Man erinnert sich an die schrillen Aufschreie der Kritiker, als die vier New Yorkerinnen 2010 ihre Koffer für die Wüste packten. Es hieß, die Geschichte sei oberflächlich, kulturell unsensibel und ein zweistündiger Werbespot für Luxusmarken. Doch wer heute mit kühlem Blick zurückschaut, erkennt in Sex And The City Film 2 etwas weitaus Düstereres und Spannenderes als eine bloße Mode-Show. Es ist die filmische Dokumentation eines Zusammenbruchs. Es ist das Protokoll einer Gruppe von Frauen, die an den Erwartungen ihrer eigenen Legende zerbrechen. Während das Publikum über den Kitsch lachte, entfaltete sich auf der Leinwand das bittere Ende einer Ära, in der Freundschaft alles und Ehe nur ein Accessoire war. Wer Sex And The City Film 2 als reine Komödie versteht, übersieht die schmerzhafte Wahrheit über das Altern unter den Augen einer gnadenlosen Öffentlichkeit.
Die vier Protagonistinnen sind in dieser Fortsetzung keine Vorbilder mehr. Sie sind Geiseln ihres eigenen Lifestyles. Das ist der Punkt, an dem die Serie ihre Seele verlor, aber genau deshalb ist das Werk als soziologisches Zeitdokument unbezahlbar. Man sieht vier Frauen, die verzweifelt versuchen, eine Relevanz zu bewahren, die ihnen biologisch und gesellschaftlich entgleitet. Die Flucht nach Abu Dhabi ist kein Urlaub. Es ist eine Deportation aus der Realität. In New York warteten Kinder, langweilige Ehemänner und die Erkenntnis, dass der Cosmopolitan nicht mehr so schmeckt wie mit dreißig. Ich behaupte, dass die heftige Ablehnung des Werks daher rührt, dass es uns einen Spiegel vorhält, den wir nicht sehen wollten. Wir wollten die ewige Party, aber wir bekamen den Kater in der Wüstensonne. Erfahren Sie mehr zu einem verwandten Gebiet: diesen verwandten Artikel.
Die bittere Wahrheit hinter Sex And The City Film 2
Der Film markiert den Moment, in dem die Freundschaft zur Marke wurde. In den ursprünglichen Episoden der Serie war die Bindung zwischen den Frauen das Sicherheitsnetz gegen eine feindselige Welt voller toxischer Männer. Im zweiten Kinofilm hingegen wirkt diese Bindung wie ein Vertrag. Man trifft sich nicht mehr, weil man sich braucht, sondern weil man eine Erwartungshaltung bedienen muss. Diese Verschiebung ist grausam. Sie zeigt, wie der Kapitalismus selbst unsere intimsten Beziehungen kolonisiert. Die Gespräche wirken hölzern, fast so, als müssten die Schauspielerinnen ihre eigenen Sätze auswendig lernen, um nicht zu vergessen, wer sie einmal waren.
Das Goldene Gefängnis der Ehe
Carrie Bradshaw, einst die Stimme einer Generation von Single-Frauen, kämpft im Film gegen die tödliche Langeweile ihrer Ehe mit Mr. Big. Der Konflikt dreht sich um einen Fernseher im Schlafzimmer. Das klingt banal. Es ist aber die ultimative Kapitulation. Die Frau, die einst sagte, sie kaufe die Vogue statt des Abendessens, weil sie sich davon besser genährt fühle, streitet nun über Unterhaltungselektronik. Hier offenbart das Drehbuch eine fast schon zynische Ehrlichkeit. Es zeigt uns, dass das „Happy End“ aus dem ersten Teil eine Lüge war. Die Ehe ist nicht der Hafen, sondern der Stillstand. Dass Carrie in der Wüste ihren Ex-Freund Aidan küsst, ist kein romantischer Ausrutscher. Es ist ein verzweifelter Schrei nach der eigenen Identität, die irgendwo zwischen Manolo Blahniks und Eheverträgen begraben wurde. GQ Deutschland hat dieses wichtige Gebiet umfassend beleuchtet.
Skeptiker führen oft an, dass die Darstellung des Nahen Ostens im Film rassistisch oder zumindest extrem ignorant sei. Das stimmt natürlich. Die Frauen benehmen sich wie Kolonialherrinnen auf Kaffeefahrt. Aber man kann argumentieren, dass diese Ignoranz ein gewolltes Stilmittel ist, um die Isolation dieser Charaktere zu verdeutlichen. Sie sind so sehr in ihrer eigenen Blase gefangen, dass sie die Welt um sich herum nur noch als Kulisse wahrnehmen. Das ist keine schlechte Regie, das ist eine akkurate Darstellung von privilegierter Isolation. Die Frauen sind in Abu Dhabi nicht fremd, weil sie in einem anderen Land sind. Sie sind fremd, weil sie den Kontakt zur echten Welt verloren haben.
