Man erzählte uns jahrelang, dass dieser Film der Moment war, in dem eine legendäre Saga endgültig ihren Verstand verlor. Kritiker rümpften die Nase über die wirre Handlung, Fans beklagten den Bruch mit der Kontinuität und das breite Publikum sah darin lediglich einen hastig produzierten Abklatsch seiner Vorgänger. Doch wer heute mit dem Wissen um die Entwicklung des Horror-Genres zurückblickt, erkennt in Halloween 5 The Revenge Of Michael Myers etwas völlig anderes: Es war kein Scheitern durch Inkompetenz, sondern ein mutiger, fast schon anarchistischer Versuch, die Grenzen dessen zu sprengen, was ein Slasher-Film überhaupt sein darf. Während andere Reihen wie Freitag der 13. zu diesem Zeitpunkt längst in der ewigen Wiederholung des Immergleichen erstarrt waren, entschied sich die Produktion hier für den totalen Bruch. Sie opferte die logische Kohärenz auf dem Altar einer fiebertraumartigen Atmosphäre, die man so im Mainstream-Horror der späten achtziger Jahre kaum ein zweites Mal fand.
Die landläufige Meinung besagt, dass ein guter Horrorfilm logisch aufgebaut sein muss. Man erwartet, dass die Regeln der Welt klar definiert sind. Michael Myers ist der böse Mann, er jagt Teenager, er wird am Ende gestoppt. Punkt. Doch dieser fünfte Teil der Reihe widersetzt sich dieser simplen Struktur mit einer fast schon arroganten Gleichgültigkeit. Er beginnt nicht dort, wo Vernunft herrscht, sondern dort, wo das Trauma übernimmt. Die Entscheidung, die junge Jamie Lloyd in eine psychiatrische Klinik zu stecken und sie ihrer Stimme zu berauben, war kein billiger Trick, um Mitleid zu erzeugen. Es war die konsequente Weiterführung einer psychologischen Zerstörung, die bereits im Vorgänger ihren Anfang nahm. Wer diesen Film heute sieht, muss begreifen, dass er nicht als klassischer Slasher funktioniert, sondern als dekonstruktivistisches Porträt einer zerfallenden Psyche, in der die Grenzen zwischen Realität und Albtraum verschwimmen.
Das kalkulierte Chaos in Halloween 5 The Revenge Of Michael Myers
Um die schiere Radikalität dieses Werks zu verstehen, muss man sich die Umstände seiner Entstehung ansehen. Dominique Othenin-Girard, ein Regisseur mit einer fast schon europäischen, Arthouse-geprägten Sensibilität, trat an, um ein Franchise zu übernehmen, das eigentlich nach Sicherheit verlangte. Anstatt jedoch den Fans das zu geben, was sie wollten – eine einfache Fortsetzung der Jagd –, lieferte er eine bizarre Mischung aus Gothic-Horror und modernem Terror. Die Einführung des mysteriösen Mannes in Schwarz, die Einführung okkulter Untertöne und die fast schon telepathische Verbindung zwischen Jäger und Gejagter waren keine Fehler im Skript. Sie waren der Versuch, das Genre aus der Sackgasse des rein physischen Schreckens zu führen. In einer Zeit, in der Slasher zu Karikaturen ihrer selbst verfielen, suchte dieser Film nach einer neuen, metaphysischen Ebene des Grauens.
Die Dekonstruktion der Heldenfigur
Ein wesentlicher Aspekt, der Skeptiker oft abschreckt, ist die Darstellung von Dr. Loomis. Donald Pleasence spielt ihn hier nicht mehr als den weisen Mentor oder den warnenden Propheten. Er wirkt wie ein Wahnsinniger. Er schreit Kinder an, er benutzt sie als Köder, er ist besessen von seiner eigenen Nemesis bis an den Rand des moralischen Abgrunds. Das ist unbequem. Es ist hässlich anzusehen. Aber es ist auch verdammt ehrlich. Nach zehn Jahren der Jagd auf ein übernatürliches Wesen kann ein Mensch nicht mehr normal sein. Die Fachwelt ist sich heute weitgehend einig, dass Traumata nicht sauber und ordentlich verlaufen. Die Figur des Loomis spiegelt in diesem Teil die hässliche Fratze der Obsession wider, die oft ignoriert wird, wenn man Heldenfiguren in solchen Filmen betrachtet. Man darf nicht vergessen, dass Horror am besten funktioniert, wenn die Retter genauso gebrochen sind wie die Welt, die sie zu schützen versuchen.
Viele werfen dem Film vor, er hätte die Maske des Killers verunstaltet oder die Geografie von Haddonfield ignoriert. Diese Kritikpunkte greifen jedoch zu kurz, da sie Oberflächlichkeiten über die emotionale Essenz stellen. Wenn man sich darauf einlässt, erkennt man, dass die visuelle Sprache – die langen Schatten, die fast schon surrealen Weitwinkelaufnahmen in der Klinik – eine ganz eigene, bedrohliche Qualität besitzt. Es ist ein Film, der sich weniger für die Physik eines Messerstichs interessiert als für die psychische Belastung einer Kleinstadt, die unter dem Gewicht eines ewigen Fluchs zusammenbricht. Das ist kein handwerklicher Mangel, sondern eine bewusste ästhetische Entscheidung, die den Zuschauer verunsichern soll.
