Joseph Beuys saß im Mai 1974 in Filz eingewickelt in einem Raum mit einem Kojoten. Das klingt erst mal völlig verrückt. Warum macht ein Mann so was? Er wollte die Wunden einer Nation heilen. Er flog nach New York, ließ sich vom Flughafen direkt in die Galerie bringen und berührte den amerikanischen Boden kein einziges Mal mit seinen Füßen. Das war kein Größenwahn. Es war Kalkül. In diesem Moment entstand eine der einflussreichsten Performances der Kunstgeschichte, bekannt unter dem Titel I Like America and America Likes Me, die bis heute Fragen nach Identität, Natur und politischer Schuld aufwirft. Wer dieses Werk verstehen will, muss tiefer graben als nur oberflächliche Kunstkritik zu lesen. Es geht um Schamanismus, die Zähmung des Wilden und die bittere Realität der US-Geschichte.
Die radikale Isolation im Kunstraum
Beuys verbrachte drei Tage in der René Block Gallery in New York. Er war dort nicht allein. Ein wilder Kojote teilte sich den Platz mit ihm. Der Künstler trug seinen markanten Hut und einen Stab. Er nutzte Filzdecken als Schutz und als Symbol für Wärme und Energie. Das Tier repräsentierte das ursprüngliche Amerika. Die Ureinwohner verehrten den Kojoten als heiliges Wesen oder als listigen Wandler. Die weißen Siedler hingegen sahen in ihm nur Ungeziefer, das man ausrotten musste. Beuys wollte diesen Konflikt im Kleinen austragen. Er wollte zeigen, dass Kommunikation möglich ist, wenn man sich auf die Ebene des Gegenübers begibt.
Der Filz als energetischer Speicher
Für Beuys war Filz kein banaler Stoff. Er sah darin ein Material, das Wärme isoliert und Leben schützt. Er erzählte oft die Geschichte, wie er im Zweiten Weltkrieg nach einem Flugzeugabsturz von Tataren in Filz und Fett eingewickelt wurde. Ob das historisch alles so stimmt, ist zweitrangig. In der Kunst zählt der Mythos. In der Galerie diente der Filz als Kokon. Er trennte ihn von der Außenwelt ab. Er schuf einen privaten Raum mitten im lauten Manhattan. Das war eine bewusste Verweigerung gegenüber dem Konsumrausch der 1970er Jahre.
Kommunikation ohne Worte
Das Tier reagierte anfangs aggressiv. Es zerbiss die Filzdecken. Es urinierte auf die täglich gelieferten Ausgaben des Wall Street Journal. Beuys beobachtete das ruhig. Er imitierte die Bewegungen des Kojoten. Nach einer Weile trat Entspannung ein. Mensch und Tier akzeptierten die Anwesenheit des jeweils anderen. Das ist der Kernpunkt. Es geht um die Heilung traumatischer Brüche durch bloße Präsenz. Kunst ist hier kein schönes Bild an der Wand. Sie ist eine soziale Plastik. Alles ist Form, alles ist Bewegung.
Warum I Like America and America Likes Me heute wichtiger ist denn je
Wir leben in einer Zeit der extremen Spaltung. Wenn wir uns die politische Lage in den USA oder in Europa ansehen, sehen wir Gräben. Beuys hat diese Gräben schon vor fünfzig Jahren gespürt. Er weigerte sich, das "normale" Amerika zu besuchen. Er wollte nur den Kojoten sehen. Das war ein Statement gegen den Vietnamkrieg und die Unterdrückung der Minderheiten. Heute nutzen Aktivisten ähnliche Methoden. Sie setzen ihren Körper ein, um auf Missstände hinzuweisen. Die Performance zeigt uns, dass man sich dem Unbekannten stellen muss, statt es hinter Mauern zu verstecken.
