Manche behaupten, Fortsetzungen seien der Tod der Kreativität, doch im Fall von Südkorea galt lange das Gegenteil. Während Hollywood sich in endlosen Remakes verlor, lieferte Seoul mutige, subversive Visionen, die das Genre-Kino weltweit erschütterten. Doch wer sich heute The Witch 2 The Other One ansieht, erkennt ein beunruhigendes Muster, das weit über einen bloßen Spielfilm hinausgeht. Es ist die Geschichte einer Industrie, die ihren eigenen Erfolg missversteht. Wir dachten, wir bekämen eine Erweiterung einer faszinierenden Mythologie, aber stattdessen erhielten wir eine Lektion in kommerzieller Maßlosigkeit. Der Film markiert den Moment, in dem die koreanische Blockbuster-Maschine begann, ihre Seele für das Versprechen eines globalen Franchise-Universums zu verkaufen. Das ist kein Zufall, sondern Kalkül.
Die Mechanik der maßlosen Eskalation in The Witch 2 The Other One
Das Problem dieses Werks liegt nicht in seinem Handwerk, sondern in seiner Philosophie. Wo der Vorgänger aus dem Jahr 2018 noch eine klaustrophobische, fast intime Geschichte über Identität und Verrat erzählte, setzt dieser Nachfolger auf schiere Masse. Park Hoon-jung, der Regisseur, der einst mit New World eines der besten Gangster-Epen der Geschichte schuf, verfällt hier einem Größenwahn, den man sonst nur von Marvel-Produktionen kennt. Die Protagonistin ist nicht länger ein Mensch mit übernatürlichen Kräften, sondern eine gottgleiche Entität, die jede Spannung im Keim erstickt. Wenn eine Figur so mächtig ist, dass keine Bedrohung mehr real wirkt, bricht das narrative Rückgrat zusammen. Ich saß im dunklen Kinosaal und spürte, wie die emotionale Bindung mit jeder explodierenden Gliedmaße weiter erodierte. Das ist das Paradoxon des modernen Action-Kinos: Mehr Power führt oft zu weniger Wirkung.
Die Falle des World-Building
Hinter den Kulissen geschah etwas, das man bei vielen südkoreanischen Produktionen dieser Ära beobachten kann. Das Studio Next Entertainment World wollte nicht nur einen Film, sondern ein Fundament für Jahrzehnte. Man erkennt das an den unzähligen Fraktionen, die eingeführt werden, ohne jemals Tiefe zu erhalten. Es gibt die Union, die Transhumanisten, die verschiedenen Generationen von Versuchsobjekten. Das Ergebnis ist ein erzählerischer Stau. Anstatt uns eine Geschichte zu erzählen, präsentiert uns das Drehbuch ein Handbuch für ein Rollenspiel. Jedes Mal, wenn eine neue Gruppe von Antagonisten auftaucht, stellt man sich die Frage, warum man sich für sie interessieren sollte. Sie sind Kanonenfutter für die nächste CGI-Schlacht. Es fehlt die Erdung, die das koreanische Kino einst so einzigartig machte. Die rohe, schmutzige Realität ist einer sterilen Hochglanz-Ästhetik gewichen, die überall auf der Welt hätte entstehen können.
Der Mythos der notwendigen Steigerung
Skeptiker werden einwenden, dass eine Fortsetzung per Definition größer sein muss. Sie werden sagen, dass das Publikum nach dem Erfolg des ersten Teils genau diese Eskalation verlangte. Man kann argumentieren, dass die visuelle Gewalt und die kinetische Energie genau das sind, was den koreanischen Export so erfolgreich macht. Doch dieser Einwand übersieht den Kern der Qualität. Ein Film wie Parasite wurde nicht zum Welterfolg, weil er teurer war als die Konkurrenz, sondern weil er präziser war. Diese Fortsetzung hingegen verwechselt Lärm mit Bedeutung. Die Idee, dass wir als Zuschauer immer „mehr“ brauchen, ist ein Trugschluss der Marketingabteilungen. In Wahrheit sehnen wir uns nach Kohärenz. Wenn die Logik der Welt innerhalb der ersten dreißig Minuten zugunsten von Schauwerten geopfert wird, verliert das Medium seine Kraft.
Das Verschwinden der menschlichen Komponente
Ein Blick auf die Charakterentwicklung zeigt das wahre Ausmaß des Schadens. In der ursprünglichen Geschichte war die Täuschung das zentrale Element. Wir wussten nicht, wer die Heldin war, und sie wusste es vielleicht selbst nicht. In der Fortsetzung ist die neue Hauptfigur fast den gesamten Film über stumm. Sie fungiert als eine Art unbeschriebenes Blatt, auf das die Zuschauer ihre Erwartungen projizieren sollen. Das ist kein genialer erzählerischer Kniff, sondern eine Flucht vor der Charakterarbeit. Während die erste Protagonistin durch ihre List und ihren Überlebenswillen glänzte, ist die neue Figur lediglich eine Abrissbirne. Das menschliche Drama, das Verhältnis zwischen Schöpfer und Geschöpf, wird durch endlose Verfolgungsjagden ersetzt. Es ist ein trauriger Tauschhandel.
