Manche Kinofilme existieren in einem seltsamen Zwischenraum der Wahrnehmung. Sie werden veröffentlicht, von der Kritik zerrissen und verschwinden dann fast augenblicklich im digitalen Archiv der Streaming-Anbieter. Das passiert ständig. Doch bei einem Werk wie Film The Angriest Man In Brooklyn liegt der Fall anders, weil es untrennbar mit dem tragischen Ende einer Ikone verknüpft ist. Die meisten Menschen erinnern sich an dieses Werk, wenn überhaupt, nur als einen der letzten Auftritte von Robin Williams vor seinem Tod im Jahr 2014. Es gilt gemeinhin als ein schwaches Remake des israelischen Originals Die 92 Minuten des Herrn Baum, ein überdrehtes Drama, das den Ton nicht trifft. Ich behaupte jedoch, dass diese Sichtweise die eigentliche handwerkliche und emotionale Tiefe des Werks völlig verkennt. Es handelt sich nicht um einen misslungenen Slapstick-Versuch eines alternden Komikers, sondern um eine brutale, fast schon schmerzhaft ehrliche Auseinandersetzung mit der Sterblichkeit, die in ihrer Direktheit das Publikum schlichtweg überforderte.
Wer den Film heute mit dem Wissen um die späteren Ereignisse im Leben von Williams sieht, erkennt eine fast prophetische Qualität. Das ist kein Zufall. Die Geschichte eines Mannes, der fälschlicherweise erfährt, dass er nur noch neunzig Minuten zu leben hat, dient als Brennglas für die menschliche Unfähigkeit, im Angesicht des Unausweichlichen Frieden zu finden. Wir erwarten von Hollywood-Produktionen normalerweise eine Katharsis, eine glatte Auflösung, in der der Protagonist am Ende geläutert in den Sonnenuntergang reitet. Hier passiert das Gegenteil. Die Wut, die Henry Altmann antreibt, ist keine komödiantische Übertreibung, sondern ein authentisches Porträt einer Depression, die sich als Zorn maskiert. Das macht den Film unbequem. Er verweigert die einfache Empathie.
Film The Angriest Man In Brooklyn und die Anatomie der Verbitterung
Die Regiearbeit von Phil Alden Robinson wird oft als zu hektisch kritisiert. Man wirft dem Werk vor, es wolle zu viel in zu kurzer Zeit. Doch genau hier liegt die erzählerische Logik. Wenn du denkst, dass dein Leben in anderthalb Stunden endet, dann ist Hektik die einzige ehrliche Reaktion. Der Film spiegelt den Puls einer Stadt wider, die niemals schläft und keine Zeit für die Melancholie eines Einzelnen hat. In Film The Angriest Man In Brooklyn wird New York nicht als Postkartenkulisse inszeniert, sondern als ein gleichgültiger Mahlstrom, der den zornigen Mann einfach verschluckt. Es gibt eine Szene, in der Altmann versucht, sich bei seinem Sohn zu entschuldigen, und kläglich scheitert. Es ist kein schöner Moment. Es gibt keine orchestrale Musik, die uns sagt, dass alles gut wird. Es ist peinlich, laut und ungeschickt.
Kritiker bemängelten damals, dass die Balance zwischen schwarzem Humor und schwerem Drama nicht stimme. Ich sehe das anders. Das Leben ist oft genau so: ein unpassender Scherz bei einer Beerdigung oder ein Wutanfall wegen einer Lappalie, während das Fundament der Existenz zerbröckelt. Williams spielt diesen Henry Altmann mit einer Intensität, die weit über das Drehbuch hinausgeht. Er nutzt seine bekannte Energie, aber er kanalisiert sie nicht in Lacher, sondern in eine Art statisches Rauschen der Verzweiflung. Es ist, als würde man einem Kernkraftwerk beim Schmelzen zusehen. Das Publikum wollte den liebenswerten Lehrer aus dem Club der toten Dichter sehen, aber Williams gab ihnen einen Mann, der jeden Tag mit der Welt und sich selbst kämpft.
Die Rolle der Ärztin als Spiegel der Erschöpfung
Mila Kunis spielt die Ärztin Dr. Gill, die im Affekt die Fehldiagnose stellt. Oft wurde ihre Leistung als zu flach abgetan. Doch wenn man ihre Figur genauer betrachtet, erkennt man das Burnout-Syndrom eines Gesundheitssystems, das Menschen wie Nummern behandelt. Sie ist die Gegenspielerin, aber auch die Leidensgenossin von Altmann. Beide sind in ihren Rollen gefangen. Sie ist genauso wütend wie er, nur dass sie ihre Wut hinter einem weißen Kittel und einer professionellen Maske verbirgt. Das Zusammenspiel der beiden ist kein klassisches Buddy-Movie-Element. Es ist eine Kollision zweier ausgebrannter Seelen, die versuchen, in den verbleibenden Minuten so etwas wie Menschlichkeit zu finden.
Es gibt Stimmen, die behaupten, das Drehbuch sei zu konstruiert. Warum sollte eine Ärztin so etwas tun? Warum sollte ein Patient das einfach glauben? Diese Fragen zielen am Kern der Sache vorbei. In der Kunst geht es nicht immer um die logische Wahrscheinlichkeit einer Situation, sondern um die emotionale Wahrheit, die aus ihr erwächst. Die Prämisse der neunzig Minuten ist ein literarisches Werkzeug, eine tickende Uhr, die uns zwingt, uns zu fragen, was wir in einer solchen Extremsituation tun würden. Würden wir wirklich weise und gütig werden? Oder würden wir, wie Henry Altmann, versuchen, jeden zur Rechenschaft zu ziehen, der uns jemals Unrecht getan hat? Die Antwort ist für die meisten von uns wahrscheinlich schmerzhafter, als wir zugeben wollen.
