Der klebrige Boden eines Festzelts in der steirischen Provinz erzählt Geschichten, die kein Geschichtsbuch jemals erfassen könnte. Es riecht nach verschüttetem Bier, nach billigem Parfüm und der schwülen Erwartung eines Sommers, der niemals enden darf. In der Mitte dieses lärmenden Mikrokosmos steht eine Band, die eigentlich keine Lust mehr auf die üblichen Schlager-Klischees hat, und doch genau diese Klischees wie ein Seziermesser benutzt. Thomas Spitzer greift in die Saiten, sein Gesicht eine Maske aus Ironie und bitterbösem Humor, während die Menge bereits die ersten Silben mitsingt. Es ist dieser eine Moment, in dem der österreichische Austropop seine Unschuld verliert und sich in den grellen Scheinwerferkegel der Satire rettet. Genau hier, zwischen Schweiß und Sehnsucht, entfaltet Erste Allgemeine Verunsicherung Der Wein Von Mykonos seine eigentümliche Wirkung, ein Lied, das wie ein trojanisches Pferd in die Hitparaden galoppierte. Es ist kein bloßes Trinklied, auch wenn es in den späten Achtzigern in jeder Skihütte von Ischgl bis Hintertux rauf und runter lief, während die Urlauber glaubten, sie feierten lediglich den nächsten Urlaub auf einer griechischen Insel.
Die Geschichte dieses Liedes ist untrennbar mit dem Aufstieg einer Gruppe verbunden, die sich selbst als anarchistisches Kollektiv verstand, bevor sie zur kommerziellen Großmacht wurde. Die EAV, wie sie von ihren Fans kurz genannt wurde, war in ihren frühen Tagen eine Truppe von Kunststudenten und Querköpfen, die eher in besetzten Häusern als in großen Hallen spielten. Sie wollten das Bürgertum nicht unterhalten, sie wollten es entlarven. Als sie begannen, die Sehnsüchte der deutschsprachigen Mittelschicht zu vertonen, taten sie das mit einer Präzision, die fast schon schmerzhaft war. Man muss sich die Bundesrepublik und Österreich in der Mitte der achtziger Jahre vorstellen: Die Welt war geteilt, der Kalte Krieg schwebte wie eine dunkle Wolke über allem, und die einzige Fluchtmöglichkeit bestand im Pauschaltourismus. Griechenland war das gelobte Land, ein Ort, an dem man den grauen Alltag gegen azurblaues Wasser und billigen Retsina eintauschen konnte.
In den Aufnahmestudios von Graz und Wien bastelte die Band an einem Sound, der absichtlich glattgebügelt wirkte, um die bittere Pille der Wahrheit darin zu verstecken. Klaus Eberhartinger, der Mann mit der Gummimimik, lieh den Texten eine Stimme, die mal quäkend, mal drohend, aber immer entlarvend klang. Es ging um den deutschen Michel und den österreichischen Pepi, die sich im Urlaub wie die Könige der Welt aufführten, nur um zu Hause wieder in der Bedeutungslosigkeit zu versinken. Dieses Spiel mit der Identität und dem Eskapismus bildet den Kern ihres Schaffens. Wer das Werk der Gruppe heute hört, merkt schnell, dass sie die Vorläufer einer modernen Medienkritik waren, verpackt in Synthesizer-Klänge und Rock-Gitarren.
Erste Allgemeine Verunsicherung Der Wein Von Mykonos und die Anatomie des Schlagers
Die Genialität dieses speziellen Titels liegt in seiner Doppeldeutigkeit. Wenn man die ersten Akkorde hört, assoziiert das Gehirn sofort Leichtigkeit, Sonne und vielleicht einen leichten Schwips am Strand. Aber wer genauer hinhört, bemerkt die beißende Kritik an der Oberflächlichkeit der Tourismusindustrie. Die Band parodiert das Genre des Urlaubsschlagers so perfekt, dass das Publikum den Witz oft gar nicht bemerkte oder ihn einfach wegatmete. Es ist eine Form der kulturellen Mimikry. Man nimmt die Form dessen an, was man eigentlich verachtet, um es von innen heraus zu zersetzen. Die Texte von Spitzer sind kleine literarische Meisterwerke der Alltagsbeobachtung. Er beschreibt den Urlauber nicht als Helden, sondern als eine tragikomische Figur, die im Suff die eigene Würde verliert und dennoch glaubt, den Himmel auf Erden gefunden zu haben.
Kulturelle Anthropologen wie der Österreicher Konrad Paul Liessmann haben oft über die Bedeutung des Amüsements in der westlichen Gesellschaft geschrieben. Das Vergnügen ist hier kein Nebenprodukt, sondern ein harter Imperativ. Man muss Spaß haben, koste es, was es wolle. Die EAV hat diesen Zwang frühzeitig erkannt und ihn in ihren Shows thematisiert. Ihre Bühnenbilder waren keine einfachen Kulissen, sondern surreale Welten, in denen sprechende Pinguine und fliegende Schweine die Absurdität des menschlichen Daseins illustrierten. Wenn sie auftraten, war das kein Konzert, es war eine Revue des Wahnsinns. In einer Zeit, in der das Fernsehen noch das Leitmedium war, nutzten sie Musikvideos wie kleine Kurzfilme, um ihre Botschaften in die Wohnzimmer zu tragen.