Ein weiteres Argument der Kritiker ist der exzessive Konsum. Die Kritik greift jedoch zu kurz. Der Konsum in diesem Film ist kein Genuss mehr. Er ist eine Abwehrmahnhandlung gegen die eigene Sterblichkeit. Samantha Jones, die mit Hormonpillen gegen die Wechseljahre kämpft, ist die tragischste Figur von allen. Sie versucht, die Zeit mit Chemie und Libido anzuhalten. Das ist nicht peinlich, das ist mutig. Es ist eine Rebellion gegen das gesellschaftliche Diktat, dass Frauen ab fünfzig unsichtbar zu werden haben. Samantha weigert sich, leise zu gehen. Sie schreit ihre Sexualität in einer Kultur heraus, die sie dafür steinigen möchte. Das ist die radikalste Szene der gesamten Markengeschichte, auch wenn sie unter Bergen von Stoff und Make-up versteckt ist.
Man kann die Qualität des Skripts hinterfragen, aber man kann nicht ignorieren, welche emotionale Wucht diese Verzweiflung hat. Wir sehen hier keine Heldinnen mehr. Wir sehen Überlebende einer Kultur, die Jugend anbetet und Reife verachtet. Die Frauen sind gezwungen, Karikaturen ihrer selbst zu sein, weil die Welt ihnen keinen Raum für echtes Wachstum lässt. Wenn sie in der Wüste Karaoke singen, ist das kein fröhlicher Moment. Es ist ein rituelles Beschwören einer Vergangenheit, die längst tot ist. Sie singen gegen die Stille an, die eintritt, wenn die Kameras ausgehen und sie allein in ihren goldenen Käfigen sitzen.
Die Dynamik innerhalb der Gruppe hat sich ebenfalls verschoben. Miranda, einst die rationale Stimme der Vernunft, kündigt ihren Job, um sich selbst zu finden. Charlotte bricht unter dem Druck der Mutterschaft fast zusammen. Diese Handlungsstränge sind real und schmerzhaft. Sie werden nur oft unter dem Glitzer begraben. Wenn Charlotte weint, weil ihre Kinder sie überfordern, ist das ein seltener Moment der Aufrichtigkeit in einem ansonsten künstlichen Umfeld. Der Film traut sich, die dunkle Seite des Perfektionismus zu zeigen, auch wenn er am Ende alles mit einem Designer-Schal zudeckt.
Der Verrat am Publikum
Viele Fans fühlten sich von der Fortsetzung verraten. Sie wollten mehr von dem, was die Serie groß gemacht hat: das urbane Leben, die intellektuellen Diskussionen, die echte Verbundenheit. Stattdessen bekamen sie eine Odyssee durch den Sand. Aber vielleicht war genau dieser Verrat notwendig. Die Macher zeigten uns, dass man die Zeit nicht zurückdrehen kann. Man kann nicht ewig das „Girl about town“ sein. Der Film ist das unbequeme Eingeständnis, dass die Party vorbei ist. Das Publikum hasste den Film, weil er das Altern ungeschönt zeigte – verpackt in eine Verpackung, die vorgab, jung zu sein. Dieser Kontrast erzeugt ein Unbehagen, das wir fälschlicherweise als schlechte Qualität abtun.
Es gibt eine interessante Studie der Universität Wien, die sich mit der Rezeption von populären Frauenfiguren in den Medien beschäftigt hat. Dort wurde festgestellt, dass das Publikum besonders aggressiv reagiert, wenn weibliche Charaktere ihre zugewiesene Rolle der „unbeschwerten Freundin“ verlassen und Anzeichen von Bitterkeit oder echter Erschöpfung zeigen. Genau das passiert hier. Die Frauen sind müde. Sie sind genervt voneinander. Sie sind gelangweilt von ihrem Reichtum. Das ist eine provokative Botschaft in einem Medium, das normalerweise Eskapismus pur verkaufen will.
Die Mode in diesem Teil der Saga ist ebenfalls ein Punkt des Anstoßes. Die Kostüme sind nicht mehr tragbar, sie sind Skulpturen. Sie fungieren als Rüstungen. Die Charaktere verstecken sich hinter Lagen von Seide und Tüll, um die Leere in ihrem Inneren zu verdecken. Wenn Carrie durch den Basar läuft, trägt sie ein Outfit, das tausende Dollar kostet, in einer Umgebung, die von Armut und Tradition geprägt ist. Dieser krasse Gegensatz ist fast schon subversiv. Er stellt die Frage nach der Moral des westlichen Individualismus in einer globalisierten Welt. Ob die Regie sich dieser Tiefe bewusst war, bleibt offen, aber das Werk lässt diese Lesart zweifellos zu.