Die rehabilitierte Sicht auf ein missverstandenes Werk
Es gibt eine starke Fraktion von Puristen, die behaupten, die Reihe hätte nach dem zweiten oder vierten Teil enden sollen. Sie führen an, dass die Einführung mystischer Elemente den Kern von Michael Myers zerstört habe. Ich halte das für eine kurzsichtige Sichtweise. Wenn ein Antagonist über Jahrzehnte hinweg relevant bleiben soll, muss er sich wandeln. Er kann nicht ewig nur der Typ im Overall sein, der hinter Hecken steht. Indem Halloween 5 The Revenge Of Michael Myers das Übernatürliche nicht nur andeutet, sondern als festen Bestandteil der DNA verankert, öffnete es Türen für Interpretationen, die weit über das bloße "Wer stirbt als Nächstes?" hinausgingen. Es machte aus einer lokalen Legende einen universellen Mythos.
Man kann darüber streiten, ob jede erzählerische Entscheidung glücklich war. Sicherlich wirkten die beiden tollpatschigen Polizisten mit ihrer Slapstick-Musik wie ein Fremdkörper in einem ansonsten düsteren Werk. Aber selbst dieses Element kann man als einen fast schon lynchianischen Versuch werten, die Tonalität so stark zu brechen, dass der Zuschauer nie weiß, woran er gerade ist. Es erzeugt ein Gefühl des Unbehagen, weil die gewohnten Sicherheitsnetze des Kinos hier einfach nicht existieren. Es gibt keine Gewissheit, keine Sicherheit und vor allem keinen Trost für die Opfer. Das ist purer Horror in seiner ehrlichsten Form.
Der Einfluss auf das moderne Genrekino
Blickt man auf aktuelle Produktionen von Studios wie A24 oder auf Regisseure wie Ari Aster, sieht man die Samen, die damals gesät wurden. Die Idee, dass der Schrecken untrennbar mit dem familiären und psychischen Zerfall verbunden ist, ist heute Standard. Damals wurde dieser Ansatz als wirr abgestempelt. Man erkennt hier eine Vorwegnahme des "Elevated Horror", bevor dieser Begriff überhaupt existierte. Die emotionale Härte, mit der Jamie Lloyd konfrontiert wird, ist für einen Slasher der achtziger Jahre außergewöhnlich konsequent. Hier wird nicht gelacht, hier wird gelitten. Das ist die Realität von Gewalt, die in vielen anderen Beiträgen des Genres durch Humor oder übertriebene Effekte abgemildert wurde.
Die wahre Stärke liegt in der Weigerung, sich anzupassen. Der Film bricht mit den Erwartungen an ein Pacing, das damals durch MTV-Schnittrhythmen geprägt war. Er lässt sich Zeit für Szenen, die fast stillstehen, nur um dann in plötzliche, brutale Eruptionen auszubrechen. Wer das als langweilig bezeichnet, verwechselt Spannung mit Hektik. Es ist eine langsame Verbrennung, ein Schwelen unter der Oberfläche, das schließlich in einem Finale gipfelt, das mehr Fragen aufwirft als es beantwortet. Und genau das ist die Aufgabe von gutem Horror: Er soll uns mit einem unguten Gefühl in die Nacht entlassen, anstatt uns mit einer sauberen Auflösung zu beruhigen.
Wenn wir heute über die Qualität von Horror-Franchises sprechen, sollten wir aufhören, nur die Kohärenz der Zeitlinie zu bewerten. Ein Film ist kein Wikipedia-Eintrag. Er ist ein Erlebnis. Und als solches bietet dieser Teil der Saga eine Intensität und eine visuelle Eigenständigkeit, die vielen glattgebügelten Sequels der Neuzeit völlig abgeht. Man muss den Mut bewundern, mit dem hier ein ganzes Erbe aufs Spiel gesetzt wurde, um etwas Neues, Verstörendes zu schaffen. Es ist nun mal so, dass echte Kunst oft erst Jahre später verstanden wird, wenn der Staub der ersten Enttäuschung sich gelegt hat.
Man darf diesen Film nicht länger als den Sündenbock einer Reihe betrachten, sondern als das, was er wirklich ist: ein trotziges Monument gegen die Vorhersehbarkeit. Er ist das schwarze Schaf, das sich weigert, in der Herde zu grasen, und gerade deshalb unsere ungeteilte Aufmerksamkeit verdient. Wer den wahren Kern des Grauens sucht, findet ihn nicht in den logischsten Skripten, sondern in den Fieberträumen, die es wagen, uns den Spiegel der totalen Hoffnungslosigkeit vorzuhalten.
Man erkennt die wahre Meisterschaft eines Films erst dann, wenn man akzeptiert, dass die Unordnung kein Versehen, sondern die Botschaft ist.
