Es gibt diesen einen Moment in der Filmgeschichte, in dem der Größenwahn des Blockbuster-Kinos gegen die Wand fuhr, und zwar so lautstark, dass man die Trümmer heute noch in den Archiven von Cannon Films klappern hört. Die meisten Menschen erinnern sich an die Mitte der achtziger Jahre als ein goldenes Zeitalter der Helden, eine Ära, in der Produzenten wie Menahem Golan und Yoram Globus versuchten, das Erbe von Indiana Jones mit einem Bruchteil des Budgets, aber der doppelten Menge an Pyrotechnik zu kapern. Doch die Wahrheit ist weit weniger glanzvoll. Quatermain II Auf Der Suche Nach Der Geheimnisvollen Stadt war nicht einfach nur eine misslungene Fortsetzung eines ohnehin schon wackeligen Erstlings. Es war das Symptom einer Branche, die glaubte, dass man Charme durch Chaos und Qualität durch schiere Geschwindigkeit ersetzen konnte. Während das Publikum heute oft mit einer Mischung aus nostalgischer Milde auf diesen Streifen blickt, übersehen viele, dass diese Produktion das Vertrauen der Zuschauer in das Genre des handgemachten Abenteuerfilms nachhaltig erschütterte. Es war das Ende der Unschuld für das B-Movie, der Punkt, an dem das Spektakel zur Karikatur verkam und Richard Chamberlain sowie Sharon Stone in einer Kulisse feststeckten, die buchstäblich aus Pappe bestand.
Die wirtschaftliche Hybris hinter Quatermain II Auf Der Suche Nach Der Geheimnisvollen Stadt
Man muss verstehen, wie das System Cannon damals funktionierte, um die Tragweite des Scheiterns zu begreifen. Golan und Globus hatten die wahnwitzige Idee, zwei Filme gleichzeitig zu drehen, um Kosten zu sparen. Das klingt auf dem Papier nach unternehmerischer Weitsicht, führte in der Praxis jedoch dazu, dass die Crew und die Schauspieler völlig ausgebrannt waren, bevor die erste Klappe für den zweiten Teil überhaupt fiel. Die Dreharbeiten in Simbabwe waren von Chaos geprägt. Geldflüsse versiegten, die Logistik brach zusammen und die Vision eines epischen Epos schrumpfte täglich zusammen. Ich habe mit Sammlern gesprochen, die Originalrequisiten aus jener Zeit besitzen, und man sieht diesen Objekten den Stress an, unter dem sie entstanden sind. Das ist kein Kino mehr, das Geschichten erzählen will. Das ist Fließbandarbeit unter schlechtesten Bedingungen. Das Publikum spürte das sofort. Man kann die Zuschauer eine Zeit lang täuschen, aber wenn die Goldene Stadt im Finale aussieht wie ein bemaltes Sperrholzmodell aus einer Grundschulaufführung, dann bricht der Pakt zwischen Leinwand und Sessel.
Die Behauptung, dass solche Filme heute Kultstatus genießen, weil sie so schlecht sind, dass sie wieder gut sind, greift zu kurz. Das ist eine Schutzbehauptung der Nostalgiker. In Wirklichkeit markiert dieser Film den Moment, in dem das Abenteuergenre seine Seele an die reine Gewinnmaximierung verlor. Es ging nicht mehr um das Staunen über ferne Welten oder die Faszination für das Unbekannte. Es ging darum, eine Verleihquote zu erfüllen und Vorabverkäufe für den Videomarkt zu sichern. Das ist der Grund, warum die Effekte so erschreckend lieblos wirken. Die Produzenten wussten, dass das Geld bereits verdient war, bevor der Film überhaupt im Kino lief. Diese Art von zynischem Filmemachen hat Spuren hinterlassen, die bis in die heutige Zeit der generischen Superhelden-Sequels reichen.
