Die meisten Filmfans glauben fest daran, dass sie Quentin Tarantinos viertes Werk in- und auswendig kennen. Sie haben die gelbe Lederkombi im Schrank, sie pfeifen die Melodie von Bernard Herrmann im Schlaf und sie wissen genau, wann der Cliffhanger am Ende des ersten Teils einsetzt. Doch die bittere Wahrheit ist, dass das Kinopublikum seit über zwei Jahrzehnten lediglich eine zerstückelte, künstlich beatmete Version eines eigentlich unteilbaren Kunstwerks konsumiert. Die Spaltung in zwei separate Filme war keine künstlerische Entscheidung, sondern ein rein wirtschaftlicher Kompromiss, den der Produzent Harvey Weinstein dem Regisseur abverlangte, um die Laufzeit an die Bedürfnisse der Multiplex-Kinos anzupassen. Wer wirklich verstehen will, wie die Geschichte der Braut atmet, muss Kill Bill The Whole Bloody Affair sehen, jene legendäre, über vierstündige Fassung, die den Rhythmus und die emotionale Wucht des Originals erst wieder herstellt. Es geht hier nicht um eine bloße Aneinanderreihung von Szenen, sondern um die Heilung eines Werkes, das durch die Schere der Profitgier verstümmelt wurde.
Die landläufige Meinung besagt, dass die Trennung in Volume 1 und Volume 2 dem Film gutgetan habe, weil sie die unterschiedlichen Genres — hier der rasante Eastern, dort der staubige Western — klar voneinander trenne. Ich halte das für einen fatalen Irrtum. Diese Zweiteilung hat den Fluss der Erzählung nachhaltig beschädigt. In der getrennten Version wirkt die Braut im ersten Teil wie eine fast schon übermenschliche Kampfmaschine, deren emotionale Tiefe erst Stunden oder gar Monate später im zweiten Teil nachgereicht wird. In der ursprünglichen Konzeption war dieser Bruch nie vorgesehen. Der Film war als eine einzige, gewaltige Welle der Vergeltung geplant, die sich langsam aufbaut und dann in einem berauschenden Finale bricht. Wenn man die Geschichte in ihrer Gesamtheit betrachtet, erkennt man, dass die vermeintlichen Genre-Sprünge keine Brüche sind, sondern organische Entwicklungen innerhalb einer einzigen, kohärenten Vision. Wenn Ihnen dieser Artikel gefallen hat, sollten Sie auch lesen: diesen verwandten Artikel.
Kill Bill The Whole Bloody Affair und die Rückkehr der Farbe
Der wohl eklatanteste Unterschied zur bekannten Kinofassung offenbart sich im legendären Kampf im Haus der blauen Blätter. Wir alle kennen die Sequenz, in der das Bild plötzlich in Schwarz-Weiß umschlägt, sobald die Braut beginnt, die Crazy 88 systematisch zu zerlegen. Lange Zeit hielt sich der Mythos, dies sei eine stilistische Hommage an die Zensurvorgaben alter Kung-Fu-Filme oder ein bewusster künstlerischer Kniff Tarantinos. In Wirklichkeit war es eine reine Notlösung, um in den USA ein R-Rating zu erhalten und die MPAA milde zu stimmen, da das vergossene Blut in Farbe schlicht zu viel für die Sittenwächter war. Innerhalb von Kill Bill The Whole Bloody Affair erstrahlt dieses Massaker jedoch in vollem, unzensiertem Technicolor. Das ist kein Detail für Gore-Hunde, sondern eine fundamentale Änderung der Bildsprache. Das Rot des Blutes korrespondiert mit dem Gelb des Anzugs und dem Blau der Beleuchtung auf eine Weise, die in der farblosen Version völlig verloren geht. Die Gewalt wird hier nicht versteckt, sie wird zelebriert, wie es sich für einen waschechten Exploitation-Film gehört.
Interessanterweise war die japanische Kinofassung damals schon näher an diesem Ideal, doch erst die rekonstruierte Langfassung bietet die vollständige, animierte Sequenz über die Herkunft von O-Ren Ishii ohne jegliche Kürzungen. Diese Erweiterungen sind keine unnötigen Längen. Sie geben den Charakteren den Raum, den sie brauchen, um über das Stadium eines Comic-Archetyps hinauszuwachsen. Ich habe oft mit Skeptikern diskutiert, die behaupten, vier Stunden seien für eine Rachegeschichte schlicht zu lang. Sie führen an, dass das Sitzfleisch des modernen Zuschauers überstrapaziert werde. Doch genau das Gegenteil ist der Fall. Durch das Wegfallen des künstlichen Cliffhangers und der doppelten Einleitungen gewinnt die Erzählung an Fahrt. Die Pause zwischen den beiden Kinofilmen war wie eine Vollbremsung auf der Autobahn. Wer die Langfassung sieht, erlebt einen konstanten Beschleunigungsprozess, der in der ruhigen, dialoglastigen Konfrontation mit Bill seinen logischen und hoch emotionalen Endpunkt findet. Experten bei Filmstarts haben sich ähnlich eingeschätzt zu diesem Thema.
