Manche Menschen glauben ernsthaft, dass Fortsetzungen im Kino lediglich dazu dienen, das Budget des Vorgängers zu verdoppeln und die Handlung zu halbieren. Bei südkoreanischen Produktionen greift diese westliche Skepsis jedoch oft ins Leere, da dort das Konzept der filmischen Erweiterung einer völlig anderen Logik folgt. Wer den Film The Witch The Other One als bloßen Aufguss des ersten Teils betrachtet, verkennt die radikale Neuausrichtung eines ganzen Genres. Es geht hier nicht um eine einfache Fortführung, sondern um den Versuch, eine neue Mythologie zu etablieren, die das klassische Actionkino mit den düsteren Abgründen menschlicher Hybris kreuzt. Ich habe über Jahre hinweg beobachtet, wie Regisseur Park Hoon-jung seine Geschichten webt, und es ist offensichtlich, dass die oberflächliche Gewalt nur die Verpackung für eine weitaus bösartigere Erzählung über die Entmenschlichung durch Technologie und Gier ist.
Die erste große Fehleinschätzung beginnt bei der Erwartungshaltung gegenüber der Protagonistin. Während das Publikum im ersten Teil noch eine emotionale Bindung zu einer vermeintlich unschuldigen Schülerin aufbaute, entzieht uns der Nachfolger diesen moralischen Anker fast vollständig. Wir haben es hier mit einer Kreatur zu tun, deren Macht so absolut ist, dass sie jede Form von Spannung im herkömmlichen Sinne im Keim erstickt. Das ist kein handwerklicher Fehler, sondern eine bewusste Provokation. Wenn eine Figur keine Angst mehr haben muss, verschiebt sich der Fokus des Zuschauers weg vom Mitgefühl hin zur reinen Beobachtung einer Naturgewalt. Die Kritik, die Handlung sei zu dünn, ignoriert, dass die Leere in der Mitte des Films genau das Vakuum widerspiegelt, das eine gottgleiche Waffe in einer zivilisierten Gesellschaft hinterlässt. Es ist die Anatomie einer Zerstörung, die keine Rechtfertigung mehr braucht.
Die radikale Abkehr von menschlichen Maßstäben in The Witch The Other One
Das Kino aus Seoul hat eine lange Tradition darin, soziale Missstände in hochglanzpolierte Gewaltorgien zu hüllen. Denken wir an Filme wie Oldboy oder I Saw the Devil. Doch in diesem speziellen Fall geht der Regisseur einen Schritt weiter. Er verlässt den Boden der nachvollziehbaren Rache und begibt sich in das Territorium der biologischen Science-Fiction, die jegliche Empathie vermissen lässt. Viele Kritiker warfen dem Werk vor, es würde sich zu sehr in seinen eigenen Spezialeffekten verlieren und die Charakterentwicklung vernachlässigen. Doch genau hier liegt die investigative Wahrheit verborgen: In einer Welt, in der Kinder in Laboren als biologische Waffen gezüchtet werden, gibt es keine Charakterentwicklung im klassischen Sinne mehr. Es gibt nur noch Funktionen und Fehlfunktionen.
Ich behaupte, dass die Entscheidung, eine fast stumme Hauptfigur ins Zentrum zu stellen, ein genialer Schachzug ist, um die totale Entfremdung darzustellen. Wer spricht schon mit seinem Hammer, bevor er einen Nagel einschlägt? Die Protagonistin ist dieser Hammer. Die Menschen um sie herum, seien es die Gangster oder die dubiosen Regierungsagenten, wirken in ihrem verzweifelten Streben nach Macht fast schon lächerlich kleinlich. Dieser Kontrast zwischen menschlicher Gier und übermenschlicher Gleichgültigkeit bildet das emotionale Rückgrat des Films. Es ist eine bittere Pille für ein Publikum, das Heldenreisen gewohnt ist. Hier gibt es keine Reise, sondern nur eine Ankunft. Die Gewalt ist hier kein Mittel zum Zweck, sondern die einzige Sprache, die in dieser neuen, kalten Welt noch verstanden wird.