Dabei war der Erfolg keineswegs garantiert. In den Anfangstagen wurden sie von den Radiostationen ignoriert oder sogar boykottiert. Zu politisch, zu obszön, zu wirr lauteten die Urteile der Programmdirektoren. Doch das Volk entschied anders. Die Plattenverkäufe explodierten, als die Menschen merkten, dass hier jemand ihre eigene Sprache sprach – nur mit einem bösartigen Funkeln in den Augen. Die Band wurde zu einem Phänomen, das Generationen verband. Die Kinder liebten die bunten Kostüme und die eingängigen Melodien, während die Eltern über die sarkastischen Anspielungen auf Politiker und gesellschaftliche Missstände lachten. Es war ein Balanceakt auf einem sehr dünnen Seil.
Der bittere Nachgeschmack der Nostalgie
Wenn wir heute auf diese Ära zurückblicken, tun wir das oft mit einem nostalgischen Seufzer. Wir erinnern uns an die unbeschwerten Sommer, an die Kassettenrekorder im Freibad und an die Texte, die wir alle auswendig konnten. Aber die Nostalgie ist eine tückische Linse. Sie filtert die Härte der Kritik heraus und lässt nur das wohlige Gefühl der Kindheit übrig. Dabei waren die Lieder der EAV Warnrufe. Sie sangen gegen die Umweltzerstörung, gegen den aufkommenden Rechtspopulismus und gegen die Verblödung durch die Massenmedien.
Es ist interessant zu beobachten, wie sich die Wahrnehmung von Musikstücken über die Jahrzehnte verändert. Ein Lied, das einst als Rebellion galt, kann heute als Hintergrundmusik im Supermarkt enden. Das ist das Schicksal fast jeder Avantgarde, die erfolgreich wird. Die Industrie schluckt den Protest und spuckt ihn als konsumierbare Ware wieder aus. Doch bei der Ersten Allgemeinen Verunsicherung blieb immer ein Restrisiko bestehen. Es gab immer diese eine Zeile, diesen einen schrägen Akkord, der den Hörer aus der Komfortzone riss. Man konnte sich nie ganz sicher sein, ob man gerade mit der Band lachte oder ob die Band über einen selbst lachte.
Diese Unsicherheit ist der Namensgeber der Gruppe und ihr wichtigstes künstlerisches Werkzeug. In einer Welt, die nach einfachen Antworten dürstet, boten sie Komplexität in der Maske der Einfachheit an. Sie zeigten, dass der Wein auf Mykonos vielleicht gar nicht so süß schmeckt, wenn man ihn mit dem schlechten Gewissen des Privilegierten trinkt. Die Insel selbst, Mykonos, wurde in den achtziger Jahren zum Symbol für den Jetset und den Massentourismus gleichermaßen. Es war der Ort, an dem die Gegensätze aufeinanderprallten: die karge, trockene Schönheit der Kykladen und die neonfarbene Welt der Diskotheken.
Die Bühne als Spiegelkabinett
Ein Konzert der Gruppe war eine Erfahrung, die weit über das Musikalische hinausging. Es war eine Lektion in Sachen Wahrnehmung. Wer dort hinging, erwartete Unterhaltung und bekam einen Spiegel vorgehalten. Die Kostüme waren oft grotesk verzerrt, die Masken erinnerten an das antike Theater oder die Commedia dell'arte. Thomas Spitzer, der kreative Kopf hinter den Kulissen, verstand es meisterhaft, die Ästhetik des Hässlichen zu nutzen, um die Schönheit der Wahrheit hervorzuheben. Er zeichnete seine Figuren wie Karikaturen, doch unter der dicken Schicht aus Schminke und Humor verbargen sich echte Menschen mit echten Ängsten.
Man kann diese Form der Kunst mit den Werken von George Grosz oder Otto Dix vergleichen, die in der Weimarer Republik die Fratze der Gesellschaft malten. Die EAV tat dies mit den Mitteln des Pop. Sie nutzten die Hitparade als Galerie. Wenn man heute die alten Videoaufnahmen sieht, erkennt man eine handwerkliche Präzision, die im heutigen digitalen Zeitalter oft verloren gegangen ist. Jedes Requisit war handgemacht, jede Bewegung choreografiert, um eine bestimmte Wirkung zu erzielen. Es war die totale Kunst, die keinen Bereich des menschlichen Lebens ausklammerte.
In einem Interview vor vielen Jahren reflektierte Spitzer über die Rolle des Satirikers in einer Gesellschaft, die sich weigert, ernsthaft zu sein. Er sagte sinngemäß, dass man die Menschen erst zum Lachen bringen müsse, damit sie den Mund öffnen, um ihnen dann die bittere Wahrheit einzuflößen. Das ist die Methode der EAV. Es ist eine subversive Strategie, die darauf setzt, dass der Humor eine Brücke schlägt, wo Argumente längst an Mauern aus Vorurteilen und Gleichgültigkeit scheitern.