Warum das globale Publikum das eigentliche Problem ist
Wir müssen über den Elefanten im Raum sprechen: die Internationalisierung. Südkorea produziert heute Filme für einen Algorithmus, der auf Netflix und anderen Plattformen funktioniert. Das bedeutet oft eine Glättung der kulturellen Ecken und Kanten. The Witch 2 The Other One ist ein Produkt dieser neuen Ära. Es fühlt sich an, als hätte man die DNA des K-Horrors genommen und sie so lange gefiltert, bis nur noch ein fader, wenn auch optisch beeindruckender Brei übrig blieb. Die Dialoge sind funktional, die Wendungen vorhersehbar. Selbst die Gewalt, die früher in koreanischen Filmen oft schmerzhaft und konsequent war, wirkt hier fast schon choreografiert und distanziert. Es ist Action-Pornografie ohne emotionalen Orgasmus.
Ich erinnere mich an Gespräche mit Brancheninsidern in Busan, die schon vor Jahren warnten, dass der Erfolg von Squid Game und anderen Exporten zu einer Standardisierung führen würde. Wenn der Druck steigt, globale Hits zu produzieren, sinkt die Risikobereitschaft. Man greift zu bewährten Formeln. Man baut Franchises auf. Man kopiert die Struktur von Hollywood, während man vorgibt, sie zu bekämpfen. Dieser Film ist das beste Beispiel für diese Identitätskrise. Er will koreanisch sein, aber er spricht die Sprache der globalen Gewinnmaximierung. Das ist kein Fortschritt für das nationale Kino, sondern eine Anpassung an den kleinsten gemeinsamen Nenner.
Die Leere der Post-Credit-Szenen
Es ist bezeichnend, dass die wichtigste Szene des Films erst ganz am Ende kommt. Sie dient ausschließlich dazu, den nächsten Teil anzukündigen. Das Kino wird hier zum bloßen Werbespot für sich selbst. Anstatt ein abgeschlossenes Werk zu schaffen, das für sich allein stehen kann, wird der Zuschauer mit einem Cliffhanger vertröstet. Das ist eine Beleidigung für die Zeit des Publikums. Ein guter Film sollte uns satt machen, nicht hungrig auf das nächste Produkt, das erst in drei Jahren erscheint. Die Struktur der Erzählung leidet massiv unter dieser Strategie. Die Mitte des Films fühlt sich wie ein zähes Warten auf das Finale an, und das Finale ist nur ein Vorspiel für die Zukunft. Es gibt keinen Moment des Innehaltens, keine Reflexion über die moralischen Implikationen des Gezeigten. Alles ist Bewegung ohne Ziel.
Die wahre Tragik liegt darin, dass das Potenzial vorhanden war. Die technischen Fähigkeiten der koreanischen Crews sind unbestritten. Die Kameraarbeit ist phasenweise atemberaubend, die Spezialeffekte können mit jeder westlichen Großproduktion mithalten. Aber Technik ohne Herz ist kalt. Wir haben hier eine perfekt geölte Maschine, die leerläuft. Wenn wir akzeptieren, dass Kino nur noch aus dem Aufbau von Universen besteht, verlieren wir die Kunst der Erzählung. Das südkoreanische Kino stand einmal für das Unerwartete. Heute steht es zunehmend für die Perfektionierung des Bekannten.
Wer heute einen Blick auf die Kinolandschaft wirft, sieht eine Flut von Titeln, die alle die gleiche Sprache sprechen. Wir werden mit Reizen überflutet, aber wir verlassen das Kino oft mit einem Gefühl der Leere. Es ist die Aufgabe der Kritik, auf diesen Verlust hinzuweisen. Wir dürfen uns nicht von glänzenden Oberflächen blenden lassen. Wenn wir aufhören, Tiefe einzufordern, werden wir sie nie wieder bekommen. Die Entwicklung, die wir hier sehen, ist ein Warnsignal für alle, denen die Vielfalt des Weltkinos am Herzen liegt. Es ist Zeit, die Schauwerte zu hinterfragen und wieder nach der Substanz zu suchen, die unter dem CGI begraben liegt.
Die Sehnsucht nach dem nächsten großen Ding hat uns blind gemacht für die Schönheit der kleinen, präzisen Geschichte. Wir feiern die Expansion, während wir die Substanz verlieren. Am Ende bleibt nur die Erkenntnis, dass ein größeres Budget oft nur die Unfähigkeit kaschiert, etwas wirklich Neues zu sagen.
Das Kino wird erst dann wieder seine alte Stärke finden, wenn es aufhört, eine Kopie seiner eigenen Ambitionen zu sein.