Man muss sich fragen, was wir von diesen Frauen eigentlich verlangen. Sollen sie für immer in ihren Dreißigern bleiben? Sollen sie niemals Fehler machen? Der Hass auf dieses Kapitel der Geschichte ist oft ein Stellvertreterkrieg gegen das Älterwerden von Frauen in der Öffentlichkeit. Wir verzeihen alternden männlichen Actionstars ihre absurden Stunts und ihre Klischees, aber wenn vier Frauen versuchen, ihre Relevanz in einer Wüste aus Luxus zu behaupten, nennen wir es eine Katastrophe. Das ist eine Doppelmoral, die wir hinterfragen müssen.
Letztlich ist das Werk ein Zeugnis für das Scheitern eines Traums. Der Traum von der ewigen Jugend, der grenzenlosen Freiheit und der unzerstörbaren Freundschaft. Es ist die Dekonstruktion der modernen Frau als Konsumobjekt. Dass der Film kommerziell erfolgreich war, zeigt nur, wie sehr wir uns danach sehnen, diesen Traum trotzdem weiterzuträumen, egal wie rissig die Fassade geworden ist. Wir schauen zu, wie sie scheitern, und fühlen uns gleichzeitig besser und schlechter dabei. Es ist ein zutiefst menschliches Dokument des Unbehagens.
Die schärfste Waffe des Films ist sein eigener Überfluss. Er füttert uns so lange mit Luxus, bis uns schlecht wird. Er treibt das Prinzip der Serie auf die Spitze und bricht es damit. Es gibt kein Zurück mehr nach dieser Reise. Die vier Frauen, die am Ende wieder in New York landen, sind nicht dieselben wie zuvor. Sie haben gesehen, dass ihr Lebensentwurf in der weiten Welt nicht nur deplatziert, sondern manchmal sogar lächerlich ist. Das ist eine harte Lektion für eine Marke, die auf Selbstbewusstsein und Stil aufgebaut wurde.
Ich habe viele Stunden damit verbracht, die Reaktionen in Foren und Fachzeitschriften zu analysieren. Der Tenor ist fast immer derselbe: Arroganz, Kitsch, Belanglosigkeit. Aber wenn man zwischen den Zeilen liest, erkennt man eine tiefe Enttäuschung darüber, dass die Idole der Jugend nun menschliche Schwächen zeigen. Sie sind gierig, sie sind blind für andere Kulturen, sie sind egoistisch. Aber sind wir das nicht alle manchmal? Der Film ist eine ehrliche Darstellung von Fehlbarkeit unter extremem Erwartungsdruck. Er ist das hässliche Entlein der Filmgeschichte, das uns mehr über den Zustand unserer Gesellschaft verrät als jeder oscarprämierte Polit-Thriller.
Wir müssen aufhören, Sex And The City Film 2 nach den Maßstäben einer romantischen Komödie zu bewerten. Er ist ein existenzialistisches Drama über den Verlust von Bedeutung im Angesicht des materiellen Überflusses. Wenn man die grellen Farben und die schlechten Witze abzieht, bleibt die Geschichte von vier Seelen, die verzweifelt nach einem Grund suchen, warum sie eigentlich noch zusammengehören. Das ist eine universelle Frage, die uns alle betrifft, egal ob wir in Manhattan oder in München leben. Die Antwort des Films ist ernüchternd: Sie gehören zusammen, weil sie niemand anderen haben, der ihre Vergangenheit teilt. Das ist keine Romantik, das ist Überlebensstrategie.
Wenn wir in zehn Jahren auf dieses Werk zurückblicken, werden wir es vielleicht als den mutigsten Teil der Reihe sehen. Er hatte den Mut, uns zu zeigen, wie das Ende aussieht. Nicht mit einem Knall, sondern mit einem Seufzer in einer luxuriösen Hotelsuite. Es ist die ultimative Abrechnung mit der Oberflächlichkeit, indem sie diese so weit treibt, bis sie kollabiert. Wir sollten den Film nicht für das hassen, was er ist, sondern für das bewundern, was er uns über uns selbst verrät.
Am Ende bleibt nur die Erkenntnis, dass wahre Freundschaft nicht aus gemeinsamen Einkäufen besteht, sondern aus der Fähigkeit, die Peinlichkeit des anderen zu ertragen. Diese Frauen ertragen sich gegenseitig in ihren schlimmsten Momenten der Arroganz und Weltfremdheit. Das ist vielleicht die einzige Form von Loyalität, die in einer Welt des schnellen Konsums noch Bestand hat. Der Film zeigt uns diese Loyalität in ihrer hässlichsten und ehrlichsten Form. Es ist Zeit, das Urteil über dieses Kapitel der Popkultur zu revidieren. Es ist kein schöner Film, aber es ist ein notwendiger.
Sex And The City Film 2 ist in Wahrheit das radikale Ende der Illusion, dass Luxus uns vor der Einsamkeit des Älterwerdens retten kann.