Warum das Handwerk an der Gier scheiterte
Wenn man die Kameraarbeit von Alex Baar betrachtet, erkennt man Fragmente von Kompetenz, die unter der Last des Zeitdrucks erdrückt wurden. Es gibt Szenen, in denen das Licht stimmt, in denen die Landschaft von Simbabwe eine Wucht entfaltet, die man im modernen CGI-Kino vermisst. Doch dann schneidet der Film hart auf eine Studioaufnahme um, die so offensichtlich künstlich ist, dass es körperlich weh tut. Kritiker werfen dem Film oft vor, er sei rassistisch oder kulturell unsensibel. Das ist ein valider Punkt, aber er greift eigentlich zu tief. Die Ignoranz des Films war nicht nur ideologisch, sie war handwerklich begründet. Man nahm sich schlichtweg nicht die Zeit, die Kulturen, die man darstellte, auch nur ansatzweise zu verstehen oder respektvoll zu inszenieren. Alles wurde zu einer homogenen Masse aus Abenteuer-Versatzstücken verrührt.
Skeptiker werden nun einwerfen, dass Quatermain II Auf Der Suche Nach Der Geheimnisvollen Stadt doch nur Unterhaltung sein wollte und man keine historische Akkuratesse von einem Cannon-Film erwarten darf. Das ist eine schwache Verteidigung. Unterhaltung erfordert eine innere Logik und einen gewissen Respekt vor der Intelligenz des Publikums. Wenn Richard Chamberlain mit einem Gesichtsausdruck durch den Dschungel läuft, der ständig zwischen Verwirrung und Resignation schwankt, dann transportiert das eine Stimmung, die jeden Eskapismus im Keim erstickt. Man sieht dem Film an, dass niemand am Set wirklich dort sein wollte. Die Chemie zwischen den Hauptdarstellern, die im ersten Teil noch halbwegs funktionierte, war völlig verdampft. Sharon Stone, die später in Hollywood zur Ikone aufstieg, wirkt hier wie eine Gefangene ihres eigenen Vertrags. Das ist kein triviales Detail. Die fehlende Spielfreude überträgt sich direkt auf den Zuschauer und macht das Seherlebnis zäh.
Die Illusion der goldenen Stadt
Inmitten dieser Trümmerlandschaft aus Zelluloid steht die titelgebende Stadt. Sie sollte das Wunderwerk sein, das den Zuschauer für neunzig Minuten Leerlauf entschädigt. Stattdessen wurde sie zum Mahnmal für das Unvermögen der damaligen Spezialeffekt-Abteilungen unter Sparzwang. Die Architektur dieser Stadt folgte keinem erkennbaren ästhetischen Konzept. Es war ein Mischmasch aus pseudomarokkanischen Elementen und billigem Art Déco. Hier zeigt sich das wahre Problem des damaligen Kinos. Man versuchte, Größe vorzugaukeln, wo keine war. Anstatt sich auf eine kleine, dichte Geschichte zu konzentrieren, wollte man das ganz große Rad drehen. Die British Film Institute Archive zeigen Dokumente aus jener Zeit, die belegen, wie sehr die Produktionskosten für die Effekte zusammengestrichen wurden, während man gleichzeitig versuchte, die Vermarktung auf das Niveau eines Star-Wars-Films zu heben. Diese Diskrepanz zwischen Anspruch und Wirklichkeit ist es, die den Film letztlich unerträglich macht.
Ein Erbe der verbrannten Erde
Man kann den Einfluss dieses Werks auf die folgenden Jahrzehnte nicht unterschätzen, auch wenn er meist negativer Natur war. Nach dem finanziellen Fiasko und der vernichtenden Kritik war das Genre des klassischen Schatzsucherfilms für fast ein Jahrzehnt verbrannt. Erst Ende der neunziger Jahre traute sich Hollywood mit der Mumie-Reihe wieder an den Stoff heran, dann aber mit einem völlig anderen Ansatz. Man erkannte, dass man die Absurdität der Situation mit Ironie auffangen musste. Diese Ironie fehlte dem Abenteuer von Quatermain völlig. Er meinte es todernst, während er in seinen eigenen billigen Kulissen versank. Das ist das eigentliche Drama dieses Films. Er wollte ein ernsthafter Konkurrent für die A-Liga sein und merkte nicht, dass er längst zur Parodie seiner selbst geworden war.