Die Rolle des Kojoten in der Mythologie
In vielen Legenden der indigenen Völker Nordamerikas ist der Kojote ein Schöpfergott. Er ist aber auch ein Betrüger. Beuys wusste das genau. Indem er das Tier in den Mittelpunkt stellte, gab er den verdrängten Kulturen Amerikas eine Stimme. Er kritisierte den rationalen Westen, der alles beherrschen und kategorisieren will. Der Kojote lässt sich nicht kategorisieren. Er ist unberechenbar. Genau wie die Kunst selbst. Wer nur nach Logik sucht, wird bei Beuys scheitern. Man braucht Intuition. Man muss das Unbehagen aushalten können.
Das Wall Street Journal als Symbol des Kapitalismus
Jeden Tag wurden frische Zeitungen in den Raum geworfen. Der Kojote nutzte sie als Toilette. Deutlicher kann man Kritik an einem rein profitorientierten System kaum ausdrücken. Beuys war Mitbegründer der Grünen in Deutschland. Er dachte ökologisch und ökonomisch neu. Er wollte ein Geldwesen, das dem Menschen dient, nicht umgekehrt. Die Tatsache, dass das Tier die Symbole der Macht buchstäblich beschmutzte, war ein geplanter Teil der Inszenierung. Es war ein Akt der Reinigung.
Die technische Umsetzung einer Legende
Man darf nicht vergessen, welcher logistische Aufwand hinter so einer Aktion steckt. Ein wildes Tier in einer Galerie in New York zu halten, würde heute an tausend Auflagen scheitern. Damals war das anders. Es gab weniger Regeln, aber mehr Risiko. Beuys riskierte Verletzungen. Er war kein Schauspieler, der nach Feierabend ins Hotel ging. Er schlief in der Galerie. Er lebte das Werk. Das ist es, was echte Meisterschaft ausmacht. Man geht ein Risiko ein, das über das Ästhetische hinausgeht.
Dokumentation und Nachwirkung
Da die Performance zeitlich begrenzt war, ist die Dokumentation entscheidend. Es gibt Fotos und Videoaufnahmen, die heute in großen Museen wie dem Centre Pompidou oder der Tate Modern zu sehen sind. Diese Bilder haben sich ins kollektive Gedächtnis eingebrannt. Der Mann im Filz mit dem Hirtenstab. Das ist I Like America and America Likes Me in seiner reinsten visuellen Form. Ohne diese Aufnahmen wäre das Werk längst vergessen. So aber beeinflusst es Generationen von Performance-Künstlern.
Kritik an der Aneignung
Manche Kritiker werfen Beuys heute vor, er habe sich indigene Mythen einfach genommen, ohne wirklich dazuzugehören. Das ist eine berechtigte Debatte. Kulturelle Aneignung war in den 70ern noch kein Begriff, aber das Problem gab es schon. Beuys sah sich selbst als Schamane für eine kranke Gesellschaft. Ob ein weißer Deutscher diese Rolle beanspruchen darf, muss jeder selbst entscheiden. Trotzdem bleibt die Geste stark. Er wollte keine Indianer-Folklore betreiben. Er wollte den Schmerz der Geschichte sichtbar machen.
Der Einfluss auf die deutsche Kunstszene
Beuys hat die Kunst in Deutschland revolutioniert. Er hat den Begriff der Kunst so weit gefasst, dass am Ende jeder ein Künstler sein konnte. Das wird oft missverstanden. Er meinte nicht, dass jeder malen kann. Er meinte, dass jeder an der Gestaltung der Gesellschaft mitwirken muss. Diese Idee der sozialen Plastik ist sein größtes Erbe. In Städten wie Kassel, wo er mit den "7000 Eichen" ein riesiges ökologisches Denkmal setzte, spürt man das heute noch. Wer mehr über seine Theorie wissen will, kann sich die Bestände der Stiftung Museum Schloss Moyland ansehen. Dort liegt ein riesiger Teil seines Nachlasses.