Die Wahrheit über das vermeintlich misslungene Remake
Vergleiche mit dem israelischen Original sind unvermeidlich, führen aber meist in die Irre. Während das Original eher philosophisch und ruhig angelegt war, ist die amerikanische Adaption laut und aggressiv. Das wird oft als Fehler gewertet. Dabei ist diese Aggressivität die notwendige Übersetzung für das amerikanische Lebensgefühl des frühen 21. Jahrhunderts. Die ständige Verfügbarkeit, der Druck zur Selbstoptimierung und die Angst vor dem sozialen Abstieg erzeugen eine Grundspannung, die sich in Altmann entlädt. Das Werk kritisiert den amerikanischen Traum, indem es zeigt, was übrig bleibt, wenn man den Erfolg wegnimmt: ein alter Mann, der niemanden mehr hat, den er nicht bereits vergrault hat.
Man darf nicht vergessen, dass Robin Williams zu diesem Zeitpunkt bereits gegen die Lewy-Körper-Demenz kämpfte, eine Diagnose, die erst nach seinem Tod öffentlich wurde. Wenn man das weiß, verändert sich jede Szene. Die Momente, in denen Henry Altmann die Kontrolle über seine Worte oder seine Emotionen verliert, wirken plötzlich wie eine Dokumentation. Es ist die Darstellung eines Mannes, der spürt, wie sein Verstand ihm entgleitet. Dass dieser Film The Angriest Man In Brooklyn oft als belanglose Komödie eingestuft wird, ist eine Fehleinschätzung der Zuschauer, die die Warnsignale nicht sehen wollten oder konnten. Er ist in Wahrheit ein mutiges Stück Selbstentblößung eines Künstlers, der wusste, dass seine Zeit knapp wird.
Skeptiker werden einwenden, dass ein Film allein durch den tragischen Kontext seines Hauptdarstellers nicht besser wird. Ein schlechtes Drehbuch bleibe ein schlechtes Drehbuch. Das ist ein valider Punkt, wenn man Film als rein mathematisches Konstrukt aus Handlungsbögen und Dialogen betrachtet. Aber Film ist mehr als das. Er ist ein Zeitzeugnis. Er ist eine Performance. Die schiere Wucht, mit der Williams hier agiert, reißt die Schwächen der Inszenierung ein Stück weit nieder. Man sieht ihm an, dass er diese Rolle nicht nur spielt, sondern sie durchleidet. Das verleiht dem Ganzen eine Authentizität, die man in polierten Blockbustern vergeblich sucht.
Der Humor in dieser Geschichte ist sperrig. Er ist nicht dazu da, die Stimmung aufzuhellen, sondern um den Schmerz erträglicher zu machen. Das ist ein sehr europäischer Ansatz für eine amerikanische Produktion. Vielleicht ist das der Grund, warum er beim heimischen Publikum in den USA so kläglich durchfiel. Man wollte den "lustigen Robin", man bekam den "sterbenden Robin". Aber gerade in dieser Ablehnung der Erwartungen liegt die Stärke. Das Werk verweigert sich dem Konsum. Es verlangt, dass man hinsieht, auch wenn es weh tut.
Es ist nun mal so, dass wir dazu neigen, das Spätwerk großer Künstler zu unterschätzen, besonders wenn es nicht in das Bild passt, das wir von ihnen haben. Wir wollen, dass sie mit einem Knall gehen, mit einem Meisterwerk, das alle Fragen beantwortet. Aber das Leben ist selten so ordentlich. Oft endet es mit einem unfertigen Satz, einem missverstandenen Wort oder einem Film, der die Zuschauer ratlos zurücklässt. Wer sich heute die Mühe macht, hinter die Fassade der lauten Witze und der hektischen Kameraführung zu blicken, wird eine Tiefe finden, die in der zeitgenössischen Kritik völlig untergegangen ist.
Die wahre Qualität zeigt sich oft erst mit dem nötigen zeitlichen Abstand. Wir können jetzt sehen, dass hier ein Mensch versucht hat, seinen eigenen Zorn und seine eigene Angst zu kanalisieren. Das ist kein billiges Entertainment. Das ist ein Exorzismus auf Zelluloid. Man muss bereit sein, sich auf diese Unbequemlichkeit einzulassen. Man muss den Lärm der Stadt und das Geschrei der Charaktere ertragen, um den Kern zu finden. Dort sitzt ein kleiner, verletzter Mann, der einfach nur wissen will, ob sein Leben irgendeinen Sinn hatte.
Die Frage ist also nicht, ob der Film perfekt ist. Er ist es ganz sicher nicht. Die Frage ist, ob er uns etwas Wahres über den menschlichen Zustand sagt. Und die Antwort darauf ist ein eindeutiges Ja. Er zeigt uns, dass Wut oft nur die letzte Verteidigungslinie vor der totalen Kapitulation ist. Er zeigt uns, dass Versöhnung harte Arbeit ist und oft zu spät kommt. Und er zeigt uns einen der größten Schauspieler unserer Zeit in einem Moment absoluter Verletzlichkeit.
Am Ende bleibt kein Raum für falsche Sentimentalität, denn das Leben schuldet uns keine Auflösung, die uns mit einem guten Gefühl in den Alltag entlässt.