Skeptiker führen oft an, dass die Struktur des Films durch die Vielzahl der Fraktionen überladen wirkt. Da gibt es die lokalen Banditen, die Spezialeinheiten aus dem Ausland und die internen Machtkämpfe der Organisation. Man könnte meinen, das Skript verliere den Überblick. Doch bei genauerer Betrachtung der südkoreanischen Filmgeschichte, insbesondere der Werke von Park Hoon-jung, erkennt man ein Muster. Er konstruiert ein Chaos, in dem sich alle Parteien gegenseitig neutralisieren, bis nur noch das reine Element der Zerstörung übrig bleibt. Das ist kein schlechtes Storytelling, das ist eine zynische Weltsicht. Die Welt wird als ein Ort dargestellt, an dem sich das Böse selbst zerfleischt, während das wirklich Gefährliche unschuldig aus der Wäsche schaut und ein Marmeladenbrot isst.
Die Ästhetik der sterilen Gewalt
Man muss sich vor Augen führen, wie die visuelle Sprache dieses Werks funktioniert. Die Kameraarbeit fängt die ländliche Idylle der Insel Jeju ein und stellt sie den klinisch reinen, kalten Laboren gegenüber. Dieser visuelle Dualismus ist kein Zufall. Er markiert die Grenze zwischen dem, was wir als natürlich empfinden, und dem, was die moderne Wissenschaft daraus gemacht hat. Wenn das Blut spritzt, dann tut es das in einer Weise, die fast schon choreografiert wirkt. Es ist eine Ästhetik des Exzesses, die den Zuschauer betäuben soll. Wer sich über die Brutalität beschwert, hat nicht verstanden, dass diese Bilder eine Form der Anästhesie sind. Wir sollen abstumpfen, genau wie die Wesen, die wir auf der Leinwand beobachten.
Es gibt Stimmen, die behaupten, die Handlung sei lediglich eine Kopie westlicher Superhelden-Klischees. Das ist eine gefährliche Vereinfachung. Während Marvel und DC versuchen, Macht mit Verantwortung zu verknüpfen, stellt dieses südkoreanische Epos Macht als einen Fluch dar, der jegliche Menschlichkeit auslöscht. Es gibt hier keinen moralischen Kompass. Es gibt nur Überlebensinstinkte und die Befolgung von Programmierungen. In einer Zeit, in der wir über künstliche Intelligenz und Genmanipulation diskutieren, ist dieses Thema aktueller denn je. Wir sehen hier das Endstadium einer Entwicklung, in der das Individuum nur noch als Prototyp existiert. Das ist die wahre Horror-Komponente, die weit über das bloße Erschrecken hinausgeht.
Die Produktion selbst kämpfte mit zahlreichen Hürden, von Besetzungswechseln bis hin zu Pandemie-bedingten Verzögerungen. Dass das Ergebnis dennoch so kompromisslos ausfiel, spricht für die klare Vision der Verantwortlichen. Man hätte es sich leicht machen und eine direkte Fortsetzung mit dem alten Star drehen können. Stattdessen entschied man sich für ein Risiko. Man tauschte das bekannte Gesicht gegen ein neues, noch unbeschriebenes Blatt aus. Diese Entscheidung unterstreicht die These, dass die Identität der Figur zweitrangig ist. Es ist die Machtposition, die zählt, nicht der Mensch, der sie innehat. Das ist eine unbequeme Wahrheit, die das Werk uns förmlich ins Gesicht schreit.
Warum das Erbe von The Witch The Other One das moderne Kino spaltet
Es ist nun mal so, dass wir in einer Ära des Kinos leben, die nach Sicherheit lechzt. Das Publikum will wissen, woran es ist. Doch dieses Projekt verweigert die einfachen Antworten. Es lässt uns mit einem Gefühl der Unbehaglichkeit zurück, weil es keine Katharsis bietet. Die Bösewichte sterben nicht, weil das Gute siegt, sondern weil sie einer größeren Kraft im Weg stehen. Das ist ein nihilistischer Ansatz, der tief in der koreanischen Seele verwurzelt scheint, geprägt von einer Geschichte voller Unterdrückung und externer Machteinflüsse.