Der Mythos der Überlänge als Qualitätsmerkmal
Man muss sich vor Augen führen, dass Tarantino ein Regisseur ist, der vom Rhythmus lebt. Seine Dialoge sind Musik, seine Schnitte sind Taktschläge. Wenn ein Produzent hergeht und dieses Metronom in der Mitte durchschneidet, zerstört er die Komposition. Die Kritiker, die damals schrieben, der zweite Teil sei zu langsam im Vergleich zum ersten, fielen auf den Trick der Vermarktung herein. Sie bewerteten zwei Hälften eines Ganzen als eigenständige Werke. In der ungeschnittenen Fassung existiert dieses Problem nicht mehr. Der langsame Aufbau in der Wüste von Texas nach dem farbenfrohen Chaos von Tokio wirkt plötzlich wie eine notwendige Atempause, eine Phase der Kontemplation vor dem letzten Akt. Es ist ein klassischer Aufbau in fünf Akten, der nur in der Zusammenführung funktioniert.
Die Fachwelt ist sich weitgehend einig, dass die Entscheidung Weinsteins damals rein finanzielle Gründe hatte. Zwei verkaufte Kinotickets bringen nun mal mehr Geld als eines. Doch für uns Zuschauer bedeutete das jahrelang, mit einem Torso zu leben. Die Existenz von Kill Bill The Whole Bloody Affair wurde über ein Jahrzehnt lang wie ein heiliger Gral behandelt, der nur gelegentlich im New Beverly Cinema in Los Angeles gesichtet wurde. Dass diese Version nie flächendeckend auf physischen Medien veröffentlicht wurde, ist eines der größten Versäumnisse der neueren Filmgeschichte. Es zwingt den Fan in eine Position des Bittstellers, während die rechtmäßigen Besitzer des Materials auf einem Schatz sitzen, den sie aus unerklärlichen Gründen unter Verschluss halten.
Es gibt Stimmen, die behaupten, die Trennung habe der Braut einen ikonischeren Status verliehen, weil sie uns Zeit gab, über ihr Schicksal nachzugrübeln. Ich entgegne diesen Menschen: Wollt ihr ein Rätsel oder wollt ihr eine Auflösung? Die emotionale Katharsis am Ende, wenn Beatrix Kiddo mit ihrer Tochter auf dem Badezimmerboden liegt und vor Erleichterung weint, funktioniert nur dann mit voller Wucht, wenn der Weg dorthin unmittelbar und ohne monatelange Unterbrechung beschritten wurde. Man muss den Schmerz der Hochzeit in El Paso noch spüren, wenn man in Bills Villa ankommt. Die Distanz, die durch die Veröffentlichung in zwei Teilen entstand, kühlte die Wut der Braut in den Köpfen der Zuschauer unnötig ab.
Wer dieses Werk wirklich in seiner vollen Pracht begreifen will, muss die kinonormative Sichtweise ablegen, dass Filme in handliche Neunzig-Minuten-Häppchen zerlegt werden müssen. Wir leben in einer Zeit, in der Menschen ganze Serien an einem Wochenende konsumieren. Die Angst vor der Überlänge ist ein Relikt der Vergangenheit. Die Langfassung ist kein Director's Cut im herkömmlichen Sinne, bei dem lediglich gelöschte Szenen wieder eingefügt wurden, um die Blu-ray-Verkäufe anzukurbeln. Es ist die Korrektur eines historischen Fehlers. Es ist die Wiederherstellung der Integrität eines Regisseurs, der seine Geschichte als ein einziges, blutiges Poem konzipiert hatte. Jede Minute, die wir in dieser Welt verbringen, vertieft unser Verständnis für die Motivation der Attentäter des Deadly Viper Assassination Squad. Sie sind keine bloßen Endgegner in einem Videospiel, sie sind Schatten der Vergangenheit der Protagonistin, die nur in der ungekürzten Fassung ihre volle narrative Gravitas entfalten.
Am Ende bleibt die Erkenntnis, dass wir uns viel zu lange mit dem zufrieden gegeben haben, was uns die Studios vorgesetzt haben. Wir haben die Verstümmelung als Stilmittel akzeptiert und die kommerzielle Aufteilung als dramaturgischen Kniff verteidigt. Doch wer einmal die nahtlose Verbindung gesehen hat, wer den Übergang von der japanischen Ästhetik in die staubige Realität des amerikanischen Südwestens ohne den harten Schnitt eines Abspanns erlebt hat, kann nie wieder zur geteilten Version zurückkehren. Es ist an der Zeit, die Kinogeschichte neu zu bewerten und anzuerkennen, dass manche Geschichten zu groß sind, um in eine Box gepresst zu werden. Das Epos der Braut ist keine Diptychon-Malerei, sondern ein einziges, riesiges Wandgemälde, das erst aus der richtigen Entfernung und in seiner gesamten Breite seine wahre Meisterschaft offenbart. Wer das verweigert, gibt sich mit einer Postkarte zufrieden, während das Original im Tresor verstaubt.
Wahre filmische Größe entsteht nicht durch das Weglassen, sondern durch die Konsequenz, eine Vision bis zum bitteren Ende durchzuziehen.
