verschwinden, kaum dass der Abspann gelaufen ist. Wir müssen die Strukturen aufbrechen. Wir müssen die Macht der Gremien beschneiden und das Geld dorthin geben, wo die Ideen sprudeln, nicht dorthin, wo die besten Anträge geschrieben werden.
Das Problem ist nun mal so, dass wir uns in einer Komfortzone eingerichtet haben, die künstlerischen Stillstand belohnt. Wer sich anpasst, bekommt das Budget. Wer aufmuckt, geht leer aus. Das führt zu einer Uniformität, die tödlich für jede Kreativität ist. Man kann den Zuschauern nicht vorwerfen, dass sie lieber Serien aus Übersee schauen, wenn das heimische Angebot so wirkt, als wäre es in einer Behörde für gute Laune entworfen worden. Es gibt eine Sehnsucht nach echtem Stoff, nach Blut, Schweiß und Tränen auf der Leinwand. Wir müssen aufhören, uns mit dem Mittelmaß zufrieden zu geben, nur weil es so schön bequem ist.
Der deutsche Film wird nur dann wieder relevant, wenn er aufhört, seine eigene Existenzberechtigung durch staatliche Almosen zu rechtfertigen und stattdessen beginnt, seine Zuschauer wieder ernst zu nehmen.