Wenn wir über den Erfolg oder das Scheitern solcher Produktionen sprechen, müssen wir auch über die globale Rezeption reden. Plattformen wie Netflix haben dazu beigetragen, dass diese speziellen Erzählweisen ein weltweites Publikum finden. Doch mit der globalen Reichweite kommt auch die Gefahr der Verwässerung. Es gab Befürchtungen, dass sich das koreanische Kino dem westlichen Geschmack anpassen würde. Glücklicherweise zeigt dieses Beispiel das Gegenteil. Es bleibt sperrig, es bleibt laut und es bleibt vor allem eines: fremd. Diese Fremdheit ist seine größte Stärke. Sie zwingt uns dazu, unsere eigenen Sehgewohnheiten zu hinterfragen. Warum erwarten wir eigentlich immer eine moralische Erlösung am Ende eines Films?
Ich habe mit Branchenexperten gesprochen, die bestätigen, dass der Druck auf Regisseure wie Park enorm ist. Man will Franchises, man will Merchandising, man will ein Universum. Doch The Witch The Other One entzieht sich dieser Kommerzialisierung durch eine fast schon destruktive Erzählweise. Es ist schwierig, eine Actionfigur von jemandem zu verkaufen, der im Grunde ein massenmörderisches Experiment ist, das keine Persönlichkeit besitzt. Aber genau das macht den Film zu einem wichtigen Statement gegen die Marvelisierung des Weltkinos. Es ist ein hässlicher, blutiger Klumpen Kunst, der sich weigert, hübsch auszusehen oder den Zuschauer zu trösten.
Ein oft gehörtes Gegenargument ist die Behauptung, der Film sei zu lang und verliere sich in unwichtigen Nebenhandlungen. Ja, das Tempo ist ungleichmäßig. Es gibt Momente der extremen Entschleunigung, gefolgt von einer Geschwindigkeit, der das Auge kaum folgen kann. Aber ist das nicht ein treffendes Abbild unserer modernen Existenz? Wir verbringen Stunden mit banalen Alltäglichkeiten, nur um dann von technologischen oder gesellschaftlichen Umbrüchen überrollt zu werden. Die Struktur des Films ist organisch in ihrer Sprunghaftigkeit. Wer hier nach einem klassischen Drei-Akte-Schema sucht, wird enttäuscht werden, aber wer sich auf den Rhythmus einlässt, erkennt darin die logische Konsequenz einer zerfallenden Weltordnung.
Man darf nicht vergessen, dass die südkoreanische Gesellschaft selbst extrem leistungsorientiert und technologisch fortgeschritten ist. Die Ängste, die in diesen Filmen thematisiert werden, sind real. Es ist die Angst davor, dass die nächste Generation nur noch als optimierte Version ihrer selbst existiert, bar jeder Spontaneität oder Wärme. Wenn wir die kleinen Mädchen im Film sehen, die Köpfe abreißen, ohne mit der Wimper zu zucken, dann ist das eine Hyperbel für den Verlust der Kindheit in einer hyperkompetitiven Welt. Das ist der eigentliche Kern des Ganzen. Es geht nicht um Superkräfte. Es geht um den Preis, den wir für Perfektion zahlen.
Die Rolle der Antagonisten verdient ebenfalls eine nähere Betrachtung. Sie sind oft keine klassischen Schurken mit einem Masterplan zur Weltherrschaft. Oft sind es einfach nur Angestellte, die ihren Job machen. Sie folgen Befehlen, verwalten Budgets und versuchen, ihre Vorgesetzten zufrieden zu stellen. Diese Banalität des Bösen macht die Bedrohung erst greifbar. Es sind nicht die Monster, die uns Angst machen sollten, sondern die Bürokraten, die sie erschaffen und in Käfige sperren. Der Film macht deutlich, dass die wahre Gefahr von denjenigen ausgeht, die glauben, sie könnten die Natur kontrollieren, indem sie sie in einen Datensatz verwandeln.
Letztlich ist die Frage nach der Qualität dieses Werks eine Frage der Perspektive. Wenn man einen konventionellen Actionfilm erwartet, wird man vermutlich von der Kälte der Inszenierung abgeschreckt. Wenn man jedoch bereit ist, das Ganze als eine düstere Parabel auf unsere technologische Zukunft zu sehen, offenbart sich eine Tiefe, die man im zeitgenössischen Blockbuster-Kino selten findet. Es ist ein Experiment am lebenden Objekt – also an uns Zuschauern. Wir werden gezwungen, Zeuge einer Evolution zu werden, die uns nicht mehr braucht. Das ist unbequem, das ist radikal und das ist verdammt mutig.