Ich erinnere mich an ein Gespräch mit einem alten Kinobetreiber aus München, der den Film 1987 im Programm hatte. Er erzählte mir, dass die Leute nicht wütend aus dem Kino kamen, sondern eher ratlos. Es war eine Art kollektive Erkenntnis, dass die Formel nicht mehr funktionierte. Die Zuschauer hatten genug von den immer gleichen Tropen, die mit immer weniger Mühe serviert wurden. Der Film hat gezeigt, dass man ein Franchise nicht allein auf der Popularität eines literarischen Namens wie Allan Quatermain aufbauen kann. Der Name zieht vielleicht am ersten Wochenende, aber die Mundpropaganda zerstört den Rest, wenn die Qualität unter ein gewisses Minimum sinkt. Das ist eine Lektion, die viele Studios heute wieder vergessen haben, wenn sie glauben, dass eine bekannte Marke allein ausreicht, um Erfolg zu garantieren.
Der Mechanismus hinter diesem Scheitern war systemisch. Cannon Films war darauf angewiesen, ständig neue Projekte zu starten, um die Zinsen für die Kredite der alten Projekte zu bezahlen. Es war ein filmisches Ponzi-Schema. In einer solchen Umgebung kann keine Kunst entstehen. Es entsteht nur Ware. Wenn man sich den Film heute ansieht, sieht man kein Kunstwerk, sondern ein Dokument einer verzweifelten Finanzakrobatik. Jede schlecht sitzende Perücke und jede offensichtliche Rückprojektion ist ein Schrei nach einem Budget, das längst in andere Kanäle geflossen war. Das ist die traurige Wahrheit hinter diesem Kapitel der Filmgeschichte. Es war kein Unfall, es war die logische Konsequenz einer Industrie, die den Bezug zur Realität verloren hatte.
Was bleibt also übrig, wenn wir den Staub von den alten Filmrollen wischen? Sicherlich keine vergrabenen Schätze oder tiefen Weisheiten. Wir finden die Erkenntnis, dass das Kino ein zerbrechliches Medium ist. Es lebt vom Vertrauen. Sobald dieses Vertrauen durch Gier und Nachlässigkeit gebrochen wird, stirbt die Magie. Das ist nun mal so. Man kann versuchen, die Vergangenheit zu verklären, aber die Bilder lügen nicht. Sie zeigen uns eine Produktion, die unter ihrem eigenen Gewicht zusammenbrach und dabei ein ganzes Genre mit in die Tiefe riss. Es war die Geburtsstunde des modernen Blockbuster-Zynismus, verpackt in ein Gewand aus Abenteuer und Exotik.
Man muss die Dinge beim Namen nennen. Die Geschichte lehrt uns, dass Qualität kein Luxus ist, sondern die Grundvoraussetzung für Beständigkeit. Wer glaubt, dass er das Publikum mit billigen Kopien und hastig zusammengezimmerten Fortsetzungen abspeisen kann, wird am Ende vor den Trümmern seiner eigenen Goldstadt stehen. Das gilt für die achtziger Jahre genauso wie für heute. Das Abenteuerkino hat sich davon zwar erholt, aber die Narben sind sichtbar geblieben. Es braucht mehr als einen Hut und ein Gewehr, um einen Helden zu erschaffen. Es braucht Herz, Verstand und vor allem den Mut, dem Zuschauer nicht nur etwas vorzugaukeln, sondern ihn wirklich mitzunehmen auf eine Reise, die den Namen auch verdient hat. Davon war dieses Projekt so weit entfernt wie Simbabwe von Hollywood.
Wahre Größe im Kino entsteht nicht durch die Suche nach einer geheimnisvollen Stadt, sondern durch den Respekt vor der Kraft des Erzählens selbst.