Die Reise vom Gipfel zum Grund des Glases
Der Erfolg forderte seinen Preis. Jahrelanges Touren, der Druck, ständig neue Hits abliefern zu müssen, und die internen Spannungen einer so heterogenen Gruppe führten dazu, dass die Masken Risse bekamen. Es gab Zeiten, in denen die Bandmitglieder sich kaum noch in die Augen sehen konnten. Der Ruhm war wie Erste Allgemeine Verunsicherung Der Wein Von Mykonos – er machte im ersten Moment euphorisch, hinterließ aber am nächsten Morgen einen gewaltigen Kater. Die Leichtigkeit der frühen Jahre wich einer gewissen Bitterkeit über den Zustand der Welt, die sich trotz aller satirischen Warnungen nicht zum Besseren zu wenden schien.
In den neunziger Jahren veränderte sich die Musiklandschaft radikal. Grunge, Techno und der aufkommende Hip-Hop verdrängten den klassischen Austropop aus den Charts. Die EAV musste sich neu erfinden, ohne ihre Identität zu verlieren. Sie experimentierten mit neuen Sounds, wurden politisch noch expliziter und scheuten sich nicht, auch unpopuläre Positionen zu beziehen. Doch das Massenpublikum, das einst zu den Klängen von Ba-Ba-Banküberfall getanzt hatte, war weitergezogen. Was blieb, war ein harter Kern von Fans, die verstanden hatten, dass diese Band mehr war als nur ein bunter Haufen von Spaßmachern.
Es ist lehrreich zu sehen, wie die Themen von damals heute wieder an Relevanz gewinnen. Die Kritik am ungebremsten Konsum, die Skepsis gegenüber autokratischen Tendenzen und die Sorge um den Planeten sind aktueller denn je. Die EAV hat diese Dinge vorhergesehen, nicht weil sie Wahrsager waren, sondern weil sie die Mechanismen der menschlichen Gier und Dummheit genau studiert hatten. Sie waren Chronisten des Niedergangs, die dabei aber nie den Rhythmus verloren.
Eine letzte Verbeugung vor dem Wahnsinn
Das Ende der Gruppe im Jahr 2019 war konsequent. Man wollte nicht als Karikatur seiner selbst auf der Bühne stehen, sondern mit einem Paukenschlag abtreten. Die Abschiedstournee war ein Triumphzug durch den deutschsprachigen Raum, eine letzte Gelegenheit, die alten Geister noch einmal zu beschwören. Es flossen Tränen, nicht nur beim Publikum, sondern auch bei den Musikern auf der Bühne. Es war das Ende einer Ära, in der Musik noch die Kraft hatte, eine ganze Gesellschaft zu spalten und gleichzeitig zu versöhnen.
Wenn man heute eine alte Schallplatte der Ersten Allgemeinen Verunsicherung auflegt, ist es, als würde man eine Zeitkapsel öffnen. Der Klang der achtziger Jahre strömt aus den Lautsprechern, doch die Botschaft ist zeitlos. Es ist der ewige Kampf des Individuums gegen die Absurditäten des Systems. Es ist der Versuch, im Chaos der Welt einen Sinn zu finden, und sei es nur durch ein lachendes und ein weinendes Auge. Die Band hat uns gelehrt, dass man über den Abgrund lachen kann, solange man dabei festen Boden unter den Füßen behält.
Die Lieder sind geblieben, sie sind Teil unseres kulturellen Gedächtnisses geworden. Sie werden auf Hochzeiten gespielt, auf Geburtstagen und ja, immer noch in jenen Festzelten, in denen alles begann. Aber vielleicht hört heute der eine oder andere etwas genauer hin. Vielleicht bemerkt er den ironischen Unterton, die kleine Nuance im Text, die alles infrage stellt. Das wäre das schönste Erbe, das eine Band hinterlassen kann: Menschen, die anfangen zu denken, während sie tanzen.
Der Abend neigt sich dem Ende zu. Das Licht im Zelt wird gedimmt, die letzten Gäste stolpern hinaus in die kühle Nachtluft. In der Ferne hört man noch jemanden eine Melodie pfeifen, ein Überbleibsel des Konzerts, das sich hartnäckig im Gehörgang festgesetzt hat. Es ist ein Lied über die Sehnsucht nach einem Ort, den es so vielleicht nie gegeben hat, und über einen Rausch, der uns für einen kurzen Moment vergessen lässt, wer wir eigentlich sind. Der Wind streicht durch die Bäume, und für einen Wimpernschlag fühlt es sich so an, als wäre das Meer gar nicht so weit entfernt.
Am Ende bleibt nur die Stille nach dem Applaus und die Erkenntnis, dass Satire die einzige Waffe ist, die nicht verwundet, sondern heilt, indem sie die Wunde erst sichtbar macht.