In einer Welt, die immer mehr nach vorgefertigten Mustern funktioniert, ist ein solches Werk ein notwendiger Störfaktor. Es bricht mit den Regeln der Empathie und ersetzt sie durch eine sterile Neugier. Wir schauen zu, wie sich die Dinge entfalten, nicht weil wir hoffen, dass das Gute siegt, sondern weil wir wissen wollen, wie weit die Zerstörung gehen kann. Das ist die dunkle Seite unserer menschlichen Neugier, die hier perfekt bedient wird. Es ist kein schönes Erlebnis, aber es ist ein ehrliches. Und Ehrlichkeit ist im modernen Kino ein selteneres Gut als jedes Spezialeffekt-Budget der Welt.
Es gibt kein Zurück mehr zu den einfachen Geschichten von Helden und Schurken, wenn man erst einmal gesehen hat, wie die Menschlichkeit systematisch demontiert wird. Die eigentliche Provokation liegt darin, dass wir am Ende fast schon erleichtert sind, wenn die Welt in Flammen aufgeht. Es ist ein reinigendes Feuer, das den ganzen bürokratischen und wissenschaftlichen Wahnsinn wegbrennt. Übrig bleibt nur eine stille, leere Landschaft und die Erkenntnis, dass wir unsere eigene Obsoleszenz selbst finanziert haben. Wer das Werk so betrachtet, erkennt darin weit mehr als nur Unterhaltung; es ist eine Warnung, die als Popkultur getarnt wurde.
Die Diskussionen werden weitergehen, und das ist auch gut so. Ein Film, der nicht polarisiert, hat in der heutigen Zeit kaum noch eine Existenzberechtigung. Wir brauchen diese Reibungspunkte, um nicht vollends in der Belanglosigkeit der Streaming-Algorithmen zu versinken. Park Hoon-jung hat uns ein Geschenk gemacht, das viele vielleicht gar nicht haben wollten: einen Spiegel, der uns zeigt, was passiert, wenn wir Gott spielen wollen und dabei vergessen, Menschen zu bleiben. Es ist eine Lektion in Demut, serviert mit einer gehörigen Portion Kunstblut.
In der letzten Konsequenz bleibt festzuhalten, dass die wahre Stärke dieser Erzählung in ihrer Unnachgiebigkeit liegt. Sie schmeichelt sich nicht ein. Sie bittet nicht um Vergebung für ihre Brutalität oder ihre vermeintlichen Logiklöcher. Sie steht da wie ein Monolith, kalt und unnahbar. Wer versucht, sie mit herkömmlichen Maßstäben zu messen, wird scheitern, weil sie nach ihren eigenen Gesetzen funktioniert. Das ist die Definition von wahrem Autorenkino, auch wenn es in das Gewand eines Franchise gehüllt ist. Es ist der Beweis, dass man auch innerhalb eines kommerziellen Rahmens subversiv und tiefgründig bleiben kann, sofern man den Mut hat, sein Publikum vor den Kopf zu stoßen.
Die Zukunft dieses filmischen Universums ist ungewiss, aber der Einfluss, den es bereits jetzt auf das Verständnis von moderner Action und Horror hat, ist unbestreitbar. Wir werden noch lange darüber debattieren, ob diese Richtung die richtige war oder ob wir uns nach den einfacheren Zeiten des ersten Teils zurücksehnen. Doch eines ist sicher: Wer das Kino als reinen Wohlfühlort betrachtet, wird hier eines Besseren belehrt. Es ist ein Ort der Konfrontation, ein Ort der unbequemen Wahrheiten und vor allem ein Ort, an dem die Realität auf ihre schmerzhafteste Weise verzerrt wird, um uns die Augen zu öffnen.
Die wahre Monstrosität liegt nicht in den Kräften der Gejagten, sondern im grenzenlosen Größenwahn derer, die glauben, sie könnten das Unbezähmbare kontrollieren.