Pädagogik und Provokation
An der Kunstakademie Düsseldorf war er eine Reizfigur. Er wurde entlassen, weil er Studierende aufnahm, die von der Verwaltung abgelehnt wurden. Er kämpfte gegen Hierarchien. Er wollte Bildung für alle. Das passt perfekt zu seiner Performance mit dem Kojoten. Er bricht Mauern ein. Er fordert das System heraus. Man kann ihn hassen oder lieben, aber man kann ihn nicht ignorieren. Seine Direktheit ist typisch für eine Generation, die nach dem Krieg alles infrage stellte.
Der Marktwert des Unfassbaren
Ironischerweise werden heute Relikte aus dieser Zeit für Millionen gehandelt. Ein Stück Filz, das Beuys berührt hat, ist Gold wert. Er selbst hätte das vermutlich kritisch gesehen. Er wollte Energieflüsse, keine toten Objekte im Safe. Aber so funktioniert der Kunstmarkt nun mal. Er schluckt die Revolution und macht daraus eine Wertanlage. Wenn man sich heute eine Original-Filzdecke in einer Vitrine ansieht, fehlt der Geruch des Kojoten. Es fehlt die Gefahr. Man sieht nur noch die Hülle.
Praktische Schritte zur Annäherung an Aktionskunst
Wenn du dich tiefer mit diesem Thema beschäftigen willst, reicht es nicht, Texte zu lesen. Kunst muss man erleben. Auch wenn Beuys tot ist, lebt seine Methode weiter. Du kannst sie auf deinen Alltag übertragen. Es geht darum, eingefahrene Muster zu brechen und den Dialog mit dem "Anderen" zu suchen.
- Besuche eine Ausstellung mit zeitgenössischer Performance. Achte nicht auf das Aussehen der Künstler. Achte darauf, wie sie den Raum verändern. Was macht ihre Anwesenheit mit dir?
- Lies die Originaltexte von Beuys. Er hat viel über die Freiheit des Individuums geschrieben. Das ist oft schwere Kost, aber es lohnt sich. Seine Reden sind wie Manifeste.
- Versuche, ein soziales Problem in deinem Umfeld als "Plastik" zu begreifen. Was könnte man verändern, um den Fluss der Energie wiederherzustellen? Das klingt esoterisch, ist aber im Grunde reines Projektmanagement mit Herz.
- Schau dir die Standorte seiner Werke an. In Museen wie dem Hamburger Bahnhof in Berlin gibt es permanente Installationen. Dort hängen die riesigen Filzrollen und die schweren Eisenplatten. Man muss davor stehen, um die Wucht zu spüren.
Es gibt keine Abkürzung zum Verständnis von radikaler Kunst. Man muss sich darauf einlassen. Man muss bereit sein, sich lächerlich zu machen oder verwirrt zu sein. Beuys im Filzanzug war für viele damals ein Narr. Heute ist er ein Heiliger der Kunstwelt. Die Wahrheit liegt wahrscheinlich irgendwo dazwischen. Er war ein Mensch, der verstanden hat, dass Bilder allein nicht mehr ausreichen, um die Welt zu erklären. Man muss handeln. Man muss mit dem Kojoten in den Ring steigen. Nur so entsteht etwas Neues, das über den Tag hinaus Bestand hat.
Wer sich für die Geschichte der documenta interessiert, findet auf der offiziellen Seite der documenta und Museum Fridericianum viele Informationen über seine Auftritte in Kassel. Das hilft dabei, den historischen Kontext besser einzuordnen. Er war dort Stammgast und hat jedes Mal die Grenzen des Sagbaren verschoben. Das ist es, was wir heute brauchen: Menschen, die Grenzen nicht nur sehen, sondern sie durchschreiten. Ohne Angst vor dem Urteil der Masse. Ohne den Wunsch, es jedem recht zu machen. Beuys hat das Amerika seiner Zeit nicht gemocht, wie es war. Er mochte das Amerika, das es sein konnte. Ein Ort der Freiheit und der Versöhnung mit der Natur. Das ist die zeitlose Botschaft dieser drei Tage in New York.
